Nun geht es weiter mit dem zweiten Teil und dieses mal, möchte ich mir zu einem Thema Gedanken machen, welches mich persönlich ganz besonders beschäftigt.

Wie hart ist hardcore?

Begriffe wie Veteran, Hardcore, Nightmare, Einsteiger, Übermensch oder Anfänger fliegen uns um die Ohren. Die Rede ist natürlich vom wählbaren Schwierigkeitsgrad.

Was zunächst wie eine unwesentliche Auswahl wirkt, entpuppt sich sehr schnell als die wohl wichtigste Entscheidung im Spiel. Die meisten von uns wissen ganz genau, dass ein im Grunde großartiges Spiel völlig ruiniert werden kann, ganz besonders dadurch, wenn es zu leicht ist. Wenn der Held nur so durch die Massen der Gegner pflügt, die etwa soviel Widerstand leisten, wie Grashalme einer Sturmböe.

Und genau hier liegt die wohl größte Kunst im Spieldesign und die gefährlichste Stolperfalle! Es ist nicht die bombastische Grafik, die packende Story oder das ausgefeilte Gameplay was die größten Begeisterungstürme auslöst. Nein, es ist die Herausforderung! Es ist das Balancing, was ein gutes Spiel wirklich spannend macht. Der Schwierigkeitsgrad und die damit gebotene Herausforderung sind quasi der Klebstoff, der all die anderen essenziellen Elemente eines Spiels miteinander verbinden.

In den meisten Reviews liest man oft bei aktuellen Titeln ähnliche Kritikpunkte, die natürlich meist auch gerechtfertigt sind. Es wird geredet über zu wenig Inovation, zu wenig Abwechslung, zu wenig Tiefgang oder Dramatik. Alles natürlich sehr bedeutende Elemente eines Spiels, doch auch alles Elemente, die mehr oder minder von der gebotenen Herausforderung in einem Spiel abhängen. Und natürlich beklagen sich auch viele Spieletester und erfahrene Spieler über einen laschen Schwierigkeitsgrad. Ein Punkt der leider nicht so häufig angeführt wird, wie es meiner Meinung nach nötig wäre. Denn hieran scheitern mit Abstand die meisten Entwickler.

Doch wo liegt die Krux beim Schwierigkeitsgrad von Videospielen? Es fängt natürlich gleich damit an, dass jeder Spieler unterschiedlich erfahren im Umgang mit Gamepad oder Maus & Tastatur ist. Außerdem gibt es kein messbares Maß für die Herausforderung in einem Spiel oder um die Fähigkeiten eines Spielers zu definieren.

Begriffe wie Leicht, Normal, Schwer, Hardcore, Übermensch sind leider eine mehr als wässrige Umschreibung, die auch ganz extrem von der Perspektive abhängt. Was ist „Normal“, wo liegt den ein normaler Schwierigkeitsgrad, bzw. was zeichnet ihn als normal aus? In dem einen Spiel ist Hardcore für den einen Spieler unschaffbar und reiner Frust, im nächsten Spiel vielleicht genau richtig. Bin ich ein „Veteran“ oder doch eher ein „Noob“?

Vielleicht halte ich mich selbst für einen Ego-Shooter Veteran, denn ich habe fast jeden namenhaften Ego-Shooter der letzten 20 Jahre gespielt, von Doom über Quake bis Call of Duty. Doch dann logt man zum ersten mal in ein Online Spiel ein und wird prompt als Noob bezeichnet, da man noch am Spawnpunkt das Zeitliche segnet. Was bin ich denn nun? Na gut, dass man Online gleich als Noob beschimpft wird ist sicher eine Unart die auf ein ganz anderem Problem fußt, doch ich denke der Grundgedanke ist klar. Es ist eine Frage der Perspektive. Und diese Perspektive ist absolut individuell.

Das Problem ist nun klar, doch wo liegt nun die Lösung? Dies ist natürlich alles andere als einfach, denn wenn es nicht so wäre, bestünde dieses Problem ja erst gar nicht.

Ich möchte hier auch keine konkrete Lösung bieten, bzw. kann es auch gar nicht. Was ich möchte ist, dass man den Fokus mehr auf die Herausforderung eines Spiel setzt, oder wenigtens etwas von der Energie für noch bombastischerer Grafik, oder ähnliches, auf viel wesentlichere Dinge, wie eben den Schwierigkeitsgrad lenkt. Ich denke ein Spiel würde sich deutlich besser verkaufen, wenn man nicht die neuste Referenz in Punkto Grafik anpeilt, sondern dem Spieler durch ein gutes Balancing eine passende Herausforderung und somit eine spannenderes Spielvergnügen bereitet.

Der Blick zurück

Wenn ich an die damalige Zeit denke fallen mir diverse Titel ein die ich geliebt habe und die meisten dieser Spiele hatten eines gemeinsam, sie waren bockschwer, fast unschaffbar. Ich erinnere mich an Spiele wie „Couldron“ oder zu deutsch „Hexenkessel“, welches damals auf C64 erschien. Das Spiel war im grunde eine Art Jump n' Run, aber nur entfernt. Der Spieler übernahm die Rolle einer Hexe und hatte die Aufgabe die nötigen Zutaten für einen Zaubertrank zu finden. Also schwingt man sich auf den Besen und fliegt durch die 2D Welt und versucht Schlüssel und eben besagte Zutaten zu finden. Couldron ist mit Abstand eines der schwierigsten Spiele an die ich mich erinnern kann. Nicht nur, dass es eine absolute Kunst war sicher zu landen, kamen einem auch Horden von Feldermäusen und anderes Getier entgegen, denen man ausweichen musste.

Der Hauptgrund für die unfassbare Anforderung an den Spieler lag in erster Linie an einer mehr als mäßigen und trägen Steuerung und doch habe ich mich an dem Spiel damals festgebissen und es immer und immer wieder versucht. Doch bis heute habe ich es nie geschafft das Spiel zu beenden.

Dann fällt mir z. B. ein etwas bekannterer Titel ein... Doom! Wir alle kennen Doom und wir alle haben den Titel gespielt, doch mal Hand aufs Herz, wer hat das Spiel ohne Cheats auf dem höchsten oder zweit höchsten Schwierigkeitsgrad (oder überhaupt) wirklich durchgespielt? Ich denke nur sehr wenige. Ich habe Doom damals bis zum verrecken gespielt, doch ganz ohne Cheats auf den höchsten Stufen habe ich Doom 1 erst beendet, als es kürzlich in der BFG Edition von Doom 3 neuaufgelegt wurde. Und es war kein Zuckerschlecken kann ich Euch sagen, doch ich hatte schon lange nicht mehr soviel Spaß an einem Spiel.

Ich könnte jetzt noch massig anspruchsvolle Titel von früher anführen, z. B. Persian Gulf Inferno (C64/Amiga), Verlies (C64), Mega Man (diverse Konsolen), Battletoads (SNES), Prince of Persia (C64/Amiga/PC) und vieles mehr.

Man hört viele alteingesessene Gamer oft darüber klagen, dass Spiele früher viel anspruchsvoller gewesen sind und das ist auch nicht unbedingt falsch, doch worum war das so?

Zum einen liegt der fast immer hohe Schwierigkeitsgrad von alten Spielen meist auch mit an einer eher mäßigen Steuerung. Verglichen mit heutigen Möglichkeiten und den meist sehr päzisen Steuerungsmethoden waren die Spieler früher ein graus. Die Steuerung war im besten Falle hakelig und ungenau, oft aber auch träge und steif. Alleine dadurch wurden viele Spiele schon wahnsinnig schwer, aber man war es damals gewohnt und es war ja in jedem Spiel zumindest ähnlich. Früher war es das nicht bewusst, dass die Steuerung graussam war, woher auch, es gab ja keine Referenz die es besser machte. Wie schlimm es teilweise war, fällt einem erst heute auf, wenn man nochmal einen der alten Klassiker auspackt und spielt. Das Couldron z. B. wegen der Steuerung eigentlich fast unspielbar war ist mir auch erst vor wenigen Jahren aufgefallen, als ich den Titel nochmal zum Laufen gebracht habe.

Aber die Oldschool Games waren natürlich auch aus anderen Gründen extrem schwer. Oft war es reine Absicht, teilweise sogar mit der Absicht das Spiel unschaffbar zu machen. Dies diente vor allem an Arcade Automaten dazu den Leuten die Münzen aus der Tasche zu ziehen oder eben um die Spielzeit extrem hochzutreiben.

Das dies nach heutigen Ansprüchen und Maßstäben der falsche Weg ist, muss man natürlich nicht erwähnen.

Die Aussage, dass die Spiele früher besser waren, vor allem wenn es mit dem Schwierigkeitsgrad begründet wird, sollte also stets mit Vorsicht genossen werden. Wer gerne alte Klassiker in einer solchen Argumentation anführt, der sollte dieses Spiel nochmal anschmeißen, wenn man es seit 10 Jahren oder länger nicht mehr gespielt hat, denn unsere Wahrnehmung von Spielen hat sich dramatisch geändert und auch die Erinnerung an alte, geliebte Klassiker ist meist sehr verzerrt und verwaschen, auch wenn wir es selbst nicht direkt merken.

Mehr Präzision und weniger Anspruch

Spiele wurden umfangreicher, neue Genres sind entstanden und neue Gameplaymöglichkeiten kamen hinzu, ganz extrem z. B. durch den Spung in die 3. Dimension. Vergleicht mal die Handlung eines Spiels mit damals. Heute beschäftigt man Autoren die eine Geschichte zu einem Spiel schreiben. Es gibt Kinoreife Videosequenzen oder Spiele wie Heavy Rain die sich ganz und gar nur um die Story drehen, wo alle anderen Spielelemente untergeordent werden. Spiele können heute mindestens genau so unterhalten wie Filme oder Bücher, wenn nicht sogar mehr.

Vor 15 bis 20 Jahren hat kein Hahn nach einer Story in einem Spiel gekräht. Man konnte fast schon froh sein, wenn es überhaupt den Ansatz einer Story gab. Meist wurde die Story nur grob im Handbuch angerissen. Erst durch Spiele wie Ultima oder die ganzen Point and Click Adventures wie Monkey Island, Maniac Mansion oder King's Quest wurden Storyinhalte in Spielen langsam aber sicher wichtiger und dies auch nur in vereinzelten Genres. Ego-Shooter sind vermutlich einer der jüngsten Kategorien, immerhin konnte diese Art Spiele erst mit der 3D Technik wirklich entstehen. Wer interessierte sich schon für eine Story bei Doom, Quake oder Duke Nukem? Story bedeutet bei diesen Spielen meist ein kurzer Introtext und das selbe nochmal im Abspann.

Erst Half-Life zeigte auf, wie sehr ein Ego-Shooter von einer Story profitiert.

Doch neben alle dem entwickelte sich natürlich auch die Technik für die Steuerung von Spielen weiter. Ganz besonders natürlich durch die gebotene Hardware. Früher hatte man nur eine Tastatur und im Idealfall noch ein oder zwei Joysticks, wie den guten alten Competition Pro. So kultig Joysticks auch sind, seien wir mal ehrlich, bis auf moderne Joysticks in Flugsimulationen, präzise waren die Teile nicht.

Mit der Maus kamen dann viele neue Möglichkeiten hinzu. Erst durch die Maus wurde Echtzeitstrategiespiele wie z. B. Dune und später Command & Conquer wirklich möglich, bzw. gut spielbar.

Die ersten Ego-Shooter wie "Doom" und "Duke Nukem" spielten die meisten noch ohne Maus. So richtig nötig war die Maus damals auch noch nicht, denn nach oben und unten schauen konnte man, bzw. brauchte man ohnehin nicht. Dies machte die Spiele natürlich auch etwas schwerer, denn eine komplette 180 Grad Drehung kostet einfach Zeit und meist auch wertvolle Lebenspunkte.

Und der Trend wird auch hier sicher fortschreiten. Heute haben wir Lasermäuse, die extrem präzise sind und kaum ein Gamer wurde noch eine einfache optische Maus nutzen, obwohl diese im Vergleich zu den alten Kugelmäusen ein echter Quantensprung gewesen sind. Wir haben Bewegungssteuerung dank der Nintendo Wii, wir haben Steuerungsmöglichkeiten ganz ohne Geräte, wie mit Kinect für die X-Box 360.

Diese neuen Möglichkeiten bringen natürlich auch wieder neue Anforderungen mit sich und besitzen selbst noch eine gewissen Ungenauigkeit, aber auch hier wird wie bei der Entwicklung der Maus mit der Zeit sicher auch noch deutlich mehr Präzision erzielt.

Und all diese neuen technischen Entwicklungen und damit verbunde Genauigkeit gibt uns heute eine vielumfassendere Controller über die Spiele, die wir spielen. Und dies ist sicherlich ein sehr entscheidender Grund, weshalb uns heute Spiele soviel leicht vorkommen.

Doch natürlich darf dies nicht das Ende vom Lied sein. Es gibt vielfältige Möglichkeiten eine knackige Herausforderung für Spieler zu bieten. Ob durch eine extrem gewitzte K.I. der Gegner, was wohl der schwierigste, aber auch beeindruckenste Weg wäre, oder eben durch das Ansprechen der Geschicklichkeit des Spielers oder eben interessante und knackige Rätsel.

Ich kann natürlich auch keine Pauschale Lösung für dieses Dilemma des fehlenden Anspruchs bieten, aber Möglichkeiten sind definitiv vorhanden. Ich fürchte einfach, dieser Komponente wird meist zu wenig Aufmerksamkeit geschenkt, man konzentriert sich zu stark auf die Präsentation des Titels.

Wer meinem YouTube Kanal beobachtet wird wissen, dass ich meine Let's Plays meist unter dem Motto „Extreme Hard“ spiele. Dieses Motto bedeutet ich spiele die Games, wenn möglich, im höchsten Schwierigkeitsgrad. So habe ich z. B. Crysis 3 auf Post-Humaner Krieger beendet oder spiele BioShock: Infinite im 1999 Mode.

Doch hat mich einer dieser Titel wirklich gefordert, mich an meine Grenzen gebracht? Nein! Ganz klar – Nein!

Natürlich gab es Stellen die knackig gewesen sind, natürlich bin ich an mancher Stelle mehrfach gestorben und habe auch mal geflucht. Aber so richtig in schwitzen kam ich nie, so dass der Erfolg um so süßer gewesen wäre... und genau hier liegt das Probelm!

Die Herausforderung der Herausforderung

Doch warum ist es so verdammt wichtig?

Wenn der mächtige Krieger, eingepackt in einer dicken Rüstung und einer gigantischen, magisch glühenden Streitaxt durch die Gegnerhorden pflügt, die Monster in Scharen fallen und dem Krieger scheinbar nichts entgegen setzen können außer ihrer nun mehr toten, kalten Körper und der Krieger eine schneise der Verwüstung hinter sich her zieht, macht dies extrem viel Spaß. Aber nur etwa 5 Minuten.

Wenn ich als Spieler vor dem Bildschirm sitze und mit jedem Mausklick ein oder mehrer Gegner fallen und ich kaum hinzusehen brauche sinke ich irgendwann auf meinem Schreibtischstuhl zusammen und klicke gelangweilt auf dem Spielfeld herum.

Macht zu haben macht jedem Spaß, keine Frage. Doch der wichtige Unterschied ist, wie kam ich zu dieser Macht? Habe ich sie mir über Stunden oder Tagen extrem hart erarbeitet, bin ich immer und immer wieder durch Verliese gerannt und habe Karten und Schrift gewälzt um mühevoll die Informationen zusammen zu tragen, wo ich die Teile oder Zutaten für diese übermächtige Rüstung finden kann? Oder wurde mir diese Macht wie einem Hund ein alter Knochen vorgeworfen?

Es ist das Erfolgsgefühl das den Unterschied macht. Natürlich ist es großartig ein Auto zu gewinnen, aber richtig stolz ist man erst, wenn man es im Schweiße seines Angesichts hart über Jahre erarbeitet hat. Man weiß was man dafür getan hat und hat es aus eigenem Antrieb geschafft. Und dies gilt überall im Leben, auch in Videospielen.

Jeder Mensch liebt das Erfolgsgefühl. Der Jubelschrei nachdem der mächtige Bossgegner gefallen ist, an dem ich mir immer und immer wieder im Laufe des Spiels die Zähne ausgebissen habe und auf den ich immer und immer wieder losgegangen bin nachdem ich bessere Ausrüstung gefunden habe. Das stolze Grinsen wenn die kluge und verschlagene Taktik funktioniert hat, wo rohe Gewalt nur zum Scheitern führte. Das zufriedene Zurücklehnen wenn der Abspann vom Spiel läuft nachdem ich einen langen und harten Kampf gegen den finalen Boss endlich für mich entscheiden konnte.

Der Erfolg den wir selbst erringen schmeckt immer besser, als die Erfolge die uns andere beschaffen.

Doch reicht es natürlich nicht aus die Gegner eines Spiels einfach immens stark zu machen und so den Spieler permanent in sein verderben laufen zu lassen. Die Reaktion darauf ist nämlich Frust. Wenn ich an einem Gegner hoffnungslos immer wieder zerschelle und ich keine andere Alternative sehe, wie z. B. mit besserer Ausrüstung oder einer neuen Taktik später noch einmal wieder zu kommen, wird der Spieler schnell frustriert und wird bald aufgeben und im schlimmsten Fall das Spiel nie wieder anfassen.

Ein Spiel darf unendlich schwer sein, doch es muss dem Spieler immer eine Perspektive bieten. Und das ist natürlich leichter gesagt als getan.

Vor 15 Jahren waren wir es gewohnt trotz aller Widrigkeiten immer und immer wieder unser Glück zu versuchen. Dazu kam wir waren deutlich jünger und Zeit schien im Überfluss vorhanden zu sein. Doch inzwischen sind die meisten von uns erwachsen und im Berufsleben angekommen oder stecken im Studium. Dazu kommen andere Verpflichtungen wie eine Partnerin oder Partner, vielleicht sogar Kinder. Unsere Zeit ist ein kostbares Gut und diese wollen wir natürlich nicht an miese Spiele vergeuden. Daher fehlt oft auch die Motivation gegen den Frust anzukämpfen, was früher weniger ein Problem war.

Außerdem sind Spiele umfangreicher geworden. Wir verlangen inzwischen, ob bewusst oder unbewusst, nach Abwechslung. Monotones reinrennen in den immer selben Boss macht auf die Dauer keinen Spaß, eher im Gegenteil. Es sei denn ich habe eine Perpektive und kann mich, vielleicht auch nur vorerst, in andere Richtungen orientieren und es später erneut versuchen.

Ich habe das Gefühl heutige Entwicklerstudios wählen den bequemen Weg: „Lasst uns unser Spiel nicht zu schwer machen, damit jeder damit zurecht kommt.“

Das mag zwar den Frust während des Spielens vermeiden, aber spätestens wenn das Spiel beendet ist ist der Frust um so höher, wenn man 10 Stunden an einem Spiel gespielt hat und feststellt „Hmm... irgendwie war das ziemlich einfach.“ oder „War das alles?“.

Natürlich kann man sowas mit einer fesselnden Story oder actiongeladenen Szenen abfedern, aber wie genussvoll wären solche Erlebnisse wenn ich dafür auch hätte Kämpfen müssen. Wieviel glaubwürdiger wird eine Spielfigur, wenn nicht nur in der Story von mächtigen, unbezwingbaren Feinden die Rede ist, sondern ich dies auch zu spüren bekomme?

Als Zocker will ich etwas erleben. Ich möchte das Gefühl des Erfolgs schmecken und der schmeckt nur dann wirklich gut, wenn ich diesen Erfolg selbst erarbeitet habe.

Es mag viele großartige Spiele geben, aber nur die allerwenigsten fahren hier ein sauberes Konzept auf. Eines der wenigen Titel die dies geschafft haben in jüngster Zeit, waren Dark Souls und Demon's Souls.

Beide Titel wurden gleichermaßen von Spielern, wie auch Kritikern gefeiert. Aber warum?

Wegen bombastischer Grafik? Nein, zwar sieht Dark Souls gut aus, aber State-of-the-Art ist anders. Wegen einer fesselnden Story? Bestimmt nicht, die Geschichte lässt sich allenfalls als solide und unterhaltsam bezeichnen. Sie ist hier nur das Mittel zum Zweck.

Frag einen Zocker nach Crysis und er wird als erstes von der Grafik schwärmen, aber wenn es um das Spiel an sich geht, bleibt nur ein solider, aber doch recht uninspirierter Shooter zurück. Wenn man aber jemanden auf Dark Souls anspricht wird einem als erstes von dem extremen Anspruch vorgeschwärmt. Wie schwer das Spiel sei und wie vorsichtig man sein muss. Und dies überflügelt alle anderen Elemente des Spiels. Ist das Gameplay sonderlich ausgefeilt? Nein, das Gameplay ist sogar ziemlich simpel und auch etwas steif. Aber da bei Dark Souls eigentlich jeder Gegner eine Gefahr darstellt und einem sofort das Herz bis zum Hals schlägt sobald ein Skelett mit Roten Augen um die nächste Ecke kommt entsteht eine unfassbare Spannung. Die Kämpfe sind fordernd, man muss sich Taktiken für jeden Gegner zurechtlegen und auch wenn sie in großer Zahl erscheinen. Jeder einzelne Schritt ist gut überlegt. Es wird nicht gerannt, sondern ein Fuß sorgsam vor den anderen gesetzt. Sobald man einen neuen, unbekannten Gegner entdeckt wird man zunächst starr vor Angst. Fragen wie „Bin ich schon stark genug für diese Art Monster?“ oder „Was kann dieses Monster?“ rasen durch den Kopf.

Und das aus gutem Grund, denn eine Niederlage geht einher mit einem hohen Preis, ein Preis der zwar hoch ist, jedoch nicht das Spiel ruiniert sollte man doch ein vorzeitiges Ende finden. Habe ich mich doch übernommen oder ist ein Boss einfach noch viel zu mächtig, wende ich mich in eine andere Richtung, erkunde dort erstmal und versuche stärker zu werden bevor ich zurück kehre.

Natürlich ist auch "Dark Souls" nicht perfekt, aber es begeistert vor allem deshalb die Massen, weil es seit langer Zeit endlich mal wieder ein Spiel ist, dass selbst die härtesten Gamer fordert, aber trotzdem auch zugänglich für weniger erfahrende Zocker ist.

Wie die Einleitung erahnen lässt, handelt es sich dieses mal um ein echtes Raubein: "Edward Kenway". Ein Hybrid aus Assassine und Pirat: Eine bisher einzigartige Verflechtung zweier Komponenten in der Reihe von "Assassins Creed". Obendrein ist er auch noch der Großvater von "Connor", bekannt aus Assassins Creed 3. Wie das möglich ist? Zum ersten Mal in der Geschichte der Assassinen-Spiele geht man mit "Assassins Creed 4: Black Flag" weiter in der Timeline zurück: Knapp 60 Jahre, in das Jahr 1715, um genauer zu sein. Zurück in die Vergangenheit, könnte man sagen.

Havanna, Kingston, Nassau

Von diesen wird es auch nicht zu wenige geben! Euch erwarten berühmt berüchtigte Seeräuber: Blackbeard, Charles Vane, Calico Jack, Anne Bonny und Ben Hornigold. Inwiefern Euch diese dunklen Gestalten gesonnen sein werden ist jedoch nicht bekannt. Es heißt also abwarten und Tee trinken.

Große Versprechen

Auch wird es neben den drei größten Städte noch sage und schreibe fünfzig (!) weitere Locations geben, die Ihr natürlich frei und fröhlich erkunden dürft. Zu diesen Orten zählen beispielsweise Maya Pyramiden, Wälder, kleinere Ortschaften und vieles mehr. Wem das alles zu trocken wird, darf die Badehose einpacken, denn zum ersten Mal dürft Ihr die Unterwasserwelt eines "Assassins Creeds" entdecken. Dass das keine schnöden Tauchtrips werden, kann man sich anhand der Bilder bereits denken: Haie, Wale, Fische und zerborstene Schiffe warten auf dem Meeresgrund auf Euch. Da bleibt kein Höschen trocken.

Auch der Kampf wurde für Euch überarbeitet: Das Schleichsystem aus Teil 3 soll noch einmal eine Frischzellenkur erhalten haben. Was von Vorteil ist, denn das System wurde von vielen Seiten stark bemängelt. Im direkten Kampf heißt es dieses Mal "Zwei sind besser als eins", denn Euer (Anti-) Held "Edward Kenway" kämpft wahlweise mit zwei Schwertern, zwei Pistolen oder auch einem Mix aus beiden tödlichen Komponenten. Gepaart mit der gewohnten Artistik der Assassinen sorgt das wieder für atemberaubend cineastische Kampfchoreographien.

Trailer

Wie schön sie doch war: Die gute alte Zeit. Ende der 70er Jahre erhielt dass Horror-Genre einen großen Aufschwung und bescherte uns damit Perlen, Kultfilme und Klassiker. Einer dieser Klassiker und gleichzeitig einer der berühmt berüchtigtsten, ist die Mutter des Splatterfilms, "Evil Dead", oder in Deutschenlanden besser bekannt als "Tanz der Teufel." Einer der Filme, der als Grund zur Einberufung der FSK (Freie Selbstkontrolle) diente. Zu gewalttätig, ungeheuerlich und schlussendlich nicht mehr tragbar für die deutschen Kinos, verbannte man "Tanz der Teufel" auf den Index und somit raus aus den Ladentheken und den Köpfen der Bevölkerung. Doch weit gefehlt. Mit einer riesigen, stetig wachsenden Fangruppe und den Nachfolgern des Originals verblieb "Tanz der Teufel" über Jahrzente in aller Munde. Und genau diese Münder waren auch die ersten, die voller Sabber waren, als man es verkündete: "Evil Dead" wird neu aufgelegt. Und am 16. Mai ist es in Deutschland endlich soweit: Jetzt entscheidet sich, ob die Spucke im Mund trocknen wird, weil sie einem ganz einfach weg bleibt oder ob man sie direkt gen Leinwand spuckt.

Hier wird nicht getanzt

Dabei gibt es alles, was man braucht: Hektoliterweise Blut, nervöse Bäume, schön anzusehende, beinahe komplett computerfreie Effekte, Kettensägen und abgetrennte Gliedmaßen. Man bekommt also das, was man erwartet. Doch hier kommt der kleine Haken in der blutgetränkten Euphorie.

Böser Trailer

Es gibt wieder was zu gewinnen!

Da wir heute unseren 200. Artikel online stellen, bieten wir Euch die tolle Gelegenheit, einmal das Spiel bei uns zu gewinnen!

Was müsst Ihr dafür tun?

Man nennt mich Man, Iron Man

3D - Oh, Ne.

Trailer

Videospiele mit einer Monster Hunter Mechanik üben auf mich eine gewisse Anziehungskraft aus, der ich nur schwer widerstehen kann. Allerdings schrecken sie mich meistens auch ebenso schnell wieder ab, da ihre Lernkurve bzw. der Anstieg des Schwierigkeitsgrades meist exponentiell ist. Gefühlt zumindest. Seit längerem jieperte ich schon auf einen Monster Hunter Klon auf der PS Vita. Schnell mal im Zug oder in der Pause ein Monster schnetzeln, warum nicht? Ragnarok Odyssey lächelte mich wochenlang an, aber ich sagte mir, warte mal auf Soul Sacrifice. Und das Warten hat sich gelohnt: Das Sony-exklusive JAPAN Studio lieferte weit mehr als "bloss" einen Monster Hunter Klon ab.

Verzweifelte Lage

Universal-Buch

Was ich zu diesem Zeitpunkt noch nicht überblicke: Librom ist im Prinzip das komplette Spiel. Es handelt sich um ein Tagebuch eines Zauberers, dessen niedergeschriebene Taten ich in sogenannten Phantom-Quests nacherleben kann. Natürlich gibt es auch eine Seite mit einem Portrait dieses Zauberers, das ich nach Herzenslust überschreiben darf. So darf ich das Aussehen und den Namen meines Zauberers festlegen. Dabei sind aber auch etliche Seiten des Buches noch unleserlich und erschließen sich mir erst nach und nach. Ebenso decke ich auch Schritt für Schritt die Hintergründe und die Geschichte des Spiels auf.

Gier hat sich in der Welt breitgemacht. Und wer zu gierig ist, mutiert zu einem fürchterlichen Monster. Nicht nur Menschen sind davon betroffen, auch Tiere. Die Zauberer sorgen dafür, das Gleichgewicht in der Welt zu bewahren, indem es ihr Recht und ihre Pflicht ist, diese Monster zu bekämpfen. Das hört sich im ersten Moment wahnsinnig billig konstruiert an, entpuppt sich aber als glaubhafte Hintergrundgeschichte. Denn auch Zauberer können der Gier zum Opfer fallen. Jedes besiegte Monster kehrt kurzzeitig zu seiner normalen Form zurück und winselt um Gnade. Der Zauberer steht dann vor der Wahl, das Lebewesen zu retten oder zu opfern. Rettet der Zauberer ein Wesen, wirkt das verstärkend auf die Abwehrkräfte und die Lebensenergie. Opfert er einen Gegner, wird der Zauberer mächtiger und stärker, indem er die Seele des Opfers in sich aufnimmt.

Nichts für Linkshänder

Soul Sacrifice wagt den Spagat zwischen zwei grundsätzlich unterschiedlichen Ansätzen zur Charakter-Entwicklung. Auf der einen Seite gibt es ein System der Erfahrung und des Stufen-Aufstiegs. Jedes Mal, wenn ein Gegner nach dem Kampf gerettet oder geopfert wird, steigt der Füllstand in der Lebens- oder Magieanzeige. Ist die Anzeige gefüllt, steht ein Stufen-Aufstieg an. Die Summe der Lebens- und Magiestufe kann den Wert 100 nicht übersteigen. Es obliegt dem Spieler zu entscheiden, ob er den Charakter ausgewogen entwickelt oder spezialisiert. Auf der anderen Seite stehen die ganzen Zauberkräfte, die durch kleine, runde Marken symbolisiert werden. Diese Zauber-Marken erhält man als Quest-Belohnung. Je besser ein Quest abgeschlossen wird, desto bessere und seltenere Zauber erhält man. Jeweils zwei gleiche Zauber können zu einem höherwertigen Zauber kombiniert werden. Bis zu drei Sternchen lassen sich pro Zauberkraft erreichen, bevor der Zauber komplett in eine neue Stufe angehoben wird, wo er z.B. deutlich mehr Schaden verursacht.

Und gerade, als das Spiel einen Tick zu schwer für mich wurde, schaltete ich die ersten Begleiter frei, die mich in Kämpfen unterstützen. Sollte es also mal keine Online-Anbindung geben, um mit drei weiteren Zauberern in unzähligen Avalon-Quests (ich kann "erst" 46 davon in Librom erkennen) abzutauchen, darf man sich auch bis zu zwei KI-Gefährten aussuchen, die einen im Kampf unterstützen.

Du opferst mich, ich opfer' Dich

Durch und durch stimmig

Unterlegt wird das Schmökern in Librom und die actionhaltigen Kämpfe durch einen tollen Soundtrack, der sowohl ruhigere, melancholische Töne anstimmt, dann aber auch anpeitscht, um wieder und wieder die Monster anzugehen. Die englischen Synchronsprecher liefern ebenfalls einen guten Job ab. In der deutschen Version, müssen wir uns mit Untertiteln begnügen.

Wunderschön sind die Seiten in Librom geworden, auf denen die Geschichte des Zauberers aus dem Tagebuch und teilweise auch die Geschichten der Zauberer und Menschen, denen er begegnet, erzählt wird. So erwachen 2D und 3D Effekte und Animationen zum Leben, während Ihr so durch die Seiten blättert, stilecht natürlich durch Wischen auf dem Touchscreen.

Trailer

Welcher Held bist du?

Die Charaktere sind in verschiedene Arten unterteilbar: Die leichten wendigen Helden und Schurken, die dafür weniger Schaden anrichten; die eher ausgewogenen Kämpfer, die durchschnittlichen Schaden anrichten und die Klopse, die alles kaputt hauen, wenn sie denn treffen.

Entscheidender Unterschied zu anderen aktuellen Kampfspielen ist wohl die Leichtigkeit des Systems: Ihr müsst keine großartigen Kombos lernen und auch nicht ganz kampferprobte Spieler finden schnell einen Zugang und es kommt mehr auf den richtigen Einsatz der Special Moves an. NetherRealm Studios, welche schon für den letzten Mortal Kombat-Teil verantwortlich waren, haben ein wenig an ihrem System rumgeschraubt um noch mehr Spieler anzusprechen.

Jeder Held oder auch Anti-Held hat seine eigenen Finessen, diese aktiviert man mittels B bzw. Quadrat. Das kann sehr verschiedenes sein: Batman schmeisst z.B. drei Hilfs-Batarangs, Nightwing macht aus seinen zwei Elektro-Schlagstöcken einen Stab und Wonder Woman wechselt von ihrer Peitsche auf eine Kombi aus Schild und Schwert. Das macht jeden für sich einzigartig und gibt Euch eine zusätzliche Palette an Strategien, die man gegen seinen Gegner einsetzen kann, wenn man denn weiß wie, denn wie hier gilt: Übung macht den Meister!

Schere, Stein, Papier, AUTO

Weh tun kann man seinen Gegenüber aber auch noch auf eine andere, elegantere Art und Weise: Kloppt sie durch eine Wand. Das klingt nicht so spektakulär? Das ist es aber, denn hinter jeder Wand verbirgt sich eine schön schmerzhaft anzusehende Einstellung, die den Widersacher knappe 10 bis 12 Sekunden lang Lacher und Schmerzen bereiten wird. Durch einen kurze Kombination aus nach hinten und A bzw. X gibt es einen Launch-Angriff, dessen Folge verheerend wird. Schonmal durch Batmans Villa geflogen? Nein? Launch. Schon mal unfreiwillig in einen Helikopter geraten? Nein? Launch! Da kommt Freude auf!

Und zu guter letzt gibt es dann noch die Kombination der beiden hinteren Trigger, die nach dem Aufbau einer Leiste, einen mächtigen Charakter spezifischen Move aktivieren, der die Gesundheit des Gegners schwer gefährdet. Wie diese Moves aussehen? Probiert es doch selbst mal aus! Mortal Kombat Spieler werden wohl auch hier wieder Paralellen finden.

Stärke: Umfang

Der bereits erwähnte Story-Modus hat Hand und Fuß, auch wenn es teilweise so wirkt, als wenn sie am falschen Körperende befestigt worden sind. Eigentlich ist alles davon, wie auch schon bei Mortal Kombat 9, eine kurze Einführung, warum sich jeder Held gegenseitig auf das Fressbrett kloppt. Geschrieben wurde die Geschichte immerhin von original DC-Autoren, welche ein Paralleluniversum erschaffen haben, in dem ausgerechnet Superman der Ober-Schurke ist und in welches die bekannten Helden des DC-Universums reingerutscht sind. Anhand Zwischensequenzen angelt man sich so von Kampf zu Kampf. Die deutsche Synchronisation schafft es leider nicht ganz die Dialoge überzeugend darzustellen, aber das sind wir Deutschen doch inzwischen auch oft genug gewohnt, oder?

Im großen und ganzen zwar solide, aber nichts besonderes im Vergleich zu den Comics, aber trotzdem Grund genug es bis zum Ende zu spielen. Denn Hand auf's Herz: Bemus haben so gut wie nie richtige Stories und so hebt sich "Injustice: Götter Unter Uns" dennoch sehr angenehm von der Masse ab. Abseits des Story-Modus hat auch noch jeder Charakter sein eigenes kleines Ende, wenn man in den normalen Kampfleiter-Modus geht, wo Ihr einfach 10 verschiedene Gegner nach einander kaputt haut.

Man kann sich mit "Injustice: Gods Among Us" somit wirklich schon eine ganze Weile lang aufhalten. Suchtpotenzial ist auch gegeben. Man kann viel freischalten und die Verbesserung der eigenen Fähigkeiten sind natürlich immer ein schöner Nebeneffekt.

Möge der Apfel mit dir sein

Lobo DLC Trailer

Wir bedanken uns ganz herzlich bei Warner Bros. Interactive Entertainment für die freundliche Unterstützung und die Bereitstellung eines Rezensionsexemplares für die X-Box 360.

Doch nachdem ich letztens das Spiel mal anspielen durfte, hat sich mein Eindruck stark geändert und da habe ich mir den PSN-Titel am Wochenende noch schnell geshoppt und glatt das neue Tomb Raider dafür pausiert.

Super Metroid und Castlevania auf Tequila

Schöne Animationen und eine wunderbar reduzierte Optik machen einen spielerischen Spagat zwischen heißen Dörfern und Wüsten und kühlen Einblicken in das Reich der Toten. Alles noch zusätzlich untermauert durch einen schlichtweg genialen Soundtrack, welche knackige Beats mit Trompeten und mexikanischen Akustik-Gitarren mit kurzen Abstechern in Chiptunes-Gefielde macht.

Aber zurück zum Gameplay…

Was mich aber besonders fasziniert sind die Rätsel im Spiel. Erhaltet Ihr später Fähigkeiten wie einen Wandsprung, so bedarf es in fast schon Portal-artiger Manier eines klugen Köpfchens, um gewisse Räume zu schaffen.

In Boss-Kämpfen werden Eure erlernten Fähigkeiten dann endgültig auf die Probe gestellt und verlangen dem Spieler einiges ab. Das Spiel fängt zwar anfangs recht leicht an, aber nach und nach steigert sich der Schwierigkeitsgrad und wird dann vor allem bei den Endgegnern recht knackig. Wer einen zweiten Durchlauf im schweren Modus angeht, wird hier sogar noch mal zusätzlich gefordert.

Im übrigen freue ich mich besonders über einen Zwei Spieler Modus. Hier kann ein Freund jederzeit mit einem zweiten Controller eintreten. Sogar über die CrossPlay Funktion der PS Vita spielt man im Coop, allerdings wird beim zweiten Spieler "nur" eine Karte auf dem Screen angezeigt und die Action läuft für beide auf dem TV.

Juan gegen die dunkle Bedrohung

Schmunzeln werdet Ihr hier auch öfter mal, da sich die Macher es sich nicht haben nehmen lassen sämtliche Anspielungen auf andere Videospiele oder auf Internet-Memes zu machen.

Trailer

Der Metal-Coversongs-Sampler

Den Link findet Ihr hier: DarkCouchCastle.de presents: Cover to the People.

Das Free 2 Play Modell

Schaut rein und wir freuen uns natürlich über Euer Feedback!

Hinweis: Es kann unter Umständen zu Schwierigkeiten mit dem Internet Explorer kommen. Wir arbeiten dran! 

Prolog

Nerd Boy Rises

Aller Anfang ist Schwer – Der Einstieg

Geht einfach in einen Comicbuchladen. Holt euch ein Heft oder ein Buch, das Euch visuell anspricht und fangt an, es zu lesen. Wichtig dabei ist es nicht, direkt die Nase zu Rümpfen, wenn von Charaktern oder Geschehenissen geredet wird, die Ihr nicht kennt oder miterlebt habt. Holt Euch einfach das darauffolgenden oder vorherige Comic. Die besten Tipps können einem dabei die Comicbuchverkäufer geben und natürlich ist es sinnvoll, sich auch weitere Comics direkt bei dem Laden des Vertrauens zu bestellen. So baut sich über Monate und Jahre eine hervorragende Bindung auf, die Gold Wert sein kann. Außerdem unterstützt man hiermit auch noch "den kleinen Mann". Also es gilt: Wer nicht wagt, der nicht gewinnt. Das nächste Comic wartet sicherlich schon auf Euch.

Über den Tellerrand

"DC" will sich ein solches Geschäft natürlich nicht entgehen lassen, doch konkretes gibt es von der Seite leider nicht. Von Seiten des Comic-Publishers aus wünscht man sich natürlich das Gegenstück zu den "Avengers" in Form der "Justice League of America (JLA)", doch leider ist bisher weder ein Standalone-Held vorhanden noch gibt es den passenden Regisseur. Doch was ist das?! Ist es ein Vogel? Ist es ein Flugzeug?! Nein! Das ist Superman! Der unterhosentragende Herr vom Planeten "Krypton" kracht nämlich dieses Jahr in Form einer vielversprechenden Verfilmung in die deutschen Kinos und legt damit vielleicht den Grundstein zu den Träumen von "DC." Man darf gespannt sein. Ich für meinen Teil bin es!

Man of Steel - Trailer

Wir haben uns mit David Prassel, CEO von Spiral Games zusammen gesetzt um mit ihm über Jetpacks, Dinosaurier und Independent Game Development zu sprechen.

Hey David, danke das du Zeit für uns gefunden hast. Könntest du dich unseren Lesern kurz vorstellen?

> Hey David, thanks for your time. Could you please introduce yourself to our readers?

My name is David Prassel and I work at a little indie development company called Spiral.  We are here to make fun games, make them affordable, add to them with tons of free content and most importantly listen to the fans and make sure we are delivering as much as we can in regards to what they want.

Du arbeitest bei Spiral Games, einem unabhängigen Entwickler. Könntest du unseren Lesern erklären was das bedeutet?

> You work at Spiral Games, an Independent Developer. Could you explain what that means to our readers?

Being an indie developer means you handle literally everything. You self-develop, self-publish, self-market.  Everything comes and stems from within.  It can be a very stressful battle at times but it’s a fight that all indie developers fight and face.

Was sind deiner Meinung nach die größten Vorteile unabhängig zu sein?

> What are the biggest benefits of being independent in your opinion?

Aber auch komplette Freiheit im Bezug darauf, dass wir Orion: Dino Horde machen konnten um so den Fans zu geben was sie wollten. Wenn das ursprüngliche Spiel (Orion: Dino Beatdown) von einem Puplisher vertrieben worden wäre, kann ich dir versichern, dass du Dino Horde niemals gesehen hättest.

Complete freedom. Most importantly completely creative freedom. It’s not an easy pitch to suits when expressing ideas such as Dinosaurs, Jetpacks, Space Marines, Ninjas, Hats. This game could really only ever come from an indie, at least in the current industry.

But also just complete freedom in the sense that we were able to go back and make ‘ORION: Dino Horde’ and get it right and truly deliver what the fans wanted but what we knew we were capable of.  If the original game (Dino Beatdown) was a publisher-based endeavor I can assure you that you would never have seen Dino Horde.

Und was sind die größten Probleme?

And what are the biggest Problems?

Everything else.  Finances, marketing reach, time, staffing, hours in a day...

Ihr habt Orion:Dino Beatdown ungefähr vor einem Jahr (2012) veröffentlicht, welche Herausforderungen gab es bei der Veröffentlichung des Spieles?

> You released Orion: Dino Beatdown about a Year ago in 2012, what challenges did you face to get the game out to the people?

Every one you could possibly think of and then some.  But they are not uncommon towards indie developers, they just vary in degree.

Dino Beatdowns Nachfolger "Orion: Dino Horde" wurde vor wenigen tagen veröffentlicht. Ihr habt euch dafür entschieden das Spiel kostenlos für Besitzer von Dino Beatdown zur Verfügung zu stellen. Das ist definitiv eine Entscheidung, die man in der Gaming Industrie nicht oft sieht. Zu welchem Zeitpunkt habt ihr euch hierfür entschieden?

> Dino Beatdown successor "Orion: Dino Horde" was released just a few days ago and Spiral Games decided that buyers of Dino Beatdown would get the Game at no additional charge.That is definitly a desicion that is pretty rare in the gaming industry. At what point you decided "Hey, lets make this free for Dino Beatdown owners"?

Es sollte nicht nur den ursprünglich versprochenen Inhalt bieten, sondern mehr als 3 mal soviel Inhalt hinzufügen. Darunter Dinge die niemals für Dino Beatdown geplant waren.

Zusätzlich haben wir so ziemlich das gesamte Spiel verworfen und den Großteil der Systeme neu geschrieben, dazu gehören Waffen, Spieler Bewegungen, Dinosaurier KI, Netcode, Grafik Engine, Licht und Partikel - Einfach alles!

Das wichtigste war uns aber das es ein "Love Letter" an unsere Fans sein sollte, die den holprigen Start von Dino Beatdown miterlebt haben. Sie sollten das Spiel komplett kostenlos erhalten, das ist eigentlich der einzige Grund warum das Spiel überhaupt exisiert.

It was literally the first thing that we decided. We went to the drawing board of how to approach the launch of the original game, Dino Beatdown, which was extremely rough. Dino Horde became the idea to best remedy everything. It would not only deliver the originally promised content but it would add more than triple that plus things never intended or even planned for Dino Beatdown. On top of that we pretty much scrapped the entire game and re-wrote every major system including Weapons, Player Movement, Dinosaur AI, Netcode, Graphics Engine, Lighting & Particles – everything!But most importantly it would be our love letter to all the fans that were affected by the launch of Dino Beatdown. They would get this game for free no questions and it’s the sole reason it exists in the first place.

Lass uns kurz über "Dino Horde" reden. Kannst du das Spiel unseren Lesern mit ein paar Worten beschrieben?

> Lets talk about Dino Horde for a second. Could you explain the game with a few words to our readers?

Es ist sowohl Cooperativ als auch Competativ. Es ist ein Spiel geschaffen FÜR Freunde. Wir haben uns von Retro Spielen inspirieren lassen und bietet schnelle Kämpfe und farbenbrächtige Grafik. Es wird über den gesamten Sommer kostenlosen DLC erhalten, welcher mehr Dinosaurier, Waffen,Spielmodi,Level und Achievements hinzufügt.

It’s a game with Dinosaurs, Sci-Fi Marines who use awesome gear like Jetpacks, Medical Guns and Cloaking Devices while making use of weapons such as Gatling Guns, Flame Throwers, Laser Rifles, Shotguns, Machine Guns and anything in between.

It’s both cooperative and competitive and is a game built FOR friends. It’s inspired by retro games and features fast-paced combat and colorful visuals.

It will be receiving free DLC all summer adding new dinosaurs, weapons, game modes, levels and achievements.

Und was sind die Unterschiede zu Dino Beatdown?

> And what are the big differences to Dino Beatdown?

Everything!  New player movement, new weapon mechanics, new recoil, new vehicle handling, new dinosaur artificial intelligence, new Netcode, Steamworks lobbies, matchmaking, server browser, 100 achievements, nearly double the weapons and gear, new vehicles, 7 levels, 9 dinosaurs (compared to 3), new graphics engine, new lighting and particles, and it goes on and on...

Ich denke ich brauche nicht sagen, dass ich jede Menge Spaß mit dem Spiel habe. Was ist dein persönlicher Lieblings-Moment im Spiel bis jetzt? Ich muss zugeben meiner war es einen Typen "Gangnam Style" tanzen zu sehen....neben einem Spinosaurus! Zum Todlachen!

> Needless to say im having a absolute blast with the game.But what was your personal favorite moment within the game until now? I got to admit one of mine was seeing a guy dancing "Gangnam Style" next to a Spinosaurus. Hilarious.

Außerdem liebe ich es zu sehen wie Spieler die Panzer oder VTOLS (Flugzeuge) als Transporter benutzen. Es gibt nichts wie einen Cobra Panzer auf dem 2 Heiler mit Gatling Guns stehen. Das es eine Höllenmaschine.

I absolutely love taking objectives with people.  It’s that sort of tug-of-war and assault against that Dinosaur wave that you just clash against.  It’s really neat to see them actually push you guys back and lose traction in the war only to have to push back harder and try a new attack type to get to the objective.

Otherwise, I love when people use Tanks or VTOL’s as player-carrying devices.  Nothing like a Cobra Tank outfitted with two Support class guys wielding Gatling Guns on the back.  That is one hell of a battle machine.

Es gibt ingesamt 9 unterschiedliche Dinosaurier im Spiel. Der T-Rex ist dabei mein persönlicher Favorit. Wie habt ihr euch dafür entschieden welchen Dinosaurier ihr in Spiel einbaut?

> There are a total of 9 different kinds of dinosaurs in the Game. With the T-Rex beeing my personal Favorite. How did you guys settle on what Dinosaurs you are putting into the game?

1. Schwarm (Raptor, Compy)
2. Tank (Stegosaurus, Triceratops)
3. Ranged (Dilophosaurus)
4. Flieger (Pteranodon, Rhamporynchus)
5. Boss (T-Rex , Spinosaurus)

Tanks können viel Schaden absorbieren und versuchen meist eher Fahrzeuge zu zerstören. Sie können eine Party ziemlich schnell beenden wenn man schlecht positioniert ist.

Ranged können dich aus der Distanz ausschalten. Sie sind super gegen Jetpacker. Aber auch die Boss Gegner machen dank ihrer Fähigkeit mit Steinbrocken zu werfen mit diesen kurzen Prozess.

Boss Gegner sind die Teufel des Spieles. Sie sind Meister aller Kampf Techniken, sei es Schaden, Distanzangriffe oder massive Mengen an Lebensenergie. Sie können sich außerdem selber heilen indem sie andere Spiele oder Raptoren verspeisen.

Every dinosaur added in the game was added for a very specific reason.  Our new A.I system currently supports 5 main types of Dinosaurs:

1 – Swarm (Raptor, Compy)

2 – Tank (Stegosaurus, Triceratops)

3 – Ranged (Dilo)

4 – Flyer (Large class: Pteranodon, Small class: Rhamphorynchus)

5 – Boss (T-Rex, Spinosaurus)

Swarms typically come at you from all areas.  Some come from head on others try to work their ways around and get you from the left or right.  These are typically in large numbers and can be very overwhelming on harder difficulties.

Tank types can absorb quite a bit of damage and also focus on vehicle destruction.  They can end a party pretty quickly if you get into a bad spot.

Ranged types can take out players from a distance.  These are great against Jetpackers.  The boss types also encompass this aspect with the Boulder Throw move.

Boss types are the devils in the game.  They are capable of all battle techniques ranging from radial damage, fatalities, ranged attacks, and just brute force and massive amounts of health.  They are also capable of “healing” by eating other players (25% health boost) or even Raptors (10% health boost).

Denkt ihr darüber nach mehr Dinosaurier in das Spiel einzufügen, zum Beispiel mit Erweiterungen?

> Are you thinking about adding more dinosaurs to the game, maybe with an expansion?

There will be a new dinosaur (and weapon, levels, game mode, kit, achievemnets) in every single Title Update (DLC Packs) over the summer.  First one is scheduled for June 2013.  These are FREE.

Eine kleine Frage am Rande, was denkt ihr über die "Next Generation" und die kürzlich angekündigte PlayStation 4 Hardware?

> Just one a side note, what are you guys think about "Next-Gen" and the announced Playstation 4 Hardware?

We are very fond of it.  PlayStation 4 is very nice. ORION would be very cool on it.

Mit Dino Horde veröffentlicht, was kommt als nächstes von Spiral Games?

> With Dino Horde done, whats next for Spiral Games?

Right now we are focused on getting these new updates out for ‘ORION: Dino Horde’.  Once that is settled we will be working on our much anticipated ‘ORION: Prelude’ and getting that out to the very patient fans.

Möchtest du unseren Lesern noch etwas mitteilen?

> Anything else you want to say to our readers?

We hope you like the game!

Let´s Play Orion: Dino Horde

Orion: Dino Horde ist jetzt auf STEAM verfügbar.

Das Spiel fängt ja eigentlich recht erwartungsgemäß an, Lara sitzt zitternd an ihrem kleinen Feuer, fühlt sich verzweifelt und verloren. Der Hunger zwingt sie ein Tier zu töten, unter Tränen gibt sie dem Hirsch den Gnadenstoß. Sehr emotional, man fühlt und friert richtiggehend mit ihr mit. Bis dahin hatte mich das Spiel auch in seinem Bann, ich glaubte schon fast an eine Revolution des Survival-Genres, ein episches Abenteuer auf einer Insel voller Geheimnisse.

Doch es kam ganz anders...

Eine Stunde später metzelt sich Lara wort- und emotionslos durch Scharen von hilflosen Tieren – nicht um sich zu ernähren, sondern wegen der XP-Punkte, die sie für die Kills bekommt. Auch die Scheu vorm Morden verliert sie schon nach ihrem ersten Kampfeinsatz - ohne mit der Wimper zu zucken rammt sie jedem, den sie nicht kennt, ihre Kletteraxt in den Schädel oder setzt ihm die Pumpgun unterm Kinn an. Alle meine Survival-Träume platzten, statt einer Entwicklung vom schüchternen Collegegirl zum willensstarken „Survivor“ gab es rasanten Bodycount mit Waffenupgrades und einem Skill-Tree mit Punkten wie „Kill-Meister“ oder „Erfahrener Mörder“. Als ich dann in den ersten Tagen nach dem Release ein paar Meinungen zu dem Spiel im Netz nachgelesen habe, ist mir ein Vergleichsvideo von IGN untergekommen, in dem der Bodycount von Tomb  Raider (1996) mit dem vom aktuellen Relaunch verglichen wird. Das Ergebnis von 5 : 434 spricht für sich. Aber warum ist das so? Warum hat die „Action“ das „Adventure“ verdrängt?

Video Tomb Raider Bodycount

Oder mal anders gefragt: Denkt Ihr, das neue Tomb Raider wäre ein Erfolg geworden, wenn es nur fünf Gegner zu erledigen gegeben hätte? Ich hab das Thema letztens auch mit ein paar Kumpels bei einem Bierchen besprochen und da kam recht schnell das Argument „Gunplay ist nun mal ein wichtiger Bestandteil des Genres geworden“.  Das stimmt. Wenn man sich die Kassenschlager unter den Action-Adventures ansieht – da wird überall wild geballert und gemordet. Amy Hennig, die Creative Direktorin der Uncharted Serie, meinte in einem Interview mit 1up, das sei auch nicht wegzudenken:

„Gaming is an active experience; you have to have that interaction of shooting and having combat. […] if we only had you fight three guys over the course of two hours, you'd say, "this sucks."

Hmmm. Da bin ich anderer Meinung. Denn bevor man das Wort „Action“ dranpappte, kamen Adventures zum überwiegenden Teil komplett ohne Gewalt aus. Und das auch noch höchst unterhaltsam. Die Waffe kam eigentlich erst mit dem Sprung in die dritte Dimension hinzu und hat das Genre quasi „gekapert“. Und alles was das Gunplay behindert, wurde über Bord geworfen. Aus dem bunten Inventar wurden graue Waffen-Slots, wo man statt einem Goldfischglas und dem Kopf des Navigators nur noch die immer selben Waffen findet. Und so beschränken sich dann natürlich auch die Interaktionsmöglichkeiten des Protagonisten aufs Ballern. Kein Investigieren mehr, kein Kombinieren mehr, keine kniffligen Entscheidungen, keine verrückten Albernheiten, sondern eine „Erfahrung“ – wie viele Entwickler heute gerne sagen – die man „erlebt haben muss“.

Ist ja auch nicht unrichtig. Uncharted war eine tolle „Erfahrung“, und ich habs vom Anfang bis zum Ende genossen. Aber wenn man sich das ganze *bling-bling* mal wegdenkt und sich das Grundgerüst ansieht … dann steckt die Story bzw. das gesamte Spielerlebnis im Shooter-Korsett. Was, wenn man es davon befreien würde? Uncharted ohne Geballer, dafür mit Dialogoptionen, einem Inventar voller rätselhafter Dinge und einer Geschichte, die alle erzählerischen Kniffe ausnützen kann, ohne alle paar Minuten durch eine Schießerei unterbrochen zu werden, weil das Spiel sonst „suckt“.

David Cage

Ihr merkt es vielleicht schon, die Amy Heddig, die mag ich, seit dem ich das IGN-Interview gelesen habe, nicht mehr so besonders. Und ich kenne jemanden, der würde der Frau auch sofort widersprechen: David Cage, Gründer von Quantic Dream und Mastermind hinter Spielen wie Heavy Rain und dem kommenden Beyond: Two Souls. Der Mann, der der Videospielindustrie das Peter Pan Syndrom attestierte und von den Entwicklern und ihren Spielen forderte, endlich erwachsen zu werden. Wer seine Interviews und Kommentare der letzten Jahre verfolgt hat, weiß, dass er sich lautstark für mehr Vielfalt und besseres Storytelling  in Videospielen einsetzt. Weniger Gunplay, mehr Emotionen, tiefgründigere Inhalte und individuelle Entscheidungen, die Konsequenzen hervorbringen, die den Spielablauf zurück in die Hände des Spielers legen.

Civilization-Erfinder Sid Meier sagte schon anno 1989 „Ein Spiel ist eine Reihe von interessanten Entscheidungen. Und die Qualität eines Spiels hängt davon ab, welche Tragweite diese Entscheidungen entfalten“. Und jetzt sitz ich hier, am Ende von Tomb Raider, und frage mich, wo diese Entscheidungen waren?! Hab ich überhaupt Einfluss auf den Ablauf gehabt, oder ging’s nur darum, alle Gegner auszuschalten?

Wenn man es aus diesem Blickwinkel betrachtet

...dann werden  Spiele wie Uncharted oder das neue Tomb Raider doch gerade durch „that interaction of shooting and having combat“ zu passiveren Erlebnissen. Wir Spieler haben doch genaugenommen gar keinen Einfluss auf das Geschehen. Eigentlich ist es wie die Handlung eines Films, der wir strikt folgen müssen, sonst geht’s zurück an den letzten Speicherpunkt. Ich würde sogar sagen, Uncharted „matched a movie“ vielleicht mehr, als es der lieben Frau Heddig bewusst ist. Und vielleicht ist ihr so vehement verteidigtes Gunplay genau das, was die Weiterentwicklung des Adventure-Genres aufhält.

Ein  Abenteuer besteht ja nicht darin, 400 Leute zu erschießen. Ein Abenteuer ist auch nichts Durchorganisiertes, bei dem das einzige Ziel der nächste Speicherpunkt oder die nächste Cutscene ist. Gerade in Form eines Videospiels kann ein Abenteuer doch viel mehr sein, kann ein „Erlebnis“ sein, und nicht nur eine „Erfahrung“. David Cage formulierte es in einem Interview mit der Gameinformer kürzlich recht treffend:

„We (die Videospielindustrie) are this very important other dimension called interactivity that makes our medium truly unique, and so special.“

Und dabei meint er nicht  das Gameplay, sondern  die narrative Interaktivität, die uns selbst und unser Gewissen zum Teil der Handlung werden lässt. Das „Mitbestimmen können“, wenn man so will. Denn richtig spannend wird es doch erst, wenn wir den Kopf  des Protagonisten kontrollieren, und nicht nur seine Knarre.

Hach, 3DS, Dich gibt es ja auch noch! Viel Zeit haben wir bislang wirklich nicht gemeinsam verbracht, umso schöner, dass nun gleich mehrere Titel Schlange stehen und Du nicht länger in der Schublade versauern musst. Ich würde vorschlagen, wir beginnen unser Wiedersehen mit „Code of Princess“ - ich musste ja schließlich lange genug warten, weil Du Dich mit Deinem Region-Lock so kleinlich gibst und der Import somit keine Option war. Nun ist das Spiel endlich auch in unseren Gefilden erhältlich, zwar nur im eShop, aber lieber vom Entwickler digital veröffentlicht, anstatt ganz zu verzichten. Fragt sich nur, ob sich das lange Warten auf die holde Prügel-Prinzessin überhaupt gelohnt hat…

Und, wie lautet Deine Geschichte, Prinzessin?

Einen besonders tiefgründigen Eindruck kann die Handlung beim Besten Willen nicht hinterlassen. Immerhin punktet sie aber einerseits technisch – alle Dialoge sind nämlich vollständig vertont, andererseits nimmt sich die Geschichte nicht allzu ernst und überrascht des Öfteren mit witziger Situationskomik. Spätestens beim Hochstapler-Gaukler, der eine E-Gitarre auspackt und die Heldengruppe in einer Taverne das Tanzbein schwingen lässt, musste ich breit schmunzeln. Apropos Heldengruppe. Schnell trifft Prinzessin Solange auf merkwürdige Gestalten, die sich ihr spielbar anschließen.

Unterm Strich ist die Alibi-Story von „Code of Princess“ okay. Schade nur, dass die hübschen Zwischensequenzen sehr rar sind, die vom Stil her entfernt an die Ecchi-Serie „Queen’s Blade“ erinnern.

Super Golden Axe Fighter RPG – Bitte was?!

Eine gewisse Grundmonotonie bleibt jedoch zurück, da „Code of Princess“ zwar eine große Anzahl an Level bietet, die sich aber nur optisch und durch ihre Gegner unterscheiden. Hin und wieder steht man einem Bossgegner gegenüber, die weit fordernder sind, als die üblichen Schergen. Aber ganz ehrlich? Oldschool-Titel wie „Streets of Rage“ oder „Final Fight“ hatten weniger zu bieten, so dass Retro-Gamer sicher stundenlang auf ihre Kloppkosten kommen. Der Umfang fällt nämlich erfreulich groß aus. Lokal oder via Internet sogar zu zweit im Coop-Modus!

Optisch kann „Code of Princess“ vor allem mit flüssigen Sprites und ordentlichen Hintergründen durchaus überzeugen. Auch das Charakterdesign hat mir gefallen, zumal Prinzessin Solange Blanchefleur de Lux eine Augenweide für Anime-Fans ist.

Trailer

Ich bin in Rapture gewesen. Als Spieler. Ich habe das unverbrauchte Setting einer surrealen Unterwasserstadt in den zwei Vorgängern zu Bioshock Infinite erlebt und genossen. Die Mischung aus einer Kulisse Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts, in einer Stadt am Meeresgrund, deren Einwohner fragwürdige religiösen Ansichten haben, gepaart mit Gen-Experimenten und übernatürlichen Kräften, verpackt in einem brutalen Ego-Shooter. Das alles ist mir auch Jahre nach dem Durchspielen noch gut in Erinnerung geblieben. Es ist eines dieser wenigen Videospielerlebnisse, das im Gedächtnis bleibt. Und Bioshock Infinite tritt mit dem Vorsatz an, dort ebenfalls einen bleibenden Platz einzunehmen.

Über den Wolken

Der eingangs erwähnte Leuchtturm ist der Startpunkt einer unglaublichen Reise in die schwebende Stadt Columbia. Ich befinde mich im Jahr 1912. Technisch gesehen kann eine Stadt heute – rund 100 Jahre später – natürlich nicht schweben. Diese Tatsache, sowie das dazu passende Art-Design des Spiels, versetzen mich, wie schon die Vorgänger es geschafft haben, sofort in diese großartige Jules Verne Stimmung.

Bereits zu Beginn platziert das Spiel kleine Fragmente und Fetzen einer Gesamtgeschichte, deren Tragweite mir erst später bewusst wird. Anfangs dominieren erstmal großartige, farbenprächtige Szenerien, die mich verzaubern und meine Gedanken weit weg von einem blutigen Ego-Shooter fliegen lassen. Prächtige Gärten, voll von Gläubigen Anhängern eines Propheten, lassen bei mir erneut Erinnerungen an Rapture erwachen.

Bioshock Infinite versteht es ganz ausgezeichnet, problematische Themen wie Rassentrennung und religiösen Fanatismus in einer fiktiven Geschichte zu behandeln, die mit realen historischen Ereignissen der amerikanischen Vergangenheit garniert sind. Die Parallelen zur ersten Bioshock-Geschichte, in der wir erfahren, dass wir doch mehr mit der Stadt zu tun haben, als wir glauben, werden nach und nach deutlich.

Ein alter Bekannter...

Auch spielerisch bleibt die Serie seinen Vorgängern treu, benennt hier und da aber Dinge um. Aus Tonikum und Adam werden nun verschiedene Salze. Diese verleihen dem Spieler übernatürliche Kräfte, die dazu führen, dass ich aus der linken Hand Feuerbälle oder Blitze schießen kann. Ich kann meine Gegner in die Luft wirbeln oder ein Schutzschild erzeugen und ich kann ihnen sogar einen Schwarm lästiger Krähen auf den Hals hetzen. Jede Kraft lässt sich ausserdem als Falle auf dem Boden platzieren, wo sie wartet, bis ein ahnungsloser – und scheinbar blinder – Gegner hineinläuft. Die Königsdisziplin ist die Kombination verschiedener Kräfte, wenn beispielsweise ein kontrollierter Gegner, der kurzzeitig für mich kämpft, mittels Blitzbeschuss meine Gegner ebenfalls mit Blitzen eindeckt.

In der anderen Hand halte ich eine Schusswaffe. Das komplette historische Arsenal, aus dem ich maximal zwei Waffen mit mir tragen kann, bietet neben Pistole, Shotgun und Maschinengewehr auch schwerere Kaliber wie Panzerfaust, Gattling-Gun und Granatwerfer an. An den über ganz Columbia verteilten Verkaufsautomaten, kann ich Upgrades für meine Salz-Fähigkeiten sowie Waffen erwerben.

Neu sind jetzt Ausrüstungsgegenstände, die ich ebenfalls verstreut in Columbia finde. Hut, Hemd, Hose und Schuhe verleihen mir nette Effekte. Mehr als einmal fiel mir die Wahl schwer, welche Boni ich nun kleidungtragenderweise erlangen möchte, und auf welche ich verzichten kann. Denn pro "Slot" kann ich nur einen Gegenstand ausrüsten.

... und eine neue Liebe

Wer die Vorberichterstattung zu Bioshock Infinite in den letzten Wochen und Monaten verfolgt hat, der hat bereits Bekanntschaft mit Elizabeth gemacht. Sie ist sozusagen das neue Bioshock Maskottchen. Und was im Vorfeld nach einer netten Werbekampagne aussah, entpuppt sich im Spiel als die wohl beste KI-Begleitung, die ich jemals erleben durfte. Ja, man könnte sagen, ich bin ein bißchen verliebt.

Dabei könnte Elizabeths Äußeres zunächst für Kritik sorgen, ist sie doch arg überzeichnet mit ihren Mandelaugen und der unproportionierten Figur mit dem zu großen Kopf und den dünnen Ärmchen. In einem optisch auf Realismus getrimmten Shooter wirkte sie auf mich aber zu keinem Zeitpunkt fehlplatziert. Natürlich wird das sympathische Kennenlernen dazu beigetragen haben, das Mitleid, das man für sie empfindet und der Beschützerinstinkt, der bei mir schnell geweckt wurde.

Schnell stellt sich jedoch heraus, dass Elizabeth weit mehr ist, als nur unser Auftragsziel, mehr als eine Mitläuferin, die wir aus der Stadt bringen sollen. Sie hat förmlich ein Eigenleben. Verweile ich längere Zeit an einem Ort, um mir etwas anzusehen oder eine Stelle zu untersuchen, lehnt sie sich gegen eine Wand oder sucht sich eine nahegelegene Sitzmöglichkeit. Bisweilen macht sie mich auch darauf aufmerksam, wenn sie etwas entdeckt hat, was ich übersehen habe. Sie wirft mir ab und an Geld zu und ist geschickt im Schlösserknacken.

Elizabeth weigert sich, eine Herrentoilette zu betreten, und in einer Damentoilette hält sie sich die Nase zu und bemerkt, es würde riechen. Bei unappetitlichen Anblicken, hält sie entsetzt die Hände vor's Gesicht und qualmt es, dann hustet sie. Ihre feinen Gesichtsanimationen, der Ausdruck, die Augen... all das erinnert mich stark an weibliche Disney-Charaktere. Ich bin begeistert.

Im Kampf ist Elizabeth übrigens auch eine Hilfe: Geht mir die Munition zur Neige, hilft sie schonmal aus und wirft mir etwas zu. Gleiche gilt für Salze und die medizinische Versorgung. Dabei ist sie kein Endlos-Spender, sondern muss die Sachen selber erst auf dem Schlachtfeld auftreiben. Bei der ganzen Schönheit und Hektik, stellte sich mir übrigens nicht die Frage, warum zur Hölle ich schwitzige Finger bekomme und mein Leben am seidenen Faden hängt, während Liz gerade mal ein bißchen den Kopf einzieht und nichts abbekommt.

Habe ich sie gerade Liz genannt? Ich mag sie. Wie sehr? Nun, ich bin für gewöhnlich der Typ von Spieler, der alle Level gerne bis in den letzten Winkel nach Geheimnissen und Gooddies absucht. An einer Stelle in der Kampagne, geriet Liz in Gefahr. Das veranlasste mich, meine Prinzipien über Bord zu werfen und ohne links und rechts zu schauen zu ihr zu eilen. Ich wollte sie nur schnell wieder an meiner Seite wissen!

Von Zeit und Raum

Elizabeth verfügt neben den bereits genannten Vorzügen und Qualitäten auch über eine übernatürliche Kraft. Sie kann sogenannte Risse, die in Columbia auftreten, öffnen und hindurchgehen. Ein Riss stellt dabei ein Tor zu einer anderen Zeit oder einer parallelen Realität dar. Teilweise fühlte ich mich an Butterfly Effect erinnert. Sowohl in der erzählten Geschichte als auch im Gameplay sind diese Risse hervorragend integriert.

An vorgegebenen Stellen, wo vielleicht zukünftig oder in der Vergangenheit ein Geschützturm oder eine Kiste voller Medizintaschen steht, kann Liz auf meine Anweisung hin einen Riss öffnen. Ein Geschütz wird daraufhin für mich aktiv und bekämpft meine Gegner. An Medizin, Salzen oder Waffen kann ich mich nach belieben bedienen. Das ist praktisch und verleiht der einen oder anderen Kampfsituation einen Hauch von taktischem Vorgehen.

Übrigens: Als begeisterter Achterbahnfahrer muss ich Euch noch von den Sky-Lines in Columbia vorschwärmen. In diese an Gebäuden befestigten Schienen kann sich der Spieler einhängen und an ihnen entlanggleiten. Während der herrlich turbulenten Fahrten, dürfen Gegner bekämpft und geeignete Absprungpunkte gesucht werden. Aber Vorsicht: Eigentlich sind die Sky-Lines als Transportsystem in Columbia installiert. Nicht, dass Ihr vor lauter Jubelei mit einem Fracht-Container zusammenstosst.

Meine anfängliche Befürchtung, Columbia könnte insgesamt zu luftig sein und nur noch aus winzigen via Sky-Line verbundenen Inseln bestehen, die das Spiel zu einem eher hektischen First-Person Jump'n'Run machen, sind übrigens sehr schnell verflogen. In weiten Teilen der gut 15-stündigen Kampagne (rechnet man optionale Missionsziele dazu und erkundet hier und da die Gegend) bewegt man sich innerhalb von Stadtteilen und Gebäuden, die einen auch schonmal vergessen lassen, dass sich alles in luftiger Höhe abspielt.

In Acht nehmen solltet Ihr Euch vor den Handyman. Entfernt erinnern sie an die Big Daddys aus Rapture, überstarke und gut gepanzerte Gegner, die eine Sky-Line unter Strom setzen können. Die Big Daddys gibt es in Columbia übrigens genauso wenig, wie Little Sisters. Dafür warten eine ganze Reihe von neuen interessanten Gegnern darauf, zerlegt zu werden.

Wo ist der Haken?

Es gibt keinen. Abgesehen von dem Haken, den ich benötige, um mich in die Sky-Line einzuklinken.

Ich könnte mich darüber beschweren, dass die ansonsten durchweg professionelle und wirklich sehr gute deutsche Synchronisierung einige Lücken aufweist. Sammle ich ein neues Salz ein, folgt ein kurzes Erklärungsvideo, das mit englischer Sprache und deutschen Untertiteln abläuft. Auch die restliche Lokalisierung ist nicht so perfekt, wie noch bei Bioshock 1 und 2. Damals waren sogar Level-Texturen, die Schrift enthielten, übersetzt. In Bioshock Infinite ist fast alles englisch geblieben, wird aber an vielen Stellen von den Charakteren vorgelesen.

Vielleicht würde ich mich darüber auslassen, dass ich bestimmt fünf oder sechsmal während des Spiels hängen geblieben bin und nicht mehr freikam. Meistens an einer Leiche, die sich dann irgendwann doch aufgelöst hatte. Einmal musste ich einen Checkpoint neu laden. Auf der PS3 kam es bei schnellem andauerndem Rennen durch ein Level zu kurzen Ladezeit-Stillständen. Sicherlich ist das dem knappen Hauptspeicher geschuldet.

Aber würde ich solche Kritikpunkte anbringen, müsste ich quasi im selben Atemzug den grandiosen Soundtrack in die Waagschale werfen. Die außergewöhnlich lange, aber nie langatmige Kampagne. Die kniffeligen optionalen Chiffre-Rätsel. Die vielen tollen Audio-Logs, die für zusätzliche Aha-Momente sorgen. Die beeindruckenden Bilder und stets flüssigen Animationen, die Irrational Games aus der Unreal Engine gezaubert hat.

Macht keinen Sinn, oder? Also lasse ich das mit der Kritik.

Wer möchte, kann auch gerne in das Let's Play von unserem Sascha rein schnuppern.

Leckerbissen für Ohren und Augen!

Bereits ihr Debut-Album "Opus Eponymous" lief bei mir in einer Schleife, welches mir der ehemalige Redakteurs-Kollege Bene mit den Worten "Scooby Doo Metal" reichte. Ja, in der Tat etwas schaurig im Klang und begleitet von Orgel. Die Inspiration kommt aber weniger von Geisterjäger-Hunden, sondern mehr von "Black Sabbath" und anderen älteren 70er Jahre Metal-Bands von damals. Seit ihrem Überraschungserfolg sind die geheimnisvollen Jungs auch in vieler Munde, wahrscheinlich auch weil sie ihre Identität streng geheim halten. Aber da mein Kumpel Dom mit denen bereits reden konnte, weiß ich zumindest, dass sie immerhin zu den ganz normalen Menschen gehören.

Das neue Album schließt meiner Meinung nach nicht nur sauber am bisherigen Sound an, sondern wirkt noch insgesamt ein wenig runder und vom Stil her gefestigter. Mal wieder gestalten sich die Songs als sehr eingängig dank der markanten Stimme des Sängers "Papa Emeritus II", der mit einem ziemlich interessanten Outfit daher kommt. Vielleicht wirken sie jetzt auch noch ein wenig "glatter", aber insgesamt hat sich zum Glück gar nicht wirklich viel verändert.

Hinter den Aufnahmen steckt der Produzent Nick Raskulinecz, welcher bereits mit Rush, Foo Fighters, Queens of the Stone Age und Alice in Chains zusammen gearbeitet hat.

Hier noch die Tracklist:

1. Infestissumam
2. Per Aspera Ad Inferi
3. Secular Haze
4. Jigolo Har Megiddo
5. Ghuleh / Zombie Queen
6. Year Zero
7. Idolatrine
8. Body And Blood
9. Depth Of Satans Eyes
10. Monstrance Clock

Album in voller Länge durchhören

Das Album wird am 16. April 2013 erscheinen. Hier geht's zur offiziellen Website: http://www.infestissumam.com/

Gruselmomente

Wer näher in das Thema einsteigen möchte, sollte noch einen Blick in Bennys Kalte Schauer aus dem fernen Osten Artikel werfen.

Schaut rein und wir freuen uns natürlich über Euer Feedback!

Hinweis: Es kann unter Umständen zu Schwierigkeiten mit dem Internet Explorer kommen. Wir arbeiten dran! 

Am 2. April ist sie für die Xbox Live- und Playstation Network Plus-Abonnenten erschienen: Die Demo zu dem heiß ersehnten Superhelden-Prügler "Injustice: Götter Unter uns". Seit dem 9. April ist sie nun auch frei für den Abonnementlosen spielbar. Ich habe mich vorab ausgiebig mit der Demo beschäftigt und möchte Euch nun meine Eindrücke zu "Netherrealms" neuestem Streich nahe bringen.

Die Qual der Wahl

Und genau diese zwei Spiel-Varianten könnt Ihr auch in der Demo wählen. Wer also gerade seine Freundin oder seinen Kollegen neben sich sitzen hat, kann direkt mal ein Tänzchen mit den Fäusten wagen. Diese gestalten sich nämlich unheimlich unterhaltsam. Für Spieler von Netherrealms "Mortal Kombat" oder auch Capcoms "Street Fighter" ist der Einstieg ein Klacks. "Injustice" spielt sich nämlich in der klassischen 2D Ansicht, hat jedoch einige eingebaute Finessen: Dazu zählen verwendbare Gegenstände, wie beispielsweise eine Mülltonne, die man dem Gegner um die Ohren haut, oder auch die unglaublich mit Action geladenen Ebenen-Wechsel, die meist dadurch zustande kommen, dass man den Gegner mit einem kräftigen Tritt durch eine Wand schmettert – was dann passiert, ist pure Superhelden-Magie.

Die Moves der Superhelden sind generell sehr gut gewählt. Batman wirft Batarangs um sich und schießt mit seinem "Grappling-Hook" durch die Gegend, während Amazonengöttin "Wonder Woman" mit ihrer Peitsche oder auch wahlweise mit Schild und Schwert kräftig austeilt. Hier bemerkt man schnell, dass man sich bei der Entwicklung eine Menge Gedanken gemacht hat. Das Gameplay ist schnell und ebenso fix kann sich das Blatt in einem Kampf wenden, denn neben den normalen Angriffen gibt es auch noch einen einzigartigen Move für jeden Charakter, der durch das Betätigen beider Schultertasten gestartet wird. Diese sind nicht nur unheimlich schmerzhaft für die Lebensleiste des Gegners, sondern sehen auch noch verdammt gut aus und erhöhen den Unterhaltungswert einer Partie erheblich.

Story Trailer

Ryan Andrews ist so einer, den ich bereits seit einiger Zeit folge. Neben seinen fantastischen Fähigkeiten als Illustrator hat er auch einige Webcomics in den letzten Jahren veröffentlicht.

Sein neustes Werk "This was our pact" steht seit kurzem im Netz bereit. Wer seine Comics lieber auf einem E-Reader lesen möchte, kann ganz nach dem Motto "Zahl soviel zu willst" eine Version in hoher Qualität herunterladen.

Worum geht's?

(Via www.ryan-a.com)

Die Liste der Unsterblichen Filme

Jedenfalls habe ich eine kleine Sammlung an Filmen, die ich schon zig mal gesehen habe und welche auf einer Bewertungsskala nicht einmal großartig abschneiden würden. Aber sie haben alle eins gemeinsam: Es sind die einzigen Streifen, die für mein Empfinden mit jedem Mal immer besser werden. Genau deshalb gehen die immer! Die Komödien davon fand ich z.B. teilweise nicht einmal wirklich witzig beim ersten Schauen und heute sitze ich mit Dauergrinsen davor.

Und hier sind sie: Meine 10 unsterblichen Filme, die vielleicht nicht die besten sind, aber einfach nicht schlechter werden!

(Chronologisch sortiert)

Die Schlange im Schatten des Adlers (1978)

Bloodsport - Eine wahre Geschichte (1988)

The Big Lebowski (1998)

In China essen sie Hunde (1999)

Kung Pow - Enter the Fist (2002)

Der Anchorman - Die Geschichte von Ron Burgundy (2004)

Shaun of the Dead (2004)

Dodgeball (2004)

Napoleon Dynamite (2004)

Der fantastische Mister Fox (2009)

Vor sieben Jahren erblickte Kratos auf der PlayStation 2 das Licht der Welt und versetzte die Spielergemeinde ins Staunen. Die Mischung aus griechischer Mythologie und brachialer Gewalt sorgte beim erwachsenen Publikum für Entzückung. Nicht nur, dass God of War in der Lage war, der in die Jahre gekommenen PS2 ungeahnte Grafik-Prachten zu entlocken, es kam auch mit einem Spielprinzip daher, das seitdem einigen anderen Titeln als Inspiration diente.

Insgesamt fünf God of War Abenteuer sind bereits für Konsolen erschienen. God of War 1 und 2 erschienen auf der PS2 und wurden später in einer HD Collection überarbeitet auf der PS3 herausgebracht. Erfreulicherweise wurde auch die PSP mit den eigenen Ablegern Chains of Olympus und Ghost of Sparta versorgt, die mittlerweile ebenfalls als HD Collection auf der PS3 erschienen sind. God of War 3 setzte schließlich auf der PS3 neue Maßstäbe.

Vom Aufstieg eines Anti-Helden

Kratos gelingt natürlich der Ausbruch aus seiner in Ketten liegenden Gefangenschaft - wenig verwunderlich, sonst wäre es ja ein recht kurzes Spiel. Fortan quälen die Furien Kratos mit Bildern und Szenen aus seiner Vergangenheit. Um klar denken und die Wahrheit erkennen zu können, muss Kratos das Licht der Wahrheit aus dem Leuchtturm von Delius holen. Und so beginnt eine knapp achtstündige Reise durch wirklich beeindruckende Szenerien...

Tödliche Chaos-Klingen Choreographie

Während Ihr immer wildere Schlag-Kombos gegen Eure Gegner wirbelt, lädt sich die Zorn-Anzeige auf. Anders als in den bisherigen Titeln, kann sich diese Anzeige aber auch wieder entleeren, wenn Ihr eine Zeit lang keine Treffer landet oder gar selber getroffen werdet. Wildes Button-Mashing führt hier also nicht wirklich weit. Variantenreiche Kombos sind der Schlüssel zum Erfolg. Belohnt werdet Ihr durch einen sehr mächtigen Angriff, der Feinde bei aktiviertem Feuer-Modus zum Beispiel in Brand setzen kann.

Letzlich enthält auch God of War: Ascension die viel diskutierten und nicht unumstrittenen Quick Time Events (QTEs), bei denen Ihr das Geschehen weitestgehend beobachtet und in bestimmten Momenten sehr schnell eine eingeblendete Taste drücken müsst, damit es erfolgreich weitergeht. Während man bei anderen Titeln in solchen Szenen wie gebannt auf die Stelle des Bildschirms guckt, an der die zu drückende Taste eingeblendet wird, stellt God of War die zu drückenden Tasten schlicht am Bildschirmrand dar, passend zu der jeweils zu betätigenden Taste. So wird die Kreis-Taste am rechten Rand dargestellt, die Dreieck-Taste oben usw. Ihr könnt Euch also genüsslich auf die großartig inszenierten Kampfszenen konzentrieren und verpasst trotzdem kein QTE.

Der Rätsel-Olymp

Als erstes wäre da der Uroboros-Stein zu nennen. Ein cooles Gadget, das in der Lage ist, Objekte in der Zeit vor- und zurückzubewegen. Praktisch bedeutet das, dass Ihr eine vor Euch in Trümmern liegende Brücke mit Hilfe des Steins wieder aufbauen könnt. Andererseits kann ein intakter Turm in einen zukünftigen Status des Verfalls versetzt werden, wodurch sich neue Wege eröffnen. Auf diese Weise werden sowohl ganze Levelabschnitte in Echtzeit umgebaut, aber auch kleinere Dinge zerlegt und zusammengesetzt. Leider kann ich hier keine Beispiele nenne, ohne Euch verblüffende Rätselmomente zu nehmen. Der Stein ist wirklich großartig in die Rätsel-Elemente des Spiels eingebaut.

Das zweite Element - auch hier versuche ich es mal spoilerfrei - erlaubt es Euch, Kratos an Ort und Stelle in der Zeit erstarren zu lassen, während Ihr mit einer zweiten Instanz weiterlaufen könnt. Auch dieses Element kommt toll zum Einsatz und kann sogar im Kampf verwendet werden, um Gegner abzulenken.

In einem Schlangentempel gibt es noch ein grünes Giftgas als weiteres Rätselelement. Atmet Ihr das Gas mit Kratos ein, verrottet die Umgebung und beginnt zu zerfallen. Vormals massive Türen lassen sich dann einschlagen oder Bodenplatten brechen weg. Dieser Effekt ist zeitlich begrenzt und kehrt sich anschließend um. Durch die richtige Manupulation der Umgebung vor und nach dem Verrottungseffekt lassen sich so auch neue Levelabschnitte und Geheimräume betreten.

Apropos Geheimräume: Auch dieses Mal gilt es wieder Gorgonen-Augen und Phoenix-Federn aus weiß leuchtenden Truhen zu sammeln, um Kratos' Gesundheit und Zauber-Energie zu maximieren. Allerdings kam mir diese Suche in der Vergangenheit schwieriger vor. Entweder ich habe mittlerweile ein GGG entwickelt (God of War Geheimgang Gespür), oder aber die Suchgegenstände sind diesmal nicht so gut getarnt. Jedenfalls hatte ich nach etwa der Hälfte des Spiels sämtliche Erweiterungen zusammen.

Gotteslästerung

Ein weiteres Novum stellen steuerbare Rutschpartien dar, bei denen Ihr nach links und rechts ausweichen oder auch mal spontane Sprünge absolvieren müsst. Leider waren mir diese - und auch einige andere Stellen, die mit einem unerwarteten QTE überraschten - zu Trial & Error lastig. Es gab diese Stellen, an denen ich in den Controller hätte beißen können. Aber nicht weil eine Situation zu schwierig gewesen wäre, sondern weil die Entwickler mit viel Brimborium und Trompeten mein Augenmerk auf die gigantische und bildgewaltige Inszenierung lenken, während mir ein kleiner magisch flackernder grüner Punkt zuzuflüstern versucht, ich solle doch die R1-Taste drücken, um die Chaos-Klinge als Greifhaken zu benutzen.

Das elfte Gebot: Baue kein Multiplayer in ein Singleplayer Spiel ein.

Der Anfang wirkt vielversprechend. Wir spielen einen Krieger, wie Kratos einst war, bevor er den Seelen-Deal mit Ares einging. Der Multiplayer-Modus knüpft an eine Szene aus der Solo-Kampagne an, als ein Soldat kurz vor seinem scheinbar unausweichlichen Tod zu den Göttern betet. Eine schöne Überleitung und Klarstellung, dass es im Mehrspielermodus nicht darum geht, als Kratos zu spielen. So finden wir uns vor dem Götter-Quartett bestehend aus Zeus, Hades, Ares und Poseidon wieder und müssen uns entscheiden, welchem dieser Götter wir den Bluteid leisten. In Abhängigkeit dieser Entscheidung stehen unterschiedliche Spezialfähigkeiten bzw. Freischaltungen zur Verfügung.

In verschiedenen kooperativen und kompetitiven Spielmodi gilt es nun Erfahrung zu sammeln, aufzuleveln, Ausrüstung zu erwerben - hier erfindet God of War das Rad nicht neu. Interessant wird es, wenn im Acht-Spieler-Modus auf den wirklich grandios designten Maps Punkte erorbert und dynamische Aufgaben erfüllt werden müssen. Leider entbehrt dieser spaßigste Modus nicht einer gewissen Unübersichtlichkeit.

Das Kampfsystem im Online-Spiel wurde um ein prinzipiell simples Stein-Papier-Schere-System ergänzt. Knackpunkt: Ihr müsst im hektischen Online-Geschehen erkennen, welche Farbe das leichte Glühen um eine Figur herum hat, um zu wissen, welche Moves und Zauber dann effektiv und wirksam sind.

Trailer

Heute, am 4. April 2013, erscheint ein neues Indie-Game auf der unendlichen, inzwischen viel zu häufig grauen Fläche der Videospielwelt. Die Rede ist von dem Titel Evoland und wie der Name schon vermuten lässt, hat der Titel etwas mit der Evolution zu tun. Grund genug für mich, einmal über meine persönliche Sichtweise der Evolution von Videospielen so wie dem Phänomen Indie Games, nachzudenken.

Was ist Evoland?

Evoland zelebriert die Entwicklung des Action-Adventure/RPG Genre. Ganz im Stile alter Klassiker, wie Final Fantasy oder Zelda, bereist der Spieler eine Fantasywelt und findet in zahlreichen Kisten keine Schätze in Form von Waffen und Gadgets, sondern Features für das Spiel. So wird aus einem Monochromen Pixelspiel mit der Zeit ein vollwertiges 3D Abenteuer, aus rundenbasierten Kämpfen werden Echtzeitkämpfe und lässt vor allem die Veteranen unter uns in wohligen Erinnerungen schwelgen.

Und genau dieses Schwelgen verleitet mich dazu, paralell zu meinen Evoland Let's Play, selbst erst einmal über einige Entwicklungen nachzudenken. Im ersten Teil möchte ich einmal über das Phänomen - Indie Games - sinnieren.

Evolution der Entwicklerszene

Doch wie auch die Kinos vom Blockbustern nahezu überschwämt werden, wird auch der heimische PC oder die Spielkonsole von Tripel A-Titeln überflutet. Schon lange vermissen die Hardcore-Gamer neue Impulse und Innovationen für ihr tägliches Hobby. Den großen Entwicklern und vor allem den Publishern wird vorgeworfen, nur noch aufs Geld zu schauen und nicht mehr mit Herzblut bei der Sache zu sein, was man den Spielen natürlich anmerkt.

Doch dank der Entwicklung der Smartphones mit ihren Apps und Online-Plattformen wie Xbox Live Arcade, Steam und vielen anderen, haben auch endlich unabhängige und meist kleine Entwickler endlich wieder die Chance, ein breites Publikum zu erreichen, ohne Unsummen an Geld in ein Marketing zu stecken.

Und so entwickelte sich in den letzten Jahren ein regelrechter Kult um die kleinen Stars der Videospielszene, die teilweise mit ihren Projekten den großen Sprung geschafft haben. Entwickler wie Mojang entstanden aus einem einzigen Projekt - Minecraft! Als Ein-Mann-Projekt gestartet, steckt nun eine richtige Firma dahinter, die Millionen scheffelt. Auch inzwischen gefeierte Firmen wie thatgamecompany, die mit malerischen Titeln wie Flower und Journey die Massen begeisterten, entstanden auf diese Art und Weise. Auch bei uns in Deutschland gibt es solche Erfolgsgeschichten, vielleicht nicht im selben Ausmaß, wie z. B. Minecraft, aber als Jan Müller-Michaelis aka Poki mit einigen Freunden das witzige Point and Click "Adventure Edna bricht aus" erschaffen hatte, entstand daraus die Firma Daedalic Entertainment, die inzwischen sehr hochwertige Adventures hervorbringt.

Doch wie schaffen diese Entwickler es, mit vergleichsweise wenig Ressourcen und Aufwand, teils mehr Begeisterungsstürme auszulösen als Titel, für die abermillionen Dollar von Entwicklungskosten ausgegeben wurden?

Das Rezept ist einfach... Kreativität und Innovation!

Und immer häufiger kommen die ersehnten neuen Impulse aus der Riege der unabhängigen Entwickler, weshalb es kein Wunder ist, dass Indie-Games immer beliebter werden. Es bleibt zu hoffen, dass dieser Trend anhält und die großen Industriegiganten unserer Szene von diesen kleinen, aber kreativen Teams lernen.

Viel zu häufig denken wir (die alten Haudegen der Gamerszene) an längst vergangene Tage, erinnern uns an knackige und bezaubernde Spiele, als wir noch kryptische Befehle auf blauem Grund eintippen mussten, um ein Spiel zu starten, als man noch kraftvoll in ein Modul pustete, um es von Staub zu befreien, damit es vernünftig lief. Und diese Sehnsucht finden wir heute in vielen Indie-Entwicklungen wieder, die meist von Gamern entwickelt wurden, die sich, genau wie wir, an die Tugenden der guten alten Zeit erinnern.

Let's Play

Skurriler neuer Retro-Schnick Schnack

Die Ausstattung auf einem Blick:

• 2 Controller Eingänge für jedes unterstützte System (6 Stück)
• ein Wireless Bluetooth Controller wird mitgeliefert
• 5 Moduleingänge (NES, SNES, MegaDrive, GBA, GB/GBC und Famicom)
• HDMI Ausgang und Hochskalierung auf 720p für HDTVs
• sowohl PAL wie auch NTSC Module sind kompatibel

Video

MMORPGs gibt es wie Sand am Meer. Was früher ein Genre für eher hartgesottene Spieler war ist heute dank Spielen wie "World of Warcraft" immer mehr zum Mainstream geworden. Dutzende Free- und Pay-To-Play Titel  ringen heute um die Krone und den Titel "des besten MMORPGs" und doch weicht kaum eines von den durch World of Warcraft gesetzten Standards ab. Kaum ein Spiel versucht heute noch "anders" zu sein. Defiance ist einer der wenigen Titel die genau das versuchen: Anders sein.

Zum einen ist Defiance mehr als ein Spiel, hinter dem Titel verbirgt sich nämlich außerdem eine von SyFy produzierte TV Serie. Der Pilot der Serie wird am 16. April auf SyFy ausgestrahlt. Serie und Spiel spielen an zwei unterschiedlichen Schauplätzen, sollen aber trotzdem von einander profitieren. Geschehnisse in der virtuellen Spielwelt sollen Einfluß auf die TV Serie nehmen, und umgekehrt. Ein interessantes Konzept, das müssen wir zugeben. Doch nur Geduld wird uns zeigen, ob dieses Konzept wirklich umsetzbar ist. Wir werden das ganze aber auf jedenfall im Auge behalten!

Glücklicherweise kann Defiance (das Spiel) aber auch auf eigenen Beinen spielen. Denn im Gegensatz zu vielen anderen MMORPGs eher wie eine Art 3rd Person Shooter, aber mit Story! Das bedeutet mehr Action und weniger "Klicken und Warten" und jede Menge Dialoge. Zumindest sagen das die Entwickler. Ob Defiance wirklich so anders ist möchte ich herausfinden. Anlass genug, ein Let's Play zu starten.

Hier geht's zum ersten Teil:

Die komplette Playlist findet Ihr hier: Link

CouchCastle feiert Geburtstag

Lange haben wir gegrübelt, wie wir unsere Website sinnvoll erweitern könnten. Bisher merkte man unseren Artikeln das grundsätzliche Vorhaben an, unsere Highlights aus Filmen, Spielen und ähnlichem in relativ knappen Reviews zu präsentieren. Da wir jetzt noch nach etwas besonderem für uns gesucht haben, sind wir nun auf unseren so getauften ChatCast gekommen.

Von Grund auf selber entwickelt, erwarten Euch in Zukunft nicht nur Reviews und Empfehlungen, sondern Ihr könnt uns in einer bisher einzigartigen Form unseren visualisierten Chats folgen und so unsere Schreiber näher kennenlernen. Das System ist dabei äußerst bequem geworden: Wir können unsere Chats einfach in eine Eingabe-Maske eingeben und diese errechnet uns anhand der Grafik-Datenbank und der Smilies im Chat unsere Folge. Unsere erste Episode könnt Ihr hier sehen.

Aber neben der tatkräftigen Unterstützung von Gregor, haben wir noch ordentlich Verstärkung mit Sascha, Marc und Kimo bekommen. Alle drei bringen ordentlich Erfahrung mit, nachdem sie damals gemeinsam mit unseren Benny und Christian bei PS3insider.de gearbeitet haben. Nun sind dank ihrer Erfahrung im Video-Bereich die Weichen gestellt für ihre Let's Plays und auch was die Podcast-Schiene angeht möchten wir in Zukunft ein paar Versuche wagen. Insgesamt soll CouchCastle.de sich jetzt noch ein wenig mehr austoben und Euch von neuem und alten aus der Welt der Unterhaltung versorgen, denn wir haben die letzten Monate dafür gut Kraft getankt.

Es bleibt auf der To Do Liste...

Wir freuen uns jetzt jedenfalls auf die Zukunft und sind sehr gespannt, wie Ihr unsere ChatCasts aufnehmen werdet.

Awwh man! Man sitzt hier ja wie auf heißen Kohlen. Kaum habe ich mir zum wiederholten Male Staffel 1 und 2 von Game of Thrones angeschaut und sogar das eklige TV-Bild von RTL2 mitsamt Werbeblöcken und fiesen Schnitten ertragen, kommt jetzt nicht nur die 2. Staffel auch endlich auf Blu-Ray raus, sondern auch die 3. auf Sky. Dank einer Fußball interessierten Freundin (ja im Ernst!) habe ich irgendwie jetzt plötzlich Sky... und Game of Thrones Staffel 3. Es trennen mich nur wenige Tage. Aber wie jetzt? Manche von Euch haben den Hype verpasst, oder die Serie noch nicht angefangen?

Fantasy ist doch mittlerweile langweilig, oder nicht?

Die TV Serie, welche auf den Büchern "Ein Lied von Eis und Feuer" basiert, bestärkt mich jedenfalls in der Annahme. Denn HBO schafft es mit dieser großartigen Adaption die Massen zu erreichen, wovor sich ein Peter Jackson mit seinem "Hobbit" langsam hüten sollte. Sicher kämpfen die Macher teilweise mit schmutzigen Tricks und werfen mit nackten Brüsten und typischen Cliffhanger um sich, aber man kann sagen was man will: Hinter Game of Thrones steckt ein schönes verwobenes Netz aus grauen Charakteren, welche es schafft selbst ein mehrfaches Ansehen der Folgen unterhaltsam zu halten.

Moment, worum geht's jetzt genau?

Die Welt ist dunkel, die Spannung zeitweise recht hoch und die Entwicklung von Staffel 1 zu 2 verspricht noch unzählige Stunden an guter Unterhaltung. Natürlich gibt es kleine Kratzer im Lack, so ist der übertriebene Einsatz von nackter Haut, oder die unendlich langen Dialoge etwas, was viele Zuschauer abschrecken könnte. Und trotz der teuren Produktion vermisse ich hier und da mal "sichtbare" Massenschlachten. Allerdings gibt der Erfolg der Serie doch weitestgehend das Recht dieses Rezept noch eine Zeit lang zu wiederholen.

Trailer

Onlinezwang bei der neuen X-Box

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Angels & Airwaves

1864 – Während des amerikanischen Bürgerkriegs wird Captain Lee Briggs von einer zur nächsten ausgelöschten Division versetzt. Er fühlt sich weggeschickt und zurückgelassen, einsam als einziger Überlebender. Wieder soll sein Leben durch ein Befehl verschont bleiben, der ihn östlich des Colorado-Beckens führt, wo ein befremdliches Objekt gewaltigen Ausmaßes gesichtet wurde. Was befindet sich dort? Knapp zwei Jahrhunderte später: Der US-amerikanische Astronaut Lee Miller soll die Sicherheit der Weltraumstation ISS überprüfen, die sich seit zwei Jahrzehnten verlassen in der erdnahen Umlaufbahn befindet. Auch er soll alsbald die leise Hölle der Einsamkeit erleben, als einziger Überlebender der gesamten Menschheit. Was ist das für „eine ziemliche Scheiße“, die laut der akustischen Aufzeichnung auf der Erde passiert ist, kurz bevor weltweit die Lichter erlöschen? Und warum könnten sie Lee Miller auch dann nicht zur Erde zurückholen, selbst, wenn sie es wollten?

Wie im Zeitraffer werden wir Zeuge, wie Lee Miller nach und nach seinen Verstand verliert. Er beginnt Gespräche mit den hinterlassenen Polaroids amerikanischer und russischer Astronautinnen. Hört ihre flüsternden Stimmen. Stellt sich vor, wie er sie ausführt. Spielt mit sich selbst Karten, um sich schließlich als schlechten Verlierer zu schimpfen. Grenzen zwischen Realität und Wirklichkeit drohen in Jahren der Einsamkeit komplett zu zerfallen, bis Lee an Bord der ISS zufällig das Tagebuch des Captain Lee Briggs findet und es mit Spannung liest. Wieso befindet sich das Tagebuch an Bord der ISS? Was befand sich dort draußen, im Colorado-Becken? Verdammt! Der Captain hat das Tagebuch nie zu Ende geschrieben. Und doch soll Lee Miller die Antwort erhalten, als durch sämtliche Fenster der Raumstation gleißendes Licht scheint und der Bordcomputer die Andockprozedur einleitet.

Beziehungen sind wesentlich für unsere Existenz

„Angels & Airwaves – Love“ wirft schnell Fragen auf und erzeugt so auf eine unaufdringlich leise Art, passend von der Musik der gleichnamigen Alternative-Rockband untermalt, eine faszinierende Spannung, ohne dabei ins Langweilige abzudriften, wie etwa „2001: Odyssee im Weltraum“. Keine minutenlange (Bildschirm-)Leere, kein Psychedelic-Trip zum Ende hin, wenngleich starke Parallelen zur Irrfahrt im Weltraum nicht von der Hand zu weisen sind, die meiner Meinung nach aber weit interessanter umgesetzt wurden. Werden die aufgeworfenen Fragen geklärt? Nicht alle und es gesellt sich im Höhepunkt sogar eine Schar weitere dazu. Es entsteht ein mysteriöses Puzzle, dessen fehlenden Teile viel Platz für eigene Interpretationen lässt. Sicher nicht jedermanns Geschmack, wer sich aber darauf einlässt, bekommt ein einzigartiges Sci-Fi-Erlebnis geboten, das sich vor großen Produktionen nicht zu verstecken braucht.

Dass die Produktion um die $500.000 gekostet hat, sieht man dem Film keineswegs an. Die glasklaren Bilder bleiben vor allem durch sehr sinnliche Momentaufnahmen und anmutenden Zeitlupen lange Zeit im Gedächtnis. Satte Farben setzen in der tristen Schwärze des Weltraums Akzente und schaffen insgesamt ein visuelles Kunstwerk, toll! Kaum zu glauben, dass Regisseur William Eubank die ISS im Garten seiner Eltern aufgebaut hat und eigenhändig die Schützengräben für die Szenen im Bürgerkrieg aushob. Mein Respekt für diese Leistung, die zeigt, dass ein verhältnismäßig winziges Budget ein solches Werk auf die Leinwand zaubern kann.

Trailer

Seit Jahren wird vor allem dem Shooter Genre vorgeworfen, abgesehen von der grafischen Pracht, auf der Stelle zu treten. Schnödes Geballer hier, flache Story dort. Kennst Du eine, kennst Du alle. So tönt es zumindest aus allen Ecken der Gamerszene.

Um so überraschender kam 2007 ein Titel daher, der mit einer spannenden Story und vor allem einer unfassbar dichten, einzigartigen Atmosphäre punkten konnte - BioShock! Der um sich greifende Wahnsinn, die permanente Furcht vor den verrückten Splicern und noch viel mehr vor den brachialen Big Daddys griff direkt auf den Spieler über, während man sich durch die Unterwasserstadt Rapture kämpfte. Dazu ein einzigartiges Design, welches Steampunk, 20er-Jahre und SciFi miteinander verbunden hatte. BioShock war ohne Zweifel ein besonderer Titel und wurde durch BioShock 2 würdevoll ergänzt.

Lange wurde über BioShock 3 diskutiert, Mutmaßungen angestellt und Gerüchte gestreut. Doch als die offizielle Ankündigung folgte, staunte man nicht schlecht. Der Titel lautet zum einen nicht BioShock 3, sondern BioShock: Infinite. Auch der düsteren Meeresgrund, auf dem sich die bedrohliche Stadt Rapture befand, wird man verlassen. Die ersten Bilder und Trailer wirkten fast befremdlich. Strahlender Sonnenschein, eine zauberhafte, idyllische Stadt in den Wolken war zu sehen. Wie soll hier eine solch fesselnde, fürchterliche Atmosphäre entstehen? Zudem versprach man den Spielern eine großartige Story, mit ergreifenden Charakteren und viel Emotion.

Was bleibt von den Versprechungen der Entwickler und kann BioShock: Infinite trotz des krassen Schauplatzwechsels genau solch eine tiefgehende Atmosphäre erschaffen, wie seine Vorgänger? All diese Fragen sind für mich Anlass genug, ein Let's Play zu starten. Doch natürlich kein "einfaches" Let's Play, denn ich spiele im höchsten Schwierigkeitsgrad, den der Titel zu bieten hat - der 1999 Mode!

Hier geht's zum ersten Teil:

Die komplette Playlist findet Ihr hier: Link

Wer den Sascha nicht die ganze Zeit beim Sterben zu sehen möchte, kann alternativ auch das Let's Play von unserem anderen neuen Redakteur Marc anschauen: Link

Unsere erste Diskussion: Wahre Zeitfresser

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Relevante Links

• Das Little Big Planet Special
• Benny Xenoblade Chronicles Review

Hinweis: Es kann unter Umständen zu Schwierigkeiten mit dem Internet Explorer kommen. Wir arbeiten dran! 

Da ist mir doch tatsächlich so manches im Action-Adventure-Genre entgangen und Schuld daran war die manipulative Macht des ersten Eindrucks: Lara Croft ein Sexsymbol? Iwo, für mich keineswegs. Ich fand sie bei ihrem Debut nicht nur unsympathisch, auch war für mich ihre Expedition anno 1996 eine grafische Zumutung. Kurzum, die Serie ließ mich bis vor kurzem völlig kalt und nun befindet sich sogar die HD-Collection in meinem Laufwerk. Woher der Sinneswandel? Der Dank gebührt dem Reboot, der mich über meinen Schatten springen ließ. Schon beim ersten Bildmaterial konnte ich mich mit Laras neuem Äußeres endlich anfreunden und wurde schnell an „Uncharted“ erinnert, das den archäologischen Kletterspaß von „Tomb Raider“ aufgriff und perfektionierte. Aber wer klettert höher hinaus? Die (mittlerweile) hübsche Lara Croft oder der charmante Nathan Drake?

Unwetter voraus!

Auch wenn man erfahrungsgemäß bei einem Action-Adventure vergebens auf einen erzählerischen Geniestreich hoffen kann, so ist die Handlung von „Tomb Raider“ überaus stimmig. Die exzellenten Zwischensequenzen sind nicht nur bis zum Schluss spannend und dramaturgisch inszeniert, sie vermitteln auch bestens die Gefühlswelt von Lara Croft: Schuldgefühle bei jedem Verlust eines Crewmitglieds; ihre fürchterliche Erkenntnis, wie leicht es ihr in Windeseile fällt, für das eigene Wohl zu töten oder ihre Erschöpfung nach all den Strapazen in der Wildnis – Lara wächst zu ihrer Überraschung in der Not über sich selbst heraus. Wenn überhaupt könnte ich nur kritisieren, dass sich das Reboot etwas zu bierernst nimmt und ich neben Lara wirklich sympathische Charaktere, wie etwa dem alten Haudegen Sully aus „Uncharted“, vermisse.

Dagegen bin ich mit der Wahl von Laras Synchronsprecherin nicht vollends zufrieden. Nora Tschirner zeigt zwar in vielen Szenen großartigen Einsatz, wenngleich manche Passagen abgelesen klingen, doch insgesamt will ihre (kindliche) Stimme einfach nicht zu Laras Gesicht passen. Vielmehr hätte ich mir gewünscht, dass Marion von Stengel auch weiterhin der fiktiven Figur Lara Croft ihre (erotische) Stimme geliehen hätte, schließlich hatte sie ihren Job in den Vorgängern sehr ordentlich gemacht.

Tomb Raider RPG?

Apropos Waffen: Das Arsenal ist recht überschaubar. Gäbe es den Bogen nicht, wäre die Auswahl aus einer Pistole, einem Maschinengewehr und einer Schrotflinte sehr dürftig. Dieses Defizit macht der Bogen allerdings mehr als wett, da er, sofern man die Vorliebe des lautlosen Killers teilt, ohnehin die meist genutzte Waffe sein dürfte.

Bloß nicht herunterschauen!

Auf der anderen Seite kommt man als virtueller Bergsteiger voll und ganz auf seine Kosten. Anfangs noch sind es nur kleinere Erhöhungen, die Lara erklimmt, bis sich ihr Repertoire an nützlichen Utensilien vergrößert. Beispielsweise kann Lara im späteren Spielverlauf mit ihrem Bogen Seilrutschen spannen, um entfernte Plateaus zu erreichen oder mit der Kletteraxt bestimmte Felswände hochkraxeln und wie auf Spitze eines Funkturms unglaubliche Weitsichten genießen. Adrenalin pur – großartig! Mit neuen Ausrüstungsgegenständen lohnt sich auch der Besuch bereits erkundeter Gebiete, um vorher unpassierbare Wege weiter erkunden zu können, „The Legend of Zelda“ lässt grüßen.

Ebenfalls begeistert bin ich von der Spielwelt an sich, die mit einem hohen Detailgrad sehr natürlich wirkt. Hasen, Ratten Hirsche, Wölfe, Krähen und anderes Getier bevölkern die dichten Wälder. Büsche und Sträucher reagieren auf Körperkontakt, wehen mit dem Wind und auch die Wettereffekte sind grandios. Ob Regenschauer oder Schneeverwehungen, die Umwelt von „Tomb Raider“ lässt einen das heimische Wohnzimmer schnell vergessen. Angesichts des Hundewetters ist es auch nicht weiter verwunderlich, dass der neueste Ableger der Serie mit poppigen Farben geizt und sich anstelle von bildschönen Panoramen Schneisen der Verwüstung darbieten. Einzig missfallen haben mir beim Leveldesign die vielen Wellblechbarraken, die sich über die Insel erstrecken. Kein schöner Anblick, zum Glück aber nicht im Spielverlauf allgegenwärtig.

Trailer

Um diesen wurde es dann auch etwas länger ruhig, da man sich danach in weiteren Ablegern wieder auf Snake konzentrierte, bis uns der weißhaarige Athlet in Teil 4 mit einer Cyborg Reinkarnation überraschte. Was genau in der Zwischenzeit passiert ist, möchte Kojima in  Zusammenarbeit mit Platinium Games (welche schon in Bayonetta und Vanquish ihre Action-Qualitäten zeigen konnten) nun erzählen. Herausgekommen ist wohl das schnellste und actionlastigste Spiel aus dem Metal Gear-Universum, was Fans der Serie erneut auf die Probe stellen soll.

Ernste Grundtöne des Krieges und absurd spektakuläre High-Tech-Action

Spätestens nach dem Prolog sollten die Leser genau wissen, was ich meine und entweder das Gamepad kopfschüttelnd zur Seite legen oder total Bock haben, sich auf Raidens Rachepfad zu begeben.

Schwerterspaß mit gewöhnungsbedürftigem Ansatz

Die Idee gefällt mir gut, auch das Parriersystem, welches Blocken und Angriff auf einer Taste möglich macht - allerdings läuft das Spiel in einem dermaßen hohen Tempo, dass ich schnell mal den Faden verliere. Das Blocken erfordert zudem das richtige Timing, denn wer zu früh oder zu spät ansetzt, verpatzt die Verteidigung. Außerdem steht die Kamera-Führung etwas im Weg. Für das manuelle Justieren der Kamera bleibt in den schnellen Kämpfen leider nicht so viel Zeit.

Wer Lust hat, seine Fähigkeiten zu meistern, kann hier tief ins System einsteigen und auch bei einem zweiten oder dritten Anlauf genüg Anreize finden, alles aus dem Spiel herauszuholen. Alleine die Bewertungen der Kämpfe motivieren, einen guten Rank zu erreichen und Gefechte teilweise zu wiederholen, bis man diese bestmöglich gemeistert hat. Geschenkt wird einem hierbei nichts, aber die Belohnungen sind groß, wenn man sich darauf einlässt.

Und Platinium Games hat vorgesorgt: Der Schwierigkeitsgrad "einfach" greift dem Spieler dermaßen unter die Arme, dass hier das Risiko zum Fehlkauf doch eher gering ausfällt. Zielgruppe bleibt aber grundsätzlich immer noch der motivierte Spieler, welcher gerade in Bosskämpfen eher mit der richtigen Taktik voranschreitet und auch bereit ist, sich dem ausgesprochen kniffligen und fordernden Endkampf zu stellen.

Der große Unterschied

Ein wenig schade ist es, dass das Leveldesign eher zweckmäßig gehalten wurde. So darf man hier nicht zwingend detaillierte und ausgefeilte Level erwarten, darauf haben die Entwickler wirklich keinen Fokus gelegt. Aber da sämtliche Elemente des Spiel zerschnitten werden können (Brücken, Bäume etc.) hat sich die Optik wohl auch etwas den Funktionen fügen müssen.

Ausgezeichneter Soundtrack

Wir legen noch einmal frisch nach: Passend zu unserem kürzlich veröffentlichten Flipper-Vergleich stellen wir Euch das aktuelle "StarWars Pinball" von den ZEN Studios vor. Solltet Ihr Flipper mögen und einen Faible für das StarWars-Universum haben, habe ich nur zwei Worte für Euch: "Kaufen, sofort!" Wer es etwas differenzierter möchte, dem erläutere ich im Folgenden meine Beweggründe für obige Kaufempfehlung.

"StarWars Pinball" von den ZEN Studios integriert sich nahtlos in die bisherigen aktuellen ZEN Pinball Umgebungen auf X-Box 360, PlayStation 3, PS Vita, Mac, iOS und Google Play und enthält drei neue Tische für einen Preis von rund 10,- EUR (für PS3 und PS Vita wieder mit Cross-Buy, für iOS und Android sind die Tische auch einzeln für rund 2,- EUR zu haben). Im Laufe der nächsten Zeit soll das StarWars-Tisch-Portfolio auf insgesamt zehn verschiedene Exemplare aufgestockt werden. Ankündigungen zur Veröffentlichung auf weiteren Plattformen (z.B. Wii U) sollen demnächst folgen.

Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back

Ziel des Tisches ist es, fünf Schlüssel-Ereignisse des Films erfolgreich zu absolvieren, um letztlich Darth Vader persönlich in einem Lichtschwert-Duell gegenüberzutreten. Das ist durchaus wörtlich zu nehmen, denn der Lichtschwert-Kampf ist ein Mini-Spiel, das mit herkömmlichen Flippern nur entfernt etwas zu tun hat. Statt wie üblich nur eine Animation auf der Dot-Matrix zu sehen, findet das Geschicklichkeitsspiel auf Vollbild und in Farbe statt.

Aber auch die Dot-Matrix wird mit schön anzusehenden Film-Szenen versorgt. Schade, dass sie dann doch so klein ist. Zusätzlich werden die Szenen aus dem Film, wie zum Beispiel der Kampf gegen den riesigen AT-AT-Walker, auf dem Tisch selber illustriert. Ich habe nicht schlecht gestaunt, als sich eine Luke (nein, nicht der Skywalker, sondern eine Bodenöffnung) auftat und ein animierter Walker in 3D über den Tisch lief.

Spielerisch gefällt mir der Tisch sehr gut, denn er bietet jederzeit klar erkennbare Ziele. Durch Aktivierung der Buchstaben STAR und WARS im Zentrum des Tisches, lässt sich eine Film-Szene starten, die der Spieler frei wählen kann. Jede Szene unterteilt sich in zwei Abschnitte und erfordert das Treffen der richtigen Ziele innerhalb einer vorgegebenen Zeit.

The Clone Wars

Auch hier gilt es - ähnlich den Film-Szenen in Episode V - verschiedene Missionen zu aktivieren. Über die linke und rechte Rampe werden die Buchstaben CLONE und WARS aktiviert. Dies gestaltet sich aufgrund der Fülle der visuellen Informationen und verschwungenen Rampenbahnen allerdings schwieriger, als es sich anhört. Insgesamt muss ich mich bei diesem Tisch so sehr darauf konzentrieren, die Kugel nicht aus den Augen zu verlieren, dass ich nicht einmal richtig Zeit habe, die verschiedenen Anzeigen auf der Dot-Matrix zu verfolgen.

Nett spielt sich ein gesonderter Spielmodus, bei dem ich je nach Fortschritt und Treffsicherheit auf zwei weitere – allerdings deutlich kleinere – Flipper-Tische komme.

Boba Fett

Auch hier müssen Missionen über spezielle Rampen zunächst aktiviert werden. Der Clou hierbei: Ich darf mir selber den Schwierigkeitsgrad der jeweiligen Mission aussuchen. Je schwieriger ich die Mission einstelle, desto mehr Rampen-Ziele muss ich innerhalb einer vorgegebenen kurzen Zeit treffen. Wähle ich eine leichtere Stufe, sind es weniger Ziele, allerdings fällt dann auch die Belohnung geringer aus.

Gerade in Multiplayer-Runden stehe ich hier vor der Wahl: Mache ich mit nur einer absolvierten schwierigen Mission den Sieg klar und gehe das hohe Risiko ein, es nicht zu schaffen? Oder gehe ich auf Nummer "relativ-sicher", was den Erfolg der einzelnen Mission angeht, muss dann aber zwei oder drei Missionen schaffen, um das Punkteziel zu erreichen?

Neben Boba Fett und seinem Raumschiff "Sklave I" treten auch Darth Vader und Jabba the Hutt als animierte 3D-Modelle auf. Als Highlight dürft Ihr versuchen, Han Solo gefangen zu nehmen.

Wir bedanken uns ganz herzlich bei den ZEN Studios für die Bereitstellung eines Review-Codes.

Norman ist ein ganz normaler Junge. Wäre da nicht der unumstößliche Fakt, dass er Geister sehen kann. Doch das Problem bei der Sache ist, dass nicht nur er es weiß. Nein, durch sein Verhalten weiß bereits die gesamte Stadt "Blithe Hollow", dass mit Norman etwas nicht stimmt. Von seiner Familie ungehört und verspottet und von seinen Mitschülern gemieden, fristet Norman ein einsames Leben auf der Couch, gemeinsam mit seiner toten Oma. Doch das Leben von Norman soll sich plötzlich ändern, als sich sein Obdachloser Onkel zu Wort meldet und dem kleinen Norman erklärt, dass er nicht der einzige mit dieser Gabe ist. Viel mehr ist er nur einer von vielen, die "Blithe Hollow" vor dem Fluch der Hexe schützen müssen. Verängstigt und ein Quäntchen angenervt soll Norman es schaffen die Hexe zu besänftigen. Und so nimmt das Abenteuer seinen Lauf. Gemeinsam mit einem Haufen skuriller Charaktere nimmt Norman es mit Hexerei, Zombies und Klopapier auf, um das Herz eines verängstigten Mädchens zu berühren.

Ein Film für die ganze Familie?

Neben dem Humor und der FSK-Debatte wäre noch einmal die Schönheit der Knete zu erwähnen. Die Bewegungen sind butterweich und wirken nie abgehackt oder schlecht in Szene gesetzt. Da kommt man wirklich immer wieder aufs Neue ins Staunen. Für die Menschen, die möglicherweise schon einmal den Film "Coraline" gesehen haben, ist diese Entwicklung noch ein ganzes Stück auffälliger. Denn wo bei "Coraline" noch hier und da einige Ecken und Kanten zu entdecken waren, scheinen diese bei "Paranorman" komplett ausgebügelt worden zu sein. Wirklich ein Meisterwerk!

Paranorman Trailer

Bereits Morgen am 13. März könnt Ihr mit Kratos aus der "God of War" Reihe in die düstere und imposante Welt der griechischen Mythologie zurückkehren. Wir wollen die Rückkehr etwas feiern und verlosen zu diesem Anlass wieder schöne Preise an unsere Leser!

Das erwartet Euch in God of War: Ascension

Multiplayer

Mehr Infos bekommt Ihr auf der offiziellen Website: www.godofwar.com

Trailer

Screenshots

Preise

** UPDATE **

So denn, die Zeit ist abgelaufen und unsere Glücksfee hat zwei Zahlen gezogen. Gewonnen haben hiermit Waldemar J. und Isyan K. Herzlichen Glückwunsch an die beiden Gewinner und vielen Dank an alle für Eure Teilnahme.

Was kommt denn jetzt eigentlich bald so an Kung Fu Filmen?

Ip Man - The Final Fight

Mit der Ip-Man Trilogie hatten wir doch erst vor einiger Zeit schöne neue Impulse gesehen, in der sogar die Story mal nicht nur zweckbedingt erschien. Aber seit dem dritten Teil erscheint mir die Qualität nicht mehr ganz erreicht und scheinbar wartet nun auch noch ein vierter auf uns.

Stephen Chows "Journey to the West"

Chows Filme sind hier im Westen ja schon durchaus bekannt: "Shaolin Soccer" oder "Kung Fu Hustle" wurden unter anderem durch seinen etwas übertriebenen Humor bekannt. Allerdings beunruhigt mich vor allem hier, was seit Jahren immer schlimmer wird: Der CGI Einsatz in asiatischen Filmen nimmt leider zu!

Once Upon a Time in Shanghai

Keine Ahnung was das jetzt ist, aber rockt doch, oder nicht? :D

The Grandmaster

Wong Kar-Wai ist natürlich Asia-Film Fans ein Begriff. Dass ausgerechnet er sich dem Thema "Ip Man" erneut widmet sorgte natürlich für Aufmerksamkeit... Laut ersten Reviews wird auch gehalten, was der Name verspricht: Statt schneller Action wird hier viel Wert auf die Ästhetik und Atmosphäre gelegt, wie man es halt bei Wong Kar-Wai natürlich auch erwartet.

Tom yum goong 2

Mortal Kombat

Piets Kommentar:

Es ist nicht mehr viel von der leichten Überheblichkeit übrig, welche der ehemalige Branchen-Primus zum Start der PlayStation 3 damals zeigte. Dieses Mal zeigen die Entwickler Einsicht und sind scheinbar auf die größten Kritikpunkte eingegangen.

Entwickler dürfen sich wohl stark über die Standard Architektur freuen und somit werden hoffentlich auf der PS4 weniger Probleme mit Multiplattform-Titeln bestehen. Hier Grenzen zu beseitigen fand ich persönlich recht wichtig, auch was die Perspektive für Indie-Entwickler angeht.

Wer ärgert sich nicht über ständige Updates und Zwangsinstallationen, welche den spontanen Konsolenabend hemmen? Die PlayStation 4 wird alles endlich im Hintergrund ausführen und ein "Suspend"-Modus pausiert unser Spielerlebnis auf Ort und Stelle und lässt eine Rückkehr wohl ohne Ladezeiten zu. Erinnert mich an die Benutzerführung auf meinen Android-Geräten.

Ein anderes Problem war wohl der nicht umfassend ausgeklügelte Online-Modus. Die Kommunikation und die Verbindung zu meinen PlayStation Freunden war hier und da noch recht holprig, doch nun wird ein neues Menü vieles vereinfachen, übersichtlicher gestalten und der Share-Button des neuen Controllers wird die Interaktion mit unseren Mitspielern noch weiter ausbauen. Einem Freund beim Spielen über die Schulter schauen? Oder gar eingreifen und helfen? Selber Spielestreams hosten? Jederzeit die letzten Sekunden meiner Spielesession teilen können? Also ich bin höchst gespannt.

Von der Hardware-Seite aus bin ich bisher eigentlich recht zuversichtlich, auch wenn sich die eine oder andere Sache noch beweisen muss. Von dem, was ich bisher gesehen habe, denke ich werden wir wohl in nächster Zeit immer noch die selbe Art Spiele vorgesetzt bekommen. Klar, sahen die auch recht solide und gut aus, und sicher mangelt es auch nicht an Ideen, aber ich erhoffe mir zur E3 noch im Spiele-Portfolio mehr "Wow"-Effekte - und dafür muss es kein umfangreiches teures Projekt sein, ich will einfach nur wieder mehr Spiel an einer Konsole. Denn zur Zeit ziehen bei mir die "kleinen" Indie-Games mehr an, als die großen. Nicht zwingend, weil sie kreativer sein können, sondern weil meine Freizeit mit dem Alter immer knapper wird.

Größte Enttäuschung: Wir haben wohl alle einen guten Grund dazu, die PS3 noch etwas länger unter dem TV liegen zu haben. Fehlende Abwärtskompatibilität für Discs und kein Transfer von erworbenen PSN-Titeln geben der ganzen Sache einen bitteren Nachgeschmack. Einen Vorwurf mache ich ihnen nicht, aber zumindest auf den letzten beiden Nintendo Konsolen lassen sich die Spiele vom Vorgänger weiter nutzen. Einzige Langzeit-Lösung von Sony hierzu: Über ihren Streaming Dienst wollen sie nach und nach ermöglichen alte Titel spielbar zu machen. Wer weiß zu welchem Preis...

Christians Kommentar:

Die genannten technischen Eckdaten sind ebenso beeindruckend wie nichtssagend. Wichtig erscheint mir die Aussage viele Entwickler, die beteuert haben, dass die Programmierung der PS4 sehr "einfach" und komfortabel sein soll. Das dürfte daran liegen, dass es sich nach dem Cell-Ausflug der PS3 bei der PS4 wieder um eine gewohnte und weiter verbreitete Prozessor-Architektur handelt. Das aber müssen letzlich die Spiele zeigen.

Warum also sollte ich mir eine PS4 zulegen, was sind die Unterschiede zur PS3?

Von den vorgestellten Features sind allen voran die aus dem Gakai-Kauf resultierenden Streaming-Funktionen nennenswert. Spiele auf Knopfdruck aus dem PSN-Store heraus anspielen, ohne Download? Spiele bereits spielen, während sie im Hintergrund noch heruntergeladen werden? In die Live-Session eines Freundes einklinken und zuschauen? Oder andere bei sich selber zuschauen lassen? Das Spielgeschehen aufnehmen, hochladen und mit Freunden teilen? Sämtliche PS4-Spiele via verbessertem Remote-Play lagfrei auf der PS Vita spielen? Second Screen Apps für Smartphone und Tablet? Das klingt für mich alles sehr spannend und interessant.

Weiterhin sollen Funktionen der PS Vita auch für die PS4 umgesetzt werden. Über eine Stand-By Funktion lässt sich ein Spiel jederzeit anhalten und die Konsole ausschalten. Nach dem Einschalten geht es nahtlos dort weiter, wo man aufgehört hat. Überhaupt soll es keine Hochlaufzeiten nach dem Einschalten mehr geben, was heute auf der PS3 noch 20 bis 30 Sekunden dauert.

Von den vorgestellten Titeln hat mich Killzone Shadow Fall extrem beeindruckt. Ich kann mich noch daran erinnern, wie ich damals ungläubig auf die vor dem PS3-Release gezeigten Killzone 2 Szenen geschaut habe und sie für vorgerendert hielt. Im fertigen Spiel sah dann alles sogar noch besser aus. Diesmal ist die Ungläubigkeit nicht so groß, dennoch kann man grafisch eine gute Schippe drauflegen. So haben mich die detaillierte Weitsicht, die Raucheffekte sowie die ganze Dynamik der Szenen beeindruckt.

Vorzeige-Studios wie Sucker Punch (inFAMOUS), Evolution Studio (MotorStorm), Media Molecule (LittleBIGPlanet) und Quantic Dreams (Heavy Rain) haben ihre Muskeln spielen lassen und Einblicke in ihre neuen Projekte gegeben. Insbesondere die Tech-Demo der Heavy Rain Macher hat mich stark beeindruckt. Der Kopf des alten Mannes mit dem dünnen Haar hat mir eindrucksvoll gezeigt, dass mit steigender Anzahl Polygone auch ein größeres Maß an Emotionen in einem Spiel möglich sein kann. Diese kleinen, kaum wahrzunehmenden Muskelbewegungen, die die Mimik des Gesichts ausmachen, kann man wohl nur realistisch darstellen, wenn die Polygondichte weiter steigt. Leider hat die Internet-Community den Vergleich der Polygonzahl pro Figur aus Heavy Rain (15.000 Polygone) hin zu der Tech-Demo (30.000 Polygone) als plumpe Angeberei abgestraft. Insgeheim dürften aber auch denjenigen die Kinnladen heruntergehangen haben, die es ins Lächerliche gezogen haben.

Einen Paukenschlag gab es noch am Ende der Pressekonferenz. Ein sympathisch arroganter Chris Metzen von Blizzard kündigte eine strategische Partnerschaft mit Sony und damit eingehend die Übernahme der Weltherrschaft an. Herrlich. Ganz nebenbei bedeutet diese Partnerschaft übrigens die konsolen-exklusive Veröffentlichung von Diablo 3 für PS3 und PS4. Neben aufgebohrter Grafik soll dann auch ein lokaler 4-Spieler-Koop Modus geboten werden.

Viele Fragen blieben nach der Pressekonferenz unbeantwortet. Ein gefundenes Fressen für die Kritiker. Nein, das Design der eigentlichen Konsole wurde nicht gezeigt. Sind deshalb die Konzepte schlecht? Bleibt abzuwarten, was Sony von den Versprechungen und Ankündigungen umsetzt, denn nicht alles Versprochene wurde in der Vergangenheit auch geliefert. Ein Preis? Damit wird Sony wohl noch warten, bis Microsoft was gezeigt hat. Nun warte ich mal ab, was im Laufe des Jahres noch alles gelüftet wird. Der Hypetrain setzt sich langsam in Bewegung, um Fahrt aufzunehmen. Mein Kopf sagt mir, vorsichtig abzuwarten. Mein Bauch befiehlt mir, aufzuspringen. Tschuuuh, tschuuuuh!

Die Ankündigung von „Ni No Kuni“ war für Animefans eine kleine Sensation aus heiterem Himmel, denn das J-RPG wurde in Zusammenarbeit mit dem renommierten Studio Ghibli entwickelt und sollte ursprünglich für die PlayStation 3 und den Nintendo DS erscheinen. Letztere Version wurde allerdings später, zugunsten der Exklusivität, gestrichen. Schade, denn obwohl die leistungsstarke Cel-Shading-Grafik der PS3-Version bereits beim ersten Bildmaterial ordentlich aussah, passte die einst geplante Variante für das Handheld besser zu den Werken von Hayao Miyazaki und Isao Takahata. Da Titel wie „Nausicaä aus dem Teil der Winde“ oder „Only Yesterday“ zu meinen absoluten Lieblingsfilmen gehören, stand der Blindkauf von Anfang an fest – mit großen Erwartungen. Vielleicht zu großen?

Eine warmherzige Geschichte (mit Längen)

Der Anschlag scheint vereitelt worden zu sein, da bricht Olivers Mutter wegen all der Aufregung zusammen und stirbt aufgrund ihres schwachen Herzens wenig später im Krankenhaus. Ohne seine Mutter, so ist die weiße Königin sich sicher, wird niemand Oliver den Weg weisen. Sie überlässt den traurigen Jungen sich selbst, der mit seiner Träne den Fluch seines Stofftiers bricht und Tröpfchen, den Großfürsten der Feen, wieder zum Leben erweckt. Ein ulkiger Zeitgenosse, der dem Protagonisten mit seiner saloppen Redensart schnell wieder Hoffnung gibt: Die Menschenwelt ist mit seiner eng verbunden, jeder Mensch hat dort einen Seelenverwandten. Sowie auch Olivers Mutter, nämlich die große Weise Alice, die vom dunklen Dschinn in ein Juwel gesperrt wurde. Tröpfchen vermutet, dass wenn es ihnen gelingt, Alice zu befreien auch Olivers Mutter gerettet werden kann. Schnell willigt Oliver ein, den Weg eines Magiers einzuschlagen und in Tröpfchens Welt zu reisen.

Ghibli-Fans werde ich an dieser Stelle nichts Neues erzählen, wenn ich sage, dass ich dieses Animestudio deswegen am meisten schätze, weil es ihnen spielendleicht gelingt, ernste Handlungen, wie etwa die Verschmutzung der Umwelt oder den Weg der Selbstfindung, so einfühlsam, wie es kaum anderen Werken gelingt, zu präsentieren und unglaublich sympathischen Helden Leben einhaucht. Mit dem wohl charmantesten Artdesign aus der Welt des Animationsfilms liegt über jedem Film eine gewisse Magie, deren Zauber auch beim Auftakt von „Ni No Kuni“ sofort präsent ist. Stundenlange Unterhaltung à la Ghibli gibt es allerdings, wenn überhaupt, nur mit unschönen Unterbrechungen. Zu groß erscheinen die Längen immer wieder zwischen all den Kämpfen und Aufgaben, die es zu erledigen gilt. Zu selten wird die Geschichte von „Ni No Kuni“ mit den traumhaftschönen, handgezeichneten Zwischensequenzen des Ghibli-Studios erzählt. Meist muss man mit der (dennoch sehr gelungenen) Cel-Shading-Optik vorlieb nehmen, die nichtsdestotrotz den Ghibli-Charme versprüht. Oftmals weicht auch die exzellente Vertonung (wahlweise Englisch oder doch lieber Japanisch) monotonen Soundeffekten bei den Textboxen. Hier hätte ich mir vielmehr eine Fantasiesprache wie bei „Okami“ gewünscht, die die tolle Atmosphäre nicht so schnöde unterbricht.

Dennoch, die Handlung ist für ein Videospiel überdurchschnittlich gut inszeniert, nur merkt der Kenner der Animes schnell, dass „Ni No Kuni“ nicht vom Ghibli-Studio selbst geschrieben sondern nur optisch unterstützt wurde und Highlights wie „Chihiros Reise ins Zauberland“ oder „Prinzessin Mononoke“ längst nicht erreicht werden - dafür fällt das herzerweichende Drama um Oliver und seiner Mutter stellenweise einfach zu naiv aus.

Im „Königreich der Katzen“

Mit zig Anspielungen an die vielen Filme, das Königreich Katzbuckel lässt grüßen, ist die Spielewelt von „Ni No Kuni“ nicht zuletzt auch wegen den satten Farben, den vielen Details und der späteren Reisemöglichkeiten einfach atemberaubend schön. Die musikalische Untermalung lässt schwelgen, das tolle Charakter- und Artdesign das Gemüt erwärmen, spätestens dann, wenn der Ladenbesitzer mit dem typischen „Ghibli-Rauschebart“ sanftmütig dreinblickt. Toll!

Und auch an Hintergrund fehlt es der Welt nicht im Geringsten. Immer wieder entdeckt Oliver Teile eines seitenstarken Tagebuchs, das unter anderem mit diversen Märchen gefüllt wird, die derart qualitativ geschrieben sind, dass sie es auch wirklich wert sind, gelesen zu werden und sogar hin und wieder Verwendung in Rätseln finden.

„Ni No Kuni“ ist vor allem eines, eine eindrucksvolle, virtuelle Fantasiereise. Da verzeiht man auch das schlauchartige Leveldesign der Häuser, Katakomben, Wälder und Städte, die immer wieder Reiseziele in der weitläufigen Oberwelt sind. Dass es aber noch eine Schippe besser geht, zeigt „Xenoblade Chronicles“ auf der Nintendo Wii mit Bravour.

Pikachu, Donnerschock!

Die größte Schwäche vieler J-RPGs ist das angestaubte, rundenbasiere Kampfsystem, das allzu oft mit nervigen Zufallskämpfen negativ auffällt. Zum Glück bleibt „Ni No Kuni“ diesen Wurzeln nicht allzu sehr treu und wartet mit einem rundenbasierten System in Echtzeit auf. Oliver (und seine späteren Begleiter) können wahlweise selbst angreifen oder ihre Vertrauten, putzige Kreaturen, die in Hundertschaften die Welt füllen und allesamt für die eigene Gruppe auch gewonnen werden können, in den Kampf schicken. Neben Zaubersprüchen können einfache Attacken, die Defensivhaltung und diverse andere Talente ausgespielt werden, welche anschließend für einen kurzen Moment aufgeladen werden müssen, um sie erneut auszuspielen. Anfangs noch sehr leicht, nehmen die Kämpfe an herausfordernder Fahrt auf, werden aber keineswegs unfair. Einzig könnte die eigene Stufe zu niedrig, das Inventar zu wenig Leckereien (zum Heilen, Auffüllen der Magiepunkte oder anderer temporärer Eigenschaften) parat halten oder der Gegner erst durchschaut werden müssen, um siegreich zu sein.

Vor allem das Aufleveln der Vertraute ist genial umgesetzt und erinnert direkt an die große Vorlage „Pokemon“. Nicht nur das simple Aufsteigen von bestimmten Werten ist möglich, die Kreaturen ändern je nach Fortschritt ihre Optik und gewinnen ebenfalls an nützlichen Talenten, die das Kampfgetümmel bereichern.

Auch eine tolle Spielerei ist der Alchemiekessel, in dem mittels Zutaten neue Objekte geschaffen/verbessert werden können. Neben solchen Gimmicks lockern auch Rätsel immer wieder den Spielverlauf auf. Kreativ fand ich vor allem die Prüfung der Freundschaft, bei der zwei Charaktere gleichzeitig mit beiden Analogsticks durch einen Parcours gelotst werden müssen.

Nur das System um die „gebrochenen Herzen“ verschenkt enormes Potenzial. Es gibt viele Charaktere, denen ein Teil ihres Herzens gestohlen wurde und aus verschiedenen Gründen antriebslos sind. Erst, wenn man das passende Herzstück von einem anderen Charakter, der es im Überfluss sein Eigen nennen kann, bekommen und jenes Defizit beim Opfer gelindert hat, werden manche Hürden gemeistert oder eine der vielen Nebenmissionen erledigt. Problem ist nur: Das passende Herzstück befindet sich oftmals nur virtuelle 10 Meter entfernt, auf der Karte sogar angezeigt, so dass jedweder Reiz verloren geht und die gebrochenen Herzen zu simplen „Von-A-nach-B-und-zurück“-Missionen degradiert werden. Schade.

Trailer

Unbegrenzte Freispiele

Kopf-an-Kopf-Rennen

ZEN Pinball 2

Die insgesamt 25 erhältlichen Fantasie-Tische für ZEN Pinball lassen sich grob in drei Kategorien einordnen. Da wären zum einen die reinen Fantasie-Tische, die es in der Realität nicht gibt und die sich an einem ebenso ausgedachten Thema orientieren. Zum anderen gibt es Tische, die sich an einem bekannten Thema orientieren. Diese Tische lassen sich nochmal gruppieren nach solchen, die ein Marvel-Thema haben oder ein Computer-Spiel zugrunde gelegt haben. Marvel-Tische widmen sich entweder einer speziellen Figur, wie Blade, Hulk, Thor oder Spiderman. Oder die Tische sind einer Marvel-Marke gewidmet, wie The Avengers oder X-Men. Unter den videospielbasierten Tischen finden sich Street Fighter, Ninja Gaiden, Pflanzen gegen Zombies und Splosion Man.

Ein besonderes Feature bietet der Tisch "Epic Quest", da er ein spielübergreifendes Speichern bietet. Thema des Spiels ist eine lustige Heldenfigur, die gegen allerlei Monster und Ungeheuer kämpfen muss. Dabei sammelt der Held Erfahrung und bessere Items, die er nach Verlust der drei regulären Kugeln in die nächste Spielrunde mitnimmt.

Äußerst gelungen finde ich die Umsetzung des "Pflanzen gegen Zombies"-Themas. Erstmalig in der Geschichte des von PopCap entwickelten Konfliktes zwischen Pflanzen und Zombies wurden die bekannten 2D-Figuren in 3D-Modelle umgewandelt und laufen auch über den Tisch.

The Pinball Arcade

Leider lässt The Pinball Arcade seit seinem Release auf die versprochenen Community-Features warten. So finden sich im Spiel Menüpunkte, hinter denen seit der Veröffentlichung des Basisspiels vor über einem halben Jahr (auf PS3 / PS Vita) der selbe Kommentar erscheint: Diese Funktion wird verfügbar, sobald Du mehr Tische gekauft hast. Aber selbst nach 7 DLCs hat sich an diesem Punkt nichts geändert. Spezielle Turniere und Challenges sind also angekündigt, wurden aber bisher noch nicht realisiert.

Die Palette der simulierten Tische ist breit. Angefangen mit Exemplaren aus den 70ern und 80ern (mit ersten zaghaften Versuchen einer Sprachausgabe), auf denen die mechanischen Aufbauten noch einfacher gehalten waren, gibt es auch Tische aus den 90ern, die dann schon aufwendige Plastikaufbauten im Design aufweisen.

Stärken und Schwächen

The Pinball Arcade bietet eine solche Sicht nicht, hat seinen Fokus aber auch mehr auf den Simulationsgehalt gelegt. Vor allem auf einem großen Fernseher erstrahlen die Tische in wunderbarer Pracht. Die Licht-Reflektionen auf den pollierten Kugeln ist eine wahre Entzückung für's Auge. Die Kehrseite: Vereinzelt hat Farsight Tische im Portfolio, die mal auf der PS3, mal auf der PS Vita nahe am Rande der Unspielbarkeit sind und doch deutlich ruckeln.

ZEN Pinball erreicht nicht die gleiche gestochene Schärfe in der Optik, hat aber dafür nicht mit Slowdowns zu kämpfen und bleibt über die ganze Action flüssig. In punkto Soundtrack liegt ZEN Pinball deutlich vorne, was aber nicht weiter verwunderlich ist, hat man sich bei The Pinball Arcade eben auch darauf konzentriert, die teils aus den 70ern und 80ern stammenden Düdel-Pling-Sounds naturgetreu wiederzugeben. Bei einigen Tischen ist das nebenbei gesagt fast schon eine akustische Zumutung - aber eben echt.

Fazit

Eine Empfehlung in die eine oder andere Richtung kann ich gar nicht aussprechen. Flipper-Freunde sollten sich schlicht beide Spiele in Form der jeweiligen kostenlosen Demo ansehen. Während es bei ZEN Pinball Fantasietische gibt, die alle randvoll mit tollen Ideen sind, gibt es bei The Pinball Arcade Realismus pur. Das kann allerdings den Nachteil mitbringen, dass ein Tisch, der 1980 richtig modern war, unter heutigen Gesichtspunkten aber spielerisch eher langweilig ist, in The Pinball Arcade ebenfalls ernüchternd rüberkommt.

Etwas verärgert bin ich über die scheinbar holen Versprechen Farsights, es kämen noch Community-Features wie Challenges und Turniere. Diese Menüpunkte hätte man schlicht weglassen sollen. Stattdessen hat man jüngst die Anzahl der Tische pro DLC-Pack halbiert, bei gleichem Preis. Kein feiner Zug.

Die ZEN Studios gaben hingegen vor wenigen Tagen bekannt, dass es im Laufe des Jahres 2013 insgesamt 8 neue Tische geben wird, die sich als Thema alle das StarWars Universum vornehmen werden. Da darf man gespannt sein, ob es neben neuer Grafiken und Sounds auch neue Spielideen geben wird.

Da tauche ich plötzlich aus der Versenkung hervor und schaffe es tatsächlich neben der ganzen Arbeit, die momentan auf mich wartet, einen Artikel hier zu veröffentlichen. Der einzige Grund, wieso dieser nun überhaupt zustande kommt: Ich habe noch nie das Kino verlassen, aber hätte ich mich nicht dazu entschieden, darüber zu schreiben, hätte ich es dieses Mal vielleicht sogar getan.

Worum geht's hier genau? Nun, das wusste ich gar nicht, als Freunde mich am Samstag Abend noch spontan mit in die Spätvorstellung von "Movie 43" gezogen haben. Als die lächerlich lange Werbung im Kino endlich ihr Ende fand und Trailer zu "Ghost Movie" oder diesem Twilight-mit-Zombies Film durch waren, bahnte sich schon so ein ungutes Gefühl an...

Movie 43 - Der Film Nicht-Tipp

Die Rahmengeschichte kann man schnell festhalten: Zwei Teenager planen sich am kleinen Hacker-Bruder zu rächen, nachdem er diese verarscht hat. Um das kleine Genie abzulenken, schicken sie ihn auf die Suche nach dem verbotensten Film der Welt "Movie 43", welcher "Ring"-mäßig einen Fluch besitzen soll, nur halt mit positiven Versprechen, wenn man ihn sieht. Ab dann schaut man den Kids eigentlich nur noch beim Internet-Videos anschauen zu. Und genau daraus besteht dann der Film im Grunde dann bis zum Abspann. Die Zuschauer werden mit 11 Kurzfilmen hingehalten, welche einer nach dem anderen mit willkürlichem und pre-pubertären Penis- und Kack-Witzen punkten wollen und beim Ende 20er Publikum wie mir blankes Entsetzen hervorrufen. Zugegeben, die eine oder andere Episode kommt mit einer guten Grundidee daher, aber diese wird eigentlich immer dermaßen ausgeschlachtet und in die Länge gezogen, dass selbst die guten Ansätze in dem Sumpf aus Albernheit ersticken. Wenn Euch Zeug à la "New Kids" nicht weichklopfen konnte, dann wohl vielleicht der Film hier.

Filme mit ähnlichem Konzept habe ich ja bereits kennengelernt, wie z.B. "Four Rooms", in dem vier Regisseure den Hauptfilm in mehrere, mal bessere und mal schlechtere, Episoden verbunden haben. Liebevoll noch darauf geachtet, dass kleine Szenen die jeweiligen Handlungsstränge mit einander verknüpfen. Das kann schon funktionieren, wenn man die nötige Zeit und Kreativität reinsteckt. Aber hier enttäuscht die Aufmachung und die Filmchen haben fast nur eine Sache gemeinsam: Es geht meist um Pärchen.

Und was war eigentlich mit den ganzen Schauspielern los? Ich vermute mal, dass sie nach astreiner Uwe Boll-Manier geschafft haben, bekannte und teilweise auch sehr respektable Schauspieler wie Naomi Watts oder selbst Richard Gere in ihren Leerlauf Zeiten zu einem geringen Budget zu buchen, um sie dann mit ihren lächerlichen Skripts einige Klassen unter dem anzusiedeln, was man sonst von ihnen kennt. Der Film brüstet sich hier jedenfalls ordentlich mit seiner großen Starbesetzung, und ich bin mir sicher, dass allein das schon genügend Leute ins Kino locken wird. Zugegeben, die Episode mit Naomi Watts find sogar wirklich gut an, jedoch wurden auch hier die Witze zu sehr in die Länge gezogen...

Ansonsten fand ich das ganze Apple Produkt-Placement inkl. iPod Parodie schon wieder so nervig und frage mich eigentlich durchgehend nur noch "Was soll das alles?". Über den Film kann man eigentlich nur lachen, wenn man so von der Sorte ist, die rot anläuft, wenn mal plötzlich Brüste im Kino zu sehen sind oder wenn bekannte Schauspieler ständig Worte wie "Eier" und "Sack" raushauen. Ich glaub das war bei  mir das letzte Mal vor 15 Jahren.

So schlecht, dass er wieder gut ist?

Als Trash-Film geprüfter und erfahrener gibt es meist immer noch ein Last-Resort, wenn man in einem schlechten Film gefangen steckt: Der Ich-mache-mich-einfach-über-den-Film-lustig Aspekt. Aber für mich hat das hier nicht funktioniert, weil er dafür wiederum nicht schlecht genug umgesetzt wurde, gefangen im Strom der Belanglosigkeit und Langwierigkeit vergeht mir zumindest jedenfalls die Lust das ganze noch zu verhöhnen... und hoffentlich ist dieser Film auch noch weit entfernt vom Kultstatus, was sich die Macher wohl sehr gerne erhoffen. Keine Ahnung wie die Kids heute ticken, aber wenn ich anarchistischen Humor Suche, schau ich mir lieber Filme wie "Napoleon Dynamite" an.

Trailer

Mein Weg zum Comic

Der Stein kam schließlich erst durch das „Star Wars“-Universum richtig ins Rollen. Genauer gesagt mit der Ankündigung seitens der Walt Disney-Studios, dass sie nach dem Kauf der Marke weitere Kinofilme planen. Nach jahrelanger „Krieg der Sterne“-Abstinenz, verursacht durch die ernüchternde neue Trilogie, kam das Interesse für jenes Universum plötzlich zurück. Zum Glück! Beinahe hätte ich die geniale Hörspielreihe rund um die „Thrawn-Trilogie“ verpasst. Auch wurde ich das erste Mal auf die „Star Wars“-Comics aufmerksam, von denen ich zu Weihnachten, neben Band 1 der „Wormworld Saga“ (danke Piet!), zwei Bände geschenkt bekam und bei mir ein Lauffeuer der Euphorie für dieses zeitlose Medium entfachte.

Kinderkram ...?

Und eben diesen Mut, das Mainstream-Korsette abzulegen, sehe ich mit großer Freude bei diversen Comicautoren, die voll und ganz zu ihren Ideen stehen. Ihre Geschichten wirken frisch, die (Anti-)Helden keineswegs blass. Nicht selten bildet eine düstere Welt eine faszinierende Rahmenbedingung für die Handlung und auch eine Prise Erotik ist immer wieder eine willkommene Abwechslung, die nicht billig inszeniert, sondern nur angedeutet wird. Und auch wenn Comics selbstverständlich mit weit weniger Text als Romane auskommen müssen, sind sie in der Lage, kurz und bündig zu fesseln und je nach Zeichner visuell zu beeindrucken.

Als ich dann über die Feiertage die „Star Wars“-Comics wälzte, bemerkte ich mit großer Verwunderung zunächst eines. Im Gegensatz zu Büchern, die ganz ohne Bildmaterial auskommen, fiel es mir bei Comics anfangs schwer, in aller Ruhe die Bilder zu genießen. Eine Fähigkeit, die in unserem schnelllebigen Zeitalter scheinbar keine Selbstverständlichkeit mehr ist, die ich aber binnen weniger Comics wiedererlangte. Nachdem ich mit beiden Bänden fertig war, nutzte ich das Internet, um nach Nachschub Ausschau zu halten.

Ich stelle vor: Meine ersten Highlights

Besser jedoch gefällt mir ganz klar das Konzept vom „Splitter-Verlag“. Auch wenn die Bände mit etwa 60 Seiten im Überformat etwas dünn ausfallen, punkten der Verlag mit einem sehr guten Preis von um die 14 Euro, hochwertigem Papier und einem robusteren Hardcover in sehr edler Aufmachung. Unterm Strich muss ich sogar sagen, dass mir die Reihen vom „Splitter-Verlag“ deutlich mehr zusagen, was sich vermutlich damit begründen lässt, dass französische Autoren ideenreicher sind als ihre amerikanischen Kollegen.

Neben dem Antihelden „Arawn“ und den über die Zeit herrschenden Magiern von „Ravermoon“, die einem Massaker zum Opfer fallen, sind es folgende vier Reihen, die ich mit höchster Priorität weiterverfolgen werde und wärmstens weiterempfehlen kann:

Storm: Der rote Fleck des Jupiters, ein gigantischer Wirbelsturm, der der Menschheit seit Jahrhunderten bekannt ist (tatsächlich), soll vom Astronauten Storm näher untersucht werden. Die Mission scheitert, als Storm in diesen Sturm hineingezogen wird und ahnungslos Jahrtausende später sein Bewusstsein wiedererlangt. Als er zur Erde zurückkehrt, muss er mit Schrecken feststellen, dass sie nicht mehr dieselbe ist. Die Ozeane sind verschwunden, die Menschheit hat sich zur Barbarei zurück entwickelt, bedroht von abstrusen Monstern, die im Laufe der Zeit entstanden sind. Der Mix aus Fantasy und Science-Fiction ist vor allem optisch, aufgrund des aus heutiger Sicht charmanten Retrolooks von hochentwickelten Technologien, ein Genuss und punktet mit sympathischen Charakteren.

El Mercenario: In den Reichen jenseits der Wolkendecke ist der Mercenario (Spanisch: Söldner) der namenlose Held der Reihe, der auf seinem Flugdrachen jeden noch so gefährlichen Auftrag annimmt, um sich seinen Sold zu verdienen. Auch wenn die Handlung eher einfach gestrickt ist, bietet die Serie unglaublich tolle Schauplätze, während die Ölmalereien der alten Schule „El Mercenario“ zu einem visuellen Highlight machen.

Die Legende der Drachenritter: Niemand weiß, woher die Drachen kommen, die mit ihrer Anwesenheit das Übel über das Land bringen. Die Natur verkümmert, während alles Leben stetig zu brutalen Bestien mutiert. Mit einer Ausnahme: Weibliche Jungfrauen, die der Ordern der Drachenritter schult, jenen Kreaturen den Garaus zu machen. Optisch teils ein bisschen zu cartoonhaft, sind die einzelnen, in sich abgeschlossenen Geschichten sehr spannend geschrieben, deren Charaktere sich albenübergreifend kreuzen.

Maries Drachen: Das Autorenpärchen von der „Legende der Drachenritter“ zeichnet sich auch für „Maries Drachen“ verantwortlich, bei dem mutierte Bestien  den Platz herkömmlicher Drachen einnehmen. Der Auftakt fesselt: Marie soll ihre Prüfung ablegen und das Herz eines Tieres aus dem Wald nach Hause bringen. Dort angekommen, wird sie Zeugin, wie ihre Mitmenschen, darunter auch ihre Eltern, abgeschlachtet und ihre Geschwister verschleppt werden. Sie schwört Rache und verfolgt die Mörder Jahre später im mittelalterlichen Italien. Da sie jedoch die Gegenwart der „Drachen“ spüren kann, haben sich bereits Ritter der Kirche an ihre Fersen geheftet, um die „Hexe“ auf den Scheiterhaufen zu bringen.

Das neue Jahr hat begonnen

Ganz im Gegenteil: Langsam gehen wir auf unseren 2. Geburtstag zu und wir konnten jede Menge Feedback in dieser Zeit aufnehmen und haben verschiedene Dinge ausprobiert. Seit Dezember sitzen wir nun an einer Überarbeitung und zeichnen, schreiben und programmieren fleißig an unserem neuen Auftritt und haben das Rezept auch etwas verändert. Das nimmt uns natürlich ein wenig die Zeit um hier laufend neue Artikel zu schreiben, daher kommt der geringere Output zur Zeit.

Wir freuen uns jedenfalls über CouchCastle 3.0 und hoffen Euch sehr bald alles vorstellen zu können!

Wie ein dunkles Tuch hat sich die Trauer über den 12 Jährigen Jungen T.J. gelegt. Nachdem seine Mutter bei einem Autounfall verstarb, ist für ihn jeder Tag bloß noch da um ihn zu überstehen. Das alles soll sich ändern, als er durch einen Zufall auf "Hesher" trifft. Ein langhaariger Misanthrop mit der vorliebe für Pornos, Bier und Metal-Musik, der sich kurzer Hand im zuhause des Knaben einnistet. Beinahe unbemerkt fängt der unfreiwillige Gast den Mitbewohnern des Hauses die eine oder andere Lektion für's Leben zu erteilen. Da ist das Chaos beinahe vorprogrammiert.

Die kleinen Dinge

Hesher ist einer dieser Filme, wo man nicht weiß, worauf man sich einlässt. Man weiß nicht was man gerade sieht. Und wenn es zu Ende ist, weiß man auch nicht, wie man das, was man gerade sah, in Worte fassen soll. Der Trailer ist nichts sagend und reisserisch: voller Action-Szenen. In Wirklichkeit verbirgt sich hinter Hesher jedoch ein "Feel good"-Movie à la "Little Miss Sunshine". Doch mit einer Prise mehr Sex, Drugs and Rock´n Roll. Das Highlight ist natürlich der titelgebende Held Hesher. Der von Joseph Gordon Levitt verkörperte Großstadt Tarzan weiß durch seine Irrwitzigen Metaphern und seiner engstirnigen Meinung durchaus zu unterhalten und bringt den Zuschauer sicherlich mehr als nur ein wenig zum Lachen. Zur Seite stehen ihm Darsteller wie Natalie Portman als glückslose Supermarkt Angestellte und Rainn Wilson als depressiver Vater von T.J. Alles in allem ein Ensemble, dass sich sehen lassen kann.

Die Lehre der Menschlichkeit

"Hesher Trailer"

Ein aufgeregtes Atmen dringt in ihren Hörgang, als sie ängstlich durch den Flur hastet. Immer und immer schneller werden ihre Schritte, die durch ihre High-Heels zunehmend unkontrollierter werden. Endlich erreicht sie die Tür zu ihrem Apartment und steckt mit einem lauten Seufzen ihren Schlüssel in die Tür. Doch da ist es wieder: Das Atmen ist nun direkt hinter ihr. Zitternd dreht sie sich um. "Bitte, schrei jetzt nicht." sagt der Verursacher des Atemgeräusches. Der Schrei der Jungen Frau schafft es noch nicht einmal den Höhepunkt zu erreichen, als das Messer schon tief in ihrem Unterkiefer steckt und ihren Gaumen durchbohrt.  Das meine Lieben, möglicherweisen verstörten Mitleser, ist der Auftakt zum vor kurzem veröffentlichten Film, "Maniac." Der unter der Aufsicht von Alexandre Aja (High Tension, The Hills Have Eyes, Piranha) produzierte Film versucht den Zuschauer ganz tief in die Welt des Protagonisten Franks zu ziehen. Durch die Augen Franks begleiten wir den schüchternen, zurückhaltenden Mann durch all seine Lebenslagen und all seinen verstörenden Facetten.

Einsamkeit, mein Freund, mein Leid

Frank ist ein Anfang 30 Jahre alter Mann, weder verheiratet noch verwitwet, umgibt er sich bloß mit seiner Arbeit. Schaufensterpuppen, das restaurieren von Schaufensterpuppen ist ein unlukratives Geschäft, doch er macht es mit Hingabe und viel Liebe. Alles in Namen der Familie. Zu schade wäre es gewesen, den Laden mit einer langen Tradition zu schließen. Eines schicksalhaften Tages kreuzt sich Franks Weg mit der wunderschönen Erscheinung von Anna, einer Fotografin die Interesse an der Arbeit von Frank hat. Dieser Zufall bringt Frank in seinem Sein in eine merkwürdige Lage, die ihn in einen Strudel aus Lügen, Ängsten und Psychosen ziehen.

Verstör Mich. Betör Mich

Fasziniert saß ich 93 Minuten lang wie angewurzelt auf meinem Platz, in einem halbgefüllten Kinosaal. Dieser Film wird keine Kinorekorde brechen, das war von vornherein klar. Die Tragödie daran ist der Fakt, dass er das auch niemals schaffen würde! "Maniac" läuft nämlich in ganz Hamburg in zwei bis höchstens vier Lichtspielhäusern. Dazu kommt noch, dass er frühestens ab 23:00 Uhr zu sehen ist und noch die Frage an den Leser: "Wer von Euch hat von der veröffentlichung des Filmes in Deutschland gehört? Wer sah Litfasssäulen mit Kinopostern behangen oder irgendeine Werbung im TV?" Ich für meinen Teil habe nichts dergleichen mitbekommen und hatte ganz einfach Glück, dass ich mal wieder ein wenig das Internet durchforstete. Das ist wirklich schade, denn "Maniac" ist in meinen Augen ganz klar ein Film, der mehr Leute hätte erreichen sollen. Doch fürchtete man sich offensichtlich vor dem Massenmarkt. Unbestätigt ist diese Angst nicht, denn als der Abspann über die Leinwand rollte, hörte ich die ersten Stimmen der adoleszenten Zuschauer: "Was für ein Scheißfilm!" Da kam direkt der Diskussionsdrang in mir hoch, aber nun gut lassen wir das.

"Maniac" ist sicherlich nichts für jeden Geschmack. Doch wer dem Slasher-Genre nicht abgeneigt ist, sich nicht nur berieseln lassen will und nicht zimperlich ist, kann sich auf einen einzigartigen, gut erzählten und psychologisch schön ausgearbeiteten Film freuen.

"Maniac" Trailer

Spiel des Bwaaaaaah!!!!!

Aufgeteilt in zwei Ringen weckt das Spielbrett Erinnerungen an den simplen Aufbau von „Fang den Hut“, allerdings mit verschiedenen Spielfeldarten gespickt: Auf dem Geschenkfeld warten diverse Items auf ihren Einsatz, darunter unter anderem ein gezinkter Würfel, um dem Glück etwas auf die Sprünge zu helfen. Auf dem Totenkopffeld gehen Trophäen verloren, das Quizfeld stellt an den auslösenden Spieler eine mehr oder minder knifflige Frage, bei die restlichen Spieler darauf wetten können, ob der Befragte mit seiner Antwort patzt, oder auch nicht. Die Schlossfelder katapultieren die Hasen stets paarweise in den Freizeitpark, um eines von rund zwanzig Minispielen anzutreten.

Gewisse Parallelen zu „Mario Party“ sind natürlich nicht von der Hand zu weisen. Zu wünschen wäre es aber gewesen, dass sich die Entwickler etwas mehr von Marios jahrelanger Party-Erfahrung hätten inspirieren lassen. Denn während bei „Mario Party“ die Spieltische sehr dynamisch gestaltet sind, ist der von „Rabbids Land“ leider sehr starr geraten. Auch, dass bei „Mario Party“ am Ende der Spielrunde automatisch ein Minispiel startet, sorgt für weit mehr Action, da bei „Rabbids Land“ die entsprechenden Spielfelder tatsächlich etwas selten sind und entsprechend wenige Minispiele gestartet werden. Schade, hier wäre mehr drin gewesen, ebenso bei der Charakterauswahl, bei der man seinen Hasen zur Unterscheidung lediglich mit Farbe bepinselt. Eine große Palette an Kostüme à la „Little Big Planet“ hätte mit schrägen Ideen für jede Menge Vielfalt gesorgt.

Galerie

Man reiche mir den Controller

Insgesamt fallen die Minispiele sehr kreativ aus, eine größere Menge wäre auch hier wünschenswert gewesen, zumal ich Shooter- oder Tanzeinlagen der „Vorgänger“ vermisse. Auch schade ist, dass dass die Minispiele stets nur von zwei Spielern angetreten werden können. Einer übernimmt die Kontrolle per Wii U-Pad, der andere mit der Wiimote. Dass man ständig damit beschäftigt ist, die Controller herumzureichen, ist leider eine unschöne Lösung. Auf der anderen Seite ist die Steuerung äußerst präzise, so dass unnötige Frustmomente erst gar nicht entstehen. Und wer alleine „Rabbids Land“ spielt, braucht den Fernseher nicht zwingend einschalten, da das Display des Wii U-Controllers das Spielgeschehen darstellt.

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Kleine Schachtel, wenig Inhalt?

Weiterhin befinden sich im Karton das Regelwerk (samt Kurzregeln); diverse Spielkarten, die Eigenschaften der Piloten und Sternenjäger veranschaulichen oder eben jene mittels taktischen Sonderfertigkeiten aufwerten. Ebenfalls enthalten sind Angriffs- und Verteidigungswürfel; diverse Schablonen für die Flugmanöver; ein Maßstab für die Waffenreichweiten; verschiedenste Marker, die als Gedächtnisstützen dienen. Missionsmarker und zu guter Letzt die Manöverräder komplettieren den Inhalt, wobei letztere clever für Fairness auf dem Spieltisch sorgen.

Die Macht im Gleichgewicht

Der Clou steckt in der Planungsphase, in der die Spieler mittels der Manöverräder im Verborgenen die Flugrouten bestimmen. Möglich sind Manöver geradeaus, Kehrtwenden, 45°-Kurven sowie 90°-Flüge – alle Bewegungen in unterschiedlichen Distanzen. Schön dabei ist, dass sich die Schiffe in ihrer Geschwindigkeit und Wendigkeit unterscheiden. Dank der Manöverräder spielt es nicht länger eine Rolle, wer die Spielrunde beginnt, es zählt der taktische Verstand, die Bewegungen seines Kontrahenten absehen zu können, um gleichzeitig seine eigenen Schiffe in eine günstige Position zu bewegen. In der Aktivierungsphase werden sämtliche Bewegungen ausgeführt und Aktionen ausgespielt, u.a. Seitwärtsrollen, Fokussierung der Gegner und andere, die mit Markern markiert werden. In der Kampfphase werden mögliche Feuergefechte ausgespielt, je nachdem, ob sich Ziele im Sichtbereich und in der Waffenreichweite finden. Nicht ausgespielte Marker werden in der Endphase vom Spieltisch entfernt.

Der Vorteil am „X-Wing Miniaturspiel“ ist, dass die Regeln schnell gelesen und noch schneller erklärt sind. Einsteiger werden nicht abgeschreckt, wie sie es von anderen dicken Tabletop-Regelschinken wären. Endlich konnte ich auch meine Frau für ein Tabletop-System begeistern, bei dem sie sogar von sich aus nach einem zweiten Match fragte. Auf der anderen Seite fehlt noch eine gewisse Tiefe, die beispielsweise ein „Warhammer 40.000“ bietet, was vor allem an der überschaubaren Auswahl an Raumschiffen liegt. Tabletoptypisch dient das Grundspiel mit einer Spielzeit von bis zu 30 Minuten pro Mission lediglich zum Reinschnuppern, weitere Modelle sind für tiefgründigere Partien Pflicht.

Mit Erweiterungen zur Massenschlacht

Im Regelbuch werden weitere Veröffentlichungen versprochen, auch große Überraschungen. Wenn das Wort groß schon fettgedruckt ist, kann man vielleicht in absehbarer Zukunft Fregatten und andere größere Modelle erwarten? Wer weiß. Fakt ist, dass sehr zeitnah ein TIE-Interceptor, ein A-Wing, die Slave 1 von Boba Fett und der Millennium Falcon von Han Solo folgen. Ich bin gespannt!

Tipp:

Auch Mehrspielergefechte lassen sich mit wachsendem Sortiment an Raumgleitern bestens arrangieren, da man seine Geschwader dank nummerierter Marker sehr schön unterscheiden kann.

Bilder haben wir der offiziellen Website entnommen: http://new.fantasyflightgames.com/edge_minisite.asp?eidm=174

Das Team CouchCastle.de wünscht allen Lesern ein frohes Weihnachtsfest. Mögen viele DVDs, Blu-Rays, Spiele und Konsolen unter Euren Bäumen liegen. Seien sie nun für Euch oder sogar schon für Eure Kleinen. Genießt also die ruhigen Tage mit Eurer Familie, lasst Euch das Essen schmecken und habt viel Spaß mit Euren Geschenken oder überlegt Euch, was Ihr von Euren Gutscheinen so kauft!

Alles Gute wünschen Euch Benny, Christian, Christopher, Bene und Piet!

Da sitzen Mario, Peach, Toad und Luigi am Tisch, essen in fröhlicher Runde Kuchen und plötzlich wird – Oh Schreck! – Toad von Bowser entführt. Und weil es niemanden kümmert, wird der Kuchen seelenruhig weiter verputzt und das Spiel endet, bevor es beginnt... Kleiner Spaß. Natürlich wird Prinzessin Peach erneut vom Erzfeind bedrängt, dieses Mal aber nicht entführt, sondern in ihrer Burg belagert, nachdem Mario und seine Freunde unsanft von einem riesigen, an Bowsers Flugschiff montierten, Handschuh hinauskatapultiert wurden. Da bei den Mario Bros. aber die spielerische Stärke mehr zählt als die erzählerische, hoffte ich vorab sowieso vielmehr auf kreative Neuerungen, die den Wii U-Ableger spielenswert machen. Vergebens?

Ich möchte eine Welt…

Angefangen mit dem maskierten Dieb Mopsi, der die Toads bestiehlt und dem man in bereits besuchten Stages hinterherjagen kann, um mit Items belohnt zu werden, präsentiert sich Marios neuestes Abenteuer alles andere als monoton. Stößt man jenseits der eigentlichen Herausforderungen etwa auf die Piranha-Pflanze, löst fehlendes Timing ein kurzes Minispiel aus, bei dem es gilt, innerhalb einer kurzen Zeit sämtliche Gegner zu besiegen. Auch müssen im Spielverlauf Schalter ausgelöst oder die richtige Route eingeprägt werden, um ans Ziel zu gelangen. Versteckte Stages sind ebenfalls mit von der Partie. Toll, dass bei „New Super Mario Bros. U“ ab der ersten Sekunde eine frische Brise SNES-Wind weht.

Zwar kein 3D-Mario, aber…

Was Gegner und Mitstreiter anbelangt, greift „New Super Mario Bros U” tief in die Trickkiste und trumpft mit vielen bekannten Gesichtern auf. Allen voran wird natürlich auf diversen Gumbas und Koopas herumgetrampelt, aber auch mehrere Häuser voller Buu-Huus aufgesucht, deren Lösungswege mitunter wahrlich kniffelig sind. Ansonsten sind da noch unter anderem Ranken-Pflanzen, Kettenhunde, Pokeys,  Kugelwillis und viele, viele weitere. Etwas traurig bin ich allerdings über die Abwesenheit des Shy Guy *schnief*, der sich generell ziemlich rar macht. Unterstützung erfährt Mario von den hilfreichen Toads, aber auch von Yoshi und mehreren Baby-Yoshis, die, je nach Farbgebung, als Luftballon oder Taschenlampe herhalten.

Das Item-Repertoire ist für Fans mit einer einzigen Ausnahme altbekannt. Neu hinzugekommen ist einzig das Flughörnchenkostüm, das wiederum dem Waschbärkostüm sehr ähnelt: Mit ihm kann Mario beim Gleiten einmalig auf Knopfdruck hochfliegen und sich sogar an Wänden festhalten. Spielerisch eine tolle Sache und vor allem sehr hilfreich, wenn man die eine oder andere Sternenmünze erwischen möchte.

Game Over

Eine Welle der Empörung: Kein Full-HD

Die Klangkulisse ist ebenfalls auf gewohnt hohem Niveau, wenngleich ein „Mario Galaxy“ mit gänzlich neuen Orchesterstücken eine ganz andere Atmosphäre erzeugen konnte, die auch ein 2D-Mario bereichern würden. Klar, viele Fans werden nur ungern auf die kultige Musik verzichten wollen, ein schöner Kompromiss wäre aber gewesen, zumindest vereinzelten Level oder Welten mit neuen Melodien zu untermalen.

Die Steuerung bedarf nur wenige Worte: Das Wii U Pad dient lediglich als optionaler Bildschirm, so dass wieder die altbekannte, aber über Jahrzehnte perfektioniere Steuerung ihren Einsatz findet und als hervorragende Basis für alle Herausforderung dient. Einzige Ausnahme ist die besagte Plattform, mit der man vor der Lava flieht, die per Neigungssensoren geschwenkt wird. Fühlt sich sehr gut an, mehr davon hätte ich mir gewünscht.

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Das Arbeit nicht immer Spaß macht weiß jeder, doch wie man ein 10 tägiges Praktikum zum wahr gewordenen Horrorerlebnis macht, das wissen nur die wenigsten. Lucie hat dazu wohl ihr ganz eigenes Rezept gefunden. Denn als das junge Mädchen sich gerade mal einen Tag lang in der Tätigkeit als Altenpflegerin bewiesen hat, nimmt der Schrecken auch schon seinen Lauf: Eine ihrer ältesten Patientinnen liegt in einem scheinbar nicht enden wollenden Koma, einsam und allein vegetiert das wohlhabende Mütterchen in ihrer Villa vor sich hin. Es wird von einem Schatz gemunkelt, der sich auf dem Grundstück der Mademoiselle befinden soll. Einziger Harken an der Sache: Der Schlüssel zum begehrenswerten Reichtum befindet sich an einer Kette, die um den Hals der schrumpeligen Hausherrin geschlungen ist. Ein Bier und eine Menge jugendlicher Leichtsinn bringen den Stein ins Rollen: geblendet von Träumereien, macht Lucie sich mit zwei männlichen Begleitern auf den Weg ihr Leben für immer zu ändern. Doch manche Türen sind dazu bestimmt nie wieder geöffnet zu werden.

Kein Horror Quickie

Wer sich jetzt den ganzen Artikel über gefragt hat: "Was hat das alles mit Ballerinas zu tun?!" Dem muss ich sagen: "Finde es am besten selbst heraus." Das macht auch am meisten Spaß.

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Basis- oder Premiumpaket?

Ich selbst habe dann aber doch zum ZombiU-Paket gegriffen. Nintendoland sprach mich nicht an und der Pro Controller könnte sich in Zukunft bezahlt machen, auch wenn seine Schultertasten nicht analog sind, d.h. sie erkennen keine feine Abstufungen des Tastendrucks, was z.B. wichtig für Rennspiele ist. Ansonsten entsprechen Form und Qualität relativ der des X-Box360-Gamepads.

Dezember 2006 lässt grüßen

Das Laufwerk, ähnlich laut wie das der Wii, ist optisch identisch, auch die unter ihr befindliche Luke ist nahezu dieselbe. Nur, dass sich hier zwei weitere USB-Anschlüsse verbergen und der Knopf, der zur Synchronisation von Konsole und Controller dient, sich nunmehr links neben der Klappe befindet. Weiterhin fallen diverse Lüftungsschlitze auf, die die Wii U bei Betrieb auf eine lauwarme Temperatur herunterkühlen, was mitunter auch am geringen Stromverbrauch liegen mag (Maximalverbrauch liegt laut Hersteller bei 74 Watt).

Keine Überraschung ist, denn die Wii U ist ebenfalls endlich im HD-Zeitalter ankommen, dass sich an der Rückseite der Konsole nun ein HDMI-Anschluss hinzugesellt hat. Lediglich einen optischen Ausgang zum AV-Receiver vermisse ich, denn nicht in jedem Wohnzimmer steht ein Receiver mit HDMI-Eingang. Ich selbst habe meinen Highend-Receiver von Denon leider zwei Jahre zu früh gekauft und bin bei Bluray-Player und anderen Geräten auf eine eben solche Verbindung angewiesen. Schade, so bleibt mir nichts anderes übrig, als in die Röhre zu hören. Aber da die alte Grafik/Soundschnittstelle der Wii vorhanden ist, bleibt die Hoffnung, dass ein Drittanbieter in Zukunft diese Lücke füllen wird. Dank dieser analogen Schnittstelle können auch weiterhin Fernsehgeräte über Scart- oder Komponentenkabel angeschlossen werden – immerhin hier hatte man Mitgefühl mit „veralteter“ Technik.

Nicht noch ein Update…

Das Update selbst kann im Hintergrund geladen werden, wenn man bei der Abfrage auf „abbrechen“ klickt. Denn statt mit endlosem Warten die Zeit totzuschlagen, kann man so bereits das erste Spiel spielen. Apropos endloses Warten. Auch wenn die Anzahl der Updates bisher sehr gering ist, so dauern sie eine gefühlte Ewigkeit. Die angezeigten Sekunden werden zu Minuten, die bei weitem nicht der wirklich benötigten Zeit entsprechen. Jedes Mal eine Tortur. Würden sie doch wenigstens das bislang etwas lahme Wii U-Menü beschleunigen, das ähnlich aufgebaut ist, wie das Betriebssystem der Wii...

Aber zurück zum großen Releaseupdate. Erst dieser schaltet den eShop, die Abwärtskompabilität zur Wii und diverse Onlinemöglichkeiten frei: Das Miiverse, eine Art soziales Netzwerk für die erstellten Miis, eine Youtube- und eine LoveFilm-App. Letztere ist eine Onlinevideothek und die einzige Möglichkeit (noch nicht in Deutschland verfügbar), Filme auf der Wii zu gucken. Denn weder Blu-Rays, noch DVDs oder gar CDs schluckt die Wii U, die sich selbst damit im Multimedia-Zeitalter zu einer Singlemediakonsole degradiert. Hier lässt Nintendo das Potenzial junger Käufer liegen, die sich im Schulalter keinen eigenen Player leisten können.

Innovativer als die Wiimote?

Da sich die Wii U grafisch in etwa auf dem Niveau von der PS3/X-Box360 befindet, je nach Titel teils etwas stärker, teils etwas schwächer, und in Zukunft wahrscheinlich nur der größere Arbeitsspeicher für höher aufgelöste Texturen genutzt wird, sollte man nicht mit allzu großen optischen Sprüngen rechnen.

Die Wii U soll sich, wie schon sein Vorgänger, mehr durch Innovation denn durch grafische Leistung gegen ihre Konkurrenz behaupten. Und tatsächlich, der Controller hat mich vollends überzeugt. Die ersten Bilder machten einen ergonomisch schlechten Eindruck und doch liegt er sehr gut in der Hand. Auch sein leicht höheres Gewicht steht einem mehrstündigen Spielspaß keineswegs im Wege. Sticks und Tasten sind gut angeordnet, einzig schade ist, dass die Schultertasten wie beim Pro Controller digital sind. Weiterhin im Controller verbaut sind: Eine Kamera; Lautsprecher, die sich wirklich hören lassen können und deren Lautstärke per Regler eingestellt wird; ein Kopfhöreranschluss; eine relativ sanfte Rumblefunktion, Neigungssensoren und natürlich das 6,2“ große LCD-Touch-Display.

Ich bin gespannt, mit was für Ideen die Entwickler das Touchpad ins Spielgeschehen einbeziehen werden, kann aber schon jetzt sagen, dass ich ihn nicht mehr missen möchte. Bislang konnte ich drei Einsatzgebiete des Touch-Displays ausmachen. Erstens: Die Konsole streamt das TV-Bild auf das Display (New Super Mario Bros. U), so dass man unabhängig von einem Fernsehgerät spielen kann. Netter Nebeneffekt – enthusiastische Spieler könnten die Wii U sogar mit in den Urlaub nehmen und die Wii U mehr oder minder als Handheld nutzen. Zweitens: Der Controller zeigt die Karte der Spielwelt in Echtzeit und ermöglicht zudem ein wenig Komfort, etwa dem Wechsel der gegenwärtigen Waffe (Assassin’s Creed III). Da die Karte nicht länger auf dem Fernseher aktiviert werden muss und ein kurzer Blick auf den Controller genügt, wird der Spielfluss nicht gestört. Drittens: Die Möglichkeiten des Controllers werden kreativ genutzt. Bei „ZombiU“ kann die Gegend mit dem Radar nach Zombies abgesucht werden, während man bei „Trine 2“ als Magier Objekte per Fingerdruck erschaffen und verschieben kann.

Ich bin vom Controller überaus begeistert, daran rütteln auch die staub- und fingerabdruckanfällige Hochglanzschale sowie die etwa dreistündige Akkulaufzeit nicht, zumal der Spielspaß durch das beigelegte Ladekabel nicht unterbrochen wird.

Als ich die Ankündigung zu PlayStation All-Stars Battle Royale (PSASBR) gelesen hatte, war mein erster Gedanke, dass es sich um eine dreiste Kopie von Nintendos Smash Bros. handeln müsse und legte den Titel samt meiner Vorfreude und Erwartungen zu den Akten. Bislang konnte ich reinen Brawlern, bei denen es nur darum geht, andere Spieler zu bekämpfen nicht viel abgewinnen. Awesomenauts war in letzter Zeit eines der wenigen Spiele dieser Gattung, das mich für längere Zeit begeistern konnte. Umso überraschter war ich, als ich ein paar Runden in der Beta von PSASBR absolviert und dabei richtig Spaß hatte. Letzlich entwickelte sich bei mir doch so etwas, wie eine freudige Erwartung auf das fertige Produkt. Ob meine Vorfreude gerechtfertigt war und was PSASBR alles mitbringt, erfahrt ihr im folgenden Erfahrungsbericht.

Die Grundformel - machen wir uns nix vor - entspricht der Rezeptur von Smash Bros. Wirf einfach viele bekannte Figuren unterschiedlicher Franchises in eine bunte Arena und lass sie sich gegenseitig vermöbeln. Allerdings - das zeigte damals schon der PlayStation Werbespot "Michael", in dem sich das Who-Is-Who des PlayStation-Universums in einem Gasthaus traf - strahlt das Zusammentreffen der Helden aus den unterschiedlichsten Welten ein ganz eigenes Flair aus, das insbesondere dem PlayStation-affinen Zocker hier und da ein Grinsen auf die Lippen zaubern dürfte.

Who-Is-Who des PlayStation-Universums

Werfen wir zunächst einen Blick auf das 20-köpfige Helden-Gespann, das sich in der Basis-Version von PSASBR die Ehre gibt. Da wären zunächst einige neuzeitliche und sony-exklusive Charaktere wie Nathan Drake aus Uncharted, Kratos aus God of War, Cole aus inFamous, Radec aus Killzone, Nariko aus Heavenly Sword, Sweet Tooth aus Twited Metal, Ratchet & Clank, Jak & Dexter sowie Sly Cooper aus den jeweils gleichnamigen Spielen. Unerwartet aber durchaus schlagkräftig sind auch der Sackboy aus LittleBIGPlanet und die fette Prinzessin aus Fat Princess mit von der Partie. Sehr gefreut habe ich mich auch über den Auftritt von Sir Daniel aus Medieval, der älteren Semestern vielleicht noch von der PSOne, jüngeren Spielern von der PSP oder einem eher unrühmlichen Move-Ableger bekannt ist. Ebenfalls aus der guten alten PSOne-Zeit hat es PaRappa the Rapper zurück in die Neuzeit geschafft, um direkt mal mit der dritten Dimension Bekanntschaft zu machen. Der Vollständigkeit halber seien noch der Big Daddy aus Bioshock, der neue Dante aus Devil May Cry 5, Heihachi aus Tekken, Raiden aus Metal Gear Solid und Spike aus Ape Escape. Am skurrilsten ist sicherlich Toro, die Sony-Katze, die ihr Debüt auf der PSOne feierte und seitdem in Japan als PlayStation-Maskottchen bekannt ist. "Hey, das waren aber nur 19 Charaktere", werdet ihr gerade zurecht empört denken. Richtig. Cole gibt es einmal in der guten und in der bösen Variante. Die Entwickler werkeln übrigens schon am ersten DLC, der für kostenlosen Nachschub in Form von Kat aus Gravity Rush und Emmet aus Starhawk sorgen soll.

Leveln bis der Arzt kommt

Der Fokus des Spiels liegt eindeutig auf den kurzweiligen Multiplayer-Prügeleien im Turnier-Modus, bei dem euch 30 Tage Zeit bleiben innerhalb einer Saison in der globalen Rangliste aufzusteigen. Je nach Platzierung werdet ihr mit unterschiedlich farbigen Gürteln und Titeln belohnt, mit denen ihr auf eurem einsehbaren Profil angeben dürft. Für dieses Profil sammelt ihr außerdem jede Menge Hintergründe und Symbole, die ihr freischaltet, wenn Charaktere im Level aufsteigen. Das Aufleveln geht recht flott, es ist aber für ausreichend Motivation gesorgt, denn die letzten Belohnungen gibt es erst bei Level 300 (!). Darüber hinaus gibt es noch alternative Intros und Outros (Charakter-Animationen zu Beginn und zum Ende eines Kampfes), Musik und Kostüme freizuschalten. Witzig aber nutzlos: Ihr schaltet euch einen kleinen Minion frei (z.B. Captain Qwark, Zeke oder Sully), der bei guten Kampfaktionen hereinschwebt und Applaus spendet. Was ich als äußerst positiv empfand: Sämtliche Charaktere und Arenen stehen unmittelbar von Anfang an zur Verfügung und müssen nicht erst freigespielt werden. Neben den obligatorischen Trophies bietet das Spiel noch jede Menge Ingame-Ziele an, die erreicht werden können, um Extra-Erfahrung und Level-Aufstiege einzustreichen.

Solo-Karriere?

Trotz des offensichtlichen Multiplayer-Übergewichts, hat man sich bemüht, auch Solo-Spielern ein unterhaltsames Programm zu bieten. Jeder der 20 Charaktere hat eine eigene kleine Mini-Geschichte spendiert bekommen, die mit einigen wirklich hübsch gemalten Standbildern erzählt wird. Dieser sogenannte Arcade-Modus umfasst 8 Kämpfe mit zunehmendem Schwierigkeitsgrad. Das Highlight stellt dabei der siebte Kampf dar, der gegen einen einzelnen Gegner geführt wird und zu dem es einen kurzen animierten Dialog gibt. So trifft zum Beispiel Radec aus Killzone auf Sir Daniel aus Medieval und ermahnt ihn, deutlich zu sprechen, was einer gewissen Komik nicht entbehrt, spricht Sir Daniel doch nur in einer unverständlichen Nuschelsprache. In anderen Konfrontationen stehen sich die Duos Ratchet & Clank und Jak & Dexter gegenüber und bügeln sich entsprechende Sprüche um die Ohren. Übrigens: Für den letzten Endgegner im Solo-Modus mussten die Entwickler wirklich ganz weit unten im Archiv wühlen. Es handelt sich um Polygon Man, der lediglich in Nordamerika für kurze Zeit als Werbemaskottchen der PSOne eingesetzt worden ist.

Zusätzlich zum Arcade-Modus mit den kleinen Geschichtchen, bietet PSASBR Einzelspielern noch einen Herausforderungsmodus, bei dem bestimmte Zielvorgaben in einem Match erreicht werden müssen, um voran zu kommen. Und natürlich darf man sich jederzeit ein schnelles Spiel mit KI-Gegnern erstellen, um direkt und unproblematisch loszuprügeln. Die KI gibt es in drei Geschmacksrichtungen: Held, Legende und All-Star. Während ich mich bei als Held und Legende noch recht einfach durchsetzen konnte, arbeiten die KI auf All-Star schon recht ordentlich und nutzte meine Fehler gnadenlos aus.

Und unter der Haube?

Unter der Haube - und das hat mich wirklich überrascht - steckt in PSASBR ein wirklich gutes Prügel-Spiel mit einigem Tiefgang. Hier scheint man bei Sony Santa Monica davon profitiert zu haben, mit Seth Killian einen ehemaligen Capcom-Experten (Super Street Fighter 4, Marvel vs. Capcom, Street Fighter X Tekken) angeheuert zu haben. Jeder Charakter verfügt neben einem Doppel-Sprung und einem Block über 9 verschiedene Angriffsmoves, die noch teilweise miteinander verkettet werden können. Dabei ist die Art und Weise, in PSASBR zu punkten, sehr interessant und bringt einen Hauch von Taktik in die Partie. Zunächst einmal: Ihr nehmt keinen Schaden. Wichtig ist, dass ihr für erfolgreiche Angriffe eure eigene Energieleiste auffüllt. Ist diese gefüllt, steht euch zunächst ein Spezial-Angriff der Stufe 1 zur Verfügung. Nur mit einem Spezial-Angriff ist es überhaupt möglich, einen Gegner zu besiegen. In der Regel schafft man es mit einem Level-1 Spezial-Move, einen Gegner zu vernichten, der kurz darauf wieder spawnt. Lädt man die Energie-Leiste ein zweites Mal auf, erhält man einen mächtigeren Spezial-Move, der - geschickt eingesetzt - auch gerne mal alle drei Kontrahenten auf einmal ausschaltet. Die Krönung ist allerdings der Level-3 Spezial-Move. Neben einer fulminanten Inszenierung, bietet er eine recht hohe Wahrscheinlichkeit alle Gegner mindestens einmal - wenn nicht sogar öfter - zu treffen.

Neben der eigentlichen Spielmechanik ist auch das Balancing der Charaktere untereinander gut gelungen. Grundsätzlich bewegen und springen alle Figuren gleich schnell und hoch. Aber bei den Moves spielt sich kein Held wie der andere. In unterschiedlichen Verteilungen gibt es Nah- und Fernkampfangriffe, die sich in Auslösezeit, Frequenz und Energie-Aufladung unterscheiden und somit verschiedene Techniken nahelegen.

Als i-Tüpfelchen erscheinen in den Arenen in unregelmäßigen Abständen zusätzliche Items, die aufgenommen werden können. Sei es die Igel-Granate Resistance, der Raketenwerfer aus Killzone oder das Schwert aus Medieval, es wird nie langweilig während so einer Runde.

Cross, Cross, Cross

Cross wird bei Sony zur Zeit groß geschrieben, und PSASBR bringt direkt dreimal Cross mit. Nämlich Cross-Buy (Achtung, aber nur in einer Richtung: Käufer der PS3-Version bekommen die PS Vita Version als Download kostenlos dazu, Käufer der PS Vita Version zahlen dafür 15 EUR weniger), Cross-Save (euer Spielstand wird zwischen PS3 und PS Vita Version synchronisiert) und Cross-Play (PS3-Spieler und PS Vita Spieler können an gemeinsamen Online-Runden teilnehmen).

Technisch hat mich die PS Vita Version des Spiels überzeugt. Ist die Kamera in der Nahaufnahme (wenn alle Spieler an einem Fleck sind), sehen die Modelle sehr schön detailliert aus, zoomt die Kamera weit heraus und tobt sowohl im Vordergrund wie im Hintergrund die Action, ist die Bildwiederholrate bei mir nicht ein einziges mal eingebrochen. Online-Verbindungen klappten auf Anhieb und die Matches liefen augenscheinlich auch lagfrei ab.

Trailer

Wir bedanken uns recht herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die freundliche Bereitstellung eines Review-Codes für die PS Vita Version.

Irgendwo in London, inmitten der Apokalypse, die über England hereinbrach und die ganze Hauptstadt des vereinten Königreichs in Schutt und Asche legte, stehe ich, umgeben von lebenden Toten, die aus allen Richtungen auf mich zuwanken. Meine Lage ist fatal, bis aus einer Sprechanlage die Stimme eines Fremden ertönt und mich dazu auffordert, in die U-Bahn-Station zu laufen. Mir bleibt keine Wahl, keine Sekunde zum Nachdenken. Und so renne ich um mein virtuelles Leben, durch verwüstete Korridore, in denen sich weitere Tote vom Boden zurück ins Leben erheben. Schließlich gelingt es mir, mich nach einer dramatischen Hetzjagd in Sicherheit zu bringen.

Der Saferoom – ein sicherer Ort?

Geschafft! Ich habe überlebt. Jedenfalls bis jetzt, was wahrlich keine Selbstverständlichkeit ist. Denn hätte ich auf meinem Sprint etwa die eine Leiter nicht schnell genug erreicht, hätten die Zombies mich wieder heruntergezogen und gefressen (was mir beim ersten Versuch auch tatsächlich passiert ist). „ZombiU“ zeigt innerhalb weniger Sekunden völlig schamlos, wie gnadenlos aber fair der Titel ist, macht deutlich, wie der Hase im Kampf ums Überleben läuft. Kein Tutorial, nur knappe Hinweise. Wer nicht als Untoter enden möchte, muss mit Bedachtheit vorgehen und in brenzligen Situationen auf seine Instinkte vertrauen. Survival-Horror der alten Schule. *Applaus*

Aber wo bin ich? Niemand befindet sich im Saferoom und auch hier meldet sich lediglich die mysteriöse Stimme wieder zu Wort. „Siehst du das Gerät auf der Werkbank? Nimm es!“. Gesagt, getan. Nun befindet sich das „Prepper Pad“ in meinem Besitz, ein Hightech-Wunderwerk, das den Bildschirm des Wii U-Controllers füllt. Auf diesem befindet sich die Umgebungskarte, auf der mein gegenwärtiger Standort in Echtzeit dargestellt wird. Mit ihm kann ich auch die Gegend nach Gegenständen scannen, um zwischen all dem Chaos und Gerümpel nach überlebenswichtigen Objekte zu suchen: Verbandszeug, Nahrungsmittel, Bretter, Bauteile zum Aufwerten der Feuerwaffen und andere Dinge. Das integrierte Radar macht mich mittels Knopfdruck auf Bewegungen in der näheren Umgebung aufmerksam, aber Vorsicht! Zombies, die regungslos am Boden liegen, werden auf dem Radar erst dann sichtbar, wenn sie sich beim Aufrichten tatsächlich bewegen. Ebenfalls dient das „Prepper Pad“ als Funkgerät, so dass die Stimme des Fremden direkt aus dem Controller der Wii U ertönt.

„Auf dem Klo ist ein Generator“, führt er fort, den ich anschalte, um für Licht zu sorgen. Dann schaue ich mich um. Die Werkbank, an der ich später Schusswaffen aufwerten kann (u.a. Kapazität und Streuung), habe ich ja bereits gesehen. Dazu entdecke ich einen Schreibtisch, voll mit Monitoren, eine blaue Kiste, um dort Ausrüstungsgegenstände abzulegen – denn mein Platz im Inventar ist stets knapp sowie einen Gully, der als Abkürzung dient, wenn ich weitere in London freispiele. Zu guter Letzt komplettiert eine Pritsche das Versteck, auf der ich mich zum Speichern aufs Ohr legen kann.

Ich brauche eine Waffe

Die Stimme macht mich auf die Monitore aufmerksam, genauer gesagt auf einen Toten, der einen Rucksack trägt, den ich brauchen werde. Ich mache mich auf den Weg, betätige immer wieder das Radar, um nicht unbewaffnet in die Hände eines Zombies zu geraten. Bis ich die wiedererweckte Leiche des Rucksackträgers entdecke und ihn mit seinem eigenen Cricket-Schläger den Gar aus mache. Das Nahkampfsystem präsentiert sich prompt eingängig, zeigt aber auch alsbald eine gewisse Monotonie. Nur ein vertikaler Schlag, nur eine Parade, sogar nur eine einzige Nahkampfwaffe. Etwas mehr Abwechslung wäre zwar wünschenswert gewesen, aber das vorhandene System geht immerhin sehr gut von der Hand und vermittelt, wie widerständig Zombies sind. Mehrere Schläge bedürfen sie, bis sie mit zerschmetterten Kopf zu Boden gehen und mit einem letzten Gnadenstoß der Schädel vollends zermatscht wird. Gore-Fans kommen ganz sicher auf ihre Kosten.

Per Wii U-Controller durchstöbere ich den Rucksack, während sich meine Spielfigur zu Boden bückt und angreifbar für weitere Untote wird. Oftmals sehr nervenaufreibend. Ich finde eine Pistole. Mit sechs Schuss! Super! Aber bald schon soll es sich bewahrheiten, dass auch diese Gegner nicht effektiver ausschaltet und mit ihrem Lärm gar weitere Zombies anlockt.

Der Tod – ein ständiger Begleiter

Schnell stelle ich mich auf die rauen Bedingungen der Endzeit ein, nutze Leuchtraketen, um die Aufmerksamkeit der Zombies in eine andere Richtung zu lenken, stecke sie mit Molotov-Cocktails in Brand, nutze meine Pistole nur in Situationen, die mich dazu zwingen. Munition ist ohnehin sehr knapp. Wie beim Horrorschocker „Night of the living Dead“ schiebe ich Schränke vor Türen, vernagle sie, um nicht umzingelt zu werden oder nutze gar alternative Routen, um eine Gegnerschar zu umgehen. Später kann ich meine untoten Gegner mit lautlosen Waffen ausknipsen, etwa mit einer Armbrust, die Erinnerungen an die US-Serie „The Walking Dead“ weckt. Nachdem man die doppelläufige Flinte gefunden hat, macht sich sogar für wenige Sekunden das Gefühl der Stärke breit, wenn Zombies mit einer Ladung Schrot weggepustet werden.

Und trotz aller Vorsicht passiert es dennoch, dass man abermals mit dem Rücken zur Wand gedrängt wird und den Zombies zum Opfer fällt. Sei es wegen der zahlenmäßigen Überlegenheit der Gegner oder der meist dunklen Umgebung, die auch die Taschenlampe kaum mehr aufhellt. Eine sehr kreative Idee ist, dass der Spieler nach dem virtuellen Ableben in die Rolle eines neuen Charakters schlüpft und vom Saferoom aus die Möglichkeit geboten bekommt, den verlorenen Inhalt seines Rucksacks seiner vorherigen Spielfigur abzuluchsen, die nun ebenfalls als lebender Toter durch London streift. Die Dramaturgie um die verlorenen Seelenpunkte eines „Demon’s Souls“ lässt grüßen. Denn während Fortschritte im Spielverlauf nicht beim Ableben verloren gehen, können erbeutete Waffen leider abhandenkommen, wenn man bei der Rückeroberung des Rücksacks ein weiteres Mal stirbt. Levelaufstiege im Umgang mit Schusswaffen müssen sogar gänzlich neu errungen werden. Ebenfalls eine tolle Idee ist, dass im Onlinemodus gefallene Spieler ebenfalls als Zombies herumschlurfen und prall gefüllte Rucksäcke parat halten.

Des Rätsels Lösung

Die insgesamt unspektakuläre Story, rund um den Ursprung der Seuche, spielt eher eine Nebenrolle, dient quasi als Mittel zum Zweck, wird aber immerhin von informativen Zeitungsartikeln sowie vertonter Dokumente unterstützt. Schön dabei ist, dass die gelungene deutsche Sprachausgabe von „ZombiU“ nicht für weiteres Grauen sorgt. Im Vordergrund steht natürlich das spannend inszenierte und nervenaufreibende Gameplay selbst. Interaktionen lockern das Spielgefühl immer wieder auf, wenn es gilt, Hindernisse entfernen zu müssen, die aber ein Tick ausgefeilter hätten sein können. So reicht es völlig aus, mehrmals auf das Display des Controllers zu tippen, um einen Gullydeckel beiseite zu hieven. Das Knacken von Schlössern ist hingegen etwas ausgefeilter, bei der man durch die Rumblefunktion einen bestimmten Punkt ausmachen und halten muss.

Das Leveldesign ist vor allem durch die exzellente Ausstattung sehr gelungen, so dass der schlauchige Charakter kaum auffällt. Dass man manche Sackgassen erst mit späteren Objekten (u.a. Dietrich, Hammer, Sprengstoff) öffnen kann, lässt ein wenig Action-Adventure-Wind à la „The Legend of Zelda“ in „ZombiU“ wehen. Zu kritisieren wäre vielleicht, dass man nicht jederzeit frei springen oder sich ducken kann, sondern dies nur für bestimmte Punkte vorbehalten ist – allerdings würden derartige Aktionen im freien Raum ohnehin nicht allzu viel bringen.

Kaum ein Spiel hatte dieses Jahr eine so große Präsenz wie der neueste Teil der "Assassin's Creed"-Reihe: Epische Fernsehwerbung, Poster an Littfasssäulen, sowie Bushaltestellen und zu guter Letzt Pop-Ups auf den gängigen Spieleseiten. Es war wirklich schwer, "Assassin's Creed 3" aus dem Weg zu gehen. Bietet der Meuchelmörder aber genügend Abwechslung, so dass es sich lohnt, ihn nunmehr ein fünftes Mal durch die Vergangenheit zu begleiten und Neueinsteiger, sowie Routinier gleichermaßen viel zu entdecken haben?

Es gibt viel zu lernen

Zu Land, zu Wasser und in der Luft

Schön ist, dass die offene Welt von "Assassin's Creed 3" jede Menge Abwechslung bietet: In Tavernen warten Brett- und Würfelspiele auf Euch, die Schifffahrt steht Euch jederzeit zur Verfügung und in den Wäldern könnt Ihr in bester "Red Dead Redemption"-Manier Tiere verschiedener Größe jagen und zu Pelzen verarbeiten.

Dabei kommt es nicht darauf an, ob Ihr ein Tier oder einen Menschen jagt. Protagonist Connor ist auf beides spezialisiert und ein wahres Ass! Schnell und wendig bewegt er sich dabei durch enge Häuserschluchten oder den Wald. Zweiteres ist hierbei eine Premiere in der "Assassin's Creed"-Reihe. Ohne Mühe rennt Connor Baumstämme hinauf, springt von Baumkrone zu Baumkrone und erklimmt felsige Steilwände und all das mit sauberen und vor allem flüssigen Animationen. Generell bemerkt man, dass in die Animationen von Connor eine Menge Zeit und Liebe eingeflossen sein muss. Egal ob beim Parcours oder beim Kämpfen: Hier wirkt alles wie aus einem Guss! Da Ihr in "Assassin's Creed 3" nicht jeder Konfrontation aus dem Weg gehen könnt, werdet Ihr Euch besonders an den Kämpfen ergötzen dürfen. Denn diese sind schöner als je zuvor. Besonders die Finishing-Moves von Connor tun es einem hier sehr an. Egal ob Schwert, Axt oder das Bajonett einer Muskete - hier sitzt einfach jede Bewegung. Hingegen kann die Übersicht gelegentlich flöten gehen, wenn Ihr mal wieder zwanzig Rotröcken gegenüber steht und Euch zur Wehr setzen müsst. Die Bildrate geht dabei nur selten in die Knie und sobald die Herde ausgedünnt ist, kehrt auch wieder Ordnung ins Spielgeschehen ein.

Spieler der bisherigen Ableger werden Änderungen in der Gewaltdarstellung schnell bemerken. Während beispielsweise bei "Assassin's Creed 2" mit der Blutmenge nicht gegeizt wurde, hält man sich bei Teil Drei wieder etwas zurück. Adé Blutwolken und Fontänen. Willkommen Spritzer und Tröpfchen. Diese Entscheidung, um einen größeren Markt anzusprechen, ist dabei allzu verständlich und fällt auch nicht sonderlich ins Gewicht, denn "Assassin's Creed" hat noch nie das Augenmerk auf Grausamkeit und Gewalt gelegt.

Wir leben in Amerika

Als Verfechter des Rechts, mit fragwürdigen Methoden, durften wir schon so manch abenteuerliche Städtereise tätigen. Jerusalem, Damaskus, Florenz und vieles mehr wurde uns geboten. Doch das Fundament dieser Städte bestand aus Mörtel und Zement. Als geborener Indianer ist die Wildnis Euer Zuhause, in der man sich auch direkt heimisch fühlt: Wunderschöne, sonnendurchflutete Wälder, die durch knackige Farben bestechen und mit ihrem Detailreichtum  Waldstücke aus "Red Dead Redemption" wie Gewächshäuser aussehen lassen. Schlicht und ergreifend der bestaussehendste virtuelle Wald, den man bisher durchwandern durfte. Neben den Wäldern gibt es natürlich auch wieder die Städte. Bauten im Barockstil, Häfen und eine Menge Acker laden Euch zum Erkunden ein. Neu an dem ganzen ist: Ihr könnt jetzt eine Stadt nicht bloß in derselben Jahreszeit bestaunen! Frühling, Sommer, Herbst und Winter halten das Setting auf Dauer interessant, frisch und beeinflussen das Geschehen. So bewegen sich unter anderem Gegner im Schnee langsamer und können gar stecken bleiben.

Trailer

Wir bedanken uns recht herzlich bei Ubisoft Deutschland für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

Zelda trifft Fehler trifft Skrillex?

Schon lange bin ich nicht mehr so motiviert nach interessanten Flash-Spielen im Netz zu schauen, aber eben bin ich doch über etwas sehr skurriles gestoßen. Der Entwickler Jason Oda hat auf eine ungewöhnliche Art die alten Zelda-Spiele interpretiert und schickt den Spieler auf eine kleine Reise durch ein kaputtes Pixel-Spiel. Hier zählt weniger das eigentliche Gameplay, aber dafür stehen die Eindrücke im Vordergrund: Glitches, ein in sich zerfallenes Königreich und man weiß eigentlich nie so richtig was als nächstes kommt. Die Steuerung ist zwar etwas schwammig und manchmal erkennt man nicht genau die Bedienung der Dialoge, aber ich denke auch das ist Teil des Konzeptes.

Und was würde besser passen als der im Internet übertrieben gehypte Skrillex mit seinen Elektro- und Dubstep-Tunes?

Wer sich auf ein ungewöhnliches Erlebnis einlassen möchte, folgt einfach diesem Link.

2010 gelang SEGA die Sensation. Funracer-Debütant „Sonic & SEGA All Stars Racing“ triumphierte über den Altmeister „Mario Kart“. Die Pisten waren abwechslungsreicher und zugleich schöner gestaltet als beim Wii-Rivalen. Das Item-System war weit fairer, so dass fahrerisches Können nicht zwangsläufig bei all dem Chaos unterging. Und den internationalen Duellen standen keine lästigen Freundschaftscodes im Wege. Zwei Jahre später schickt sich nun die Fortsetzung an, an den Überraschungserfolg anzuknüpfen. Nur ein lauwarmer Aufguss? Oder kann SEGA mit kreativen Ideen punkten und den Kartspaß gar revolutionieren?

Mit alten und neue Stars auf Erfolgskurs

Die Steuerung beweist abermals ihre erstaunliche Präzision, mit der Drifts sauber von der Hand gehen und dem Spieler Boosts in drei Stufen ermöglichen, je nach Driftdauer. Inspiriert vom großen Rivalen „Mario Kart Wii“ haben nun auch Stunts Einzug ins Spiel gefunden. Mit einem Schwenk des rechten Analogsticks vollführen die Fahrer beim Sprung unterschiedliche Luftrollen, um nach der Landung zu beschleunigen. Toll dabei ist, dass das Wagnis zu mehreren, aneinandergereihten Stunts mit einer höheren Beschleunigung belohnt wird. Scheitert die Stuntkette, verliert man allerdings durch die unsanfte Landung etwas an Boden.

Abwechslungsreicher Einzelspielermodus

Transformation

Diese erfrischend neue Gameplay-Komponente wurde wunderbar ins Streckendesign eingebunden und teils imposant inszeniert. Sei es ein Ritt auf Lavaströmen (Golden Axe), ein Flug über eine Marineflotte in Gefechtsposition (Afterburner) oder die plötzliche Verwandlung des gesamten Kurses ab einer bestimmten Rennrunde, wenn der Asphalt wegbricht und sich das Fahrzeug aufgrund der plötzlichen Änderung der Rennbedingung entsprechend verwandelt. Eine weitere Augenweide ist eine malerische Weihnachtsstadt, der das Spiel „Billy Hatchter and the Giant Egg“ Modell gestanden hat.

Die insgesamt 20 Rennstrecken (darunter vier klassische) sind erstklassig designt und bieten neben Loopings und einer Vielzahl von Sprungschanzen selbstverständlich alternative Routen und Abkürzungen.

Item-System 2.0

Vor langer Zeit, noch bevor Spiele wie WiiSports oder Gehirnjogging gewisse Nichtspieler-Gruppen angesprochen haben, gab es ein Genre, welches witzige Multiplayer-Abende garantiert hat, egal wie unterschiedlich das Können der einzelnen war: Funracer mit Karts und jeder Menge lustiger Items, welche Schadenfreude und Frust mitbrachten.

Ein wenig ist das Genre allerdings eingeschlafen in den letzten Jahren... Das letzte "Mario Kart Wii" leidet unter nicht gut balancierte Items, Segas All-Star Racing sprach mich persönlich von den Charakteren nicht so richtig an. Das Spiel "Mod Nation Racers" hatte bereits mit seinem Level-Editor versucht, einen frischen Wind in die Wohnzimmer-Schlachten zu bringen. Allerdings fehlte es dem Spiel vielleicht noch an etwas Feinschliff und vor allem an Charakter. Mit "Little Big Planet Karting" erleben wir nun einen neuen Versuch, den Mix aus "Play Create Share" und dem traditionellen Karting, mitsamt dem typischen "Little Big Planet"-Charme, der bei uns bereits ziemlich gut angekommen ist.

Die Sackboys sind wieder da

Der Einstieg war bei uns jedoch etwas holprig: Zu viert haben wir uns versammelt gehabt, um das Spiel artgerecht kennenzulernen. Allerdings muss man im Story-Modus zunächst erst alle Level freispielen, um diese dann gemeinsam zu spielen. Da blieb also nur in den Community Levels zu suchen, wo gerade zu Beginn die Auswahl und Qualität der Level noch etwas begrenzt war.

Storymodus statt Fahrer-Karriere

Der "Story-Modus" kommt dann aber insgesamt ganz gut: Auf diversen Planeten fahrt Ihr alleine oder zu zweit durch die unterschiedlichen Rennstrecken, welche die Themen-Welten der vorherigen "Little Big Planet"-Spiele aufgreift. Die Strecken sind dabei recht liebevoll gemacht und abwechslungsreich, man kann dort hohe Sprünge, Abkürzungen und Veränderungen der Strecke erwarten. Ausgezeichnet sind natürlich der Einsatz der LBP-typischen Items wie die Painter-Gun oder Greifhaken, welcher die Fahrten noch spaßiger und spannender machen. Zusätzliche kleine Nebenaufgaben fordern Euch zu einer Highscore-Jagd heraus, um weitere Objekte zu gewinnen, welche in den normalen Levels eben so eingesammelt werden können und auch schon vom Sieg ablenken können. Im Kampfmodus zählen entweder die meisten Abschüsse oder z.B. ein Objekt möglichst lange verteidigen und mit Euch herumschleppen.

Die Aufteilung der Rennstrecken erfolgt ähnlich wie im Story-Modos von Little Big Planet auf diversen Planeten, was so seine Nachteile mit sich bringt, wenn man in großer Runde einfach nur schnell die Versus-Level durchfahren möchte. Überhaupt vermisst man schmerzlichst traditionelle Cups, in denen man die Strecken automatisch hintereinander abfährt. Verbunden werden alle Hauptstrecken durch eine kleine Geschichte, welche in kurzen Zwischensequenzen versuchen, einen roten Faden durch die Kapitel zu ziehen.

Im Gegensatz zu anderen Kart-Rennen, hat man hier auch nicht wirklich verschiedene Charaktere zu erwarten: Die Gegner unterscheiden sich hauptsächlich durch ihre witzigen Karts. An dieser Stelle fehlte mir da schon etwas, vor allem, weil witzige Sprüche der Gegner und Rivalitäten in anderen Spielen für viel mehr Spieltiefe sorgen. Die eigene Kostüm-Auswahl und die optische Modifizierung der Karts macht natürlich ein wenig was wett und lädt zu verrückten Kreationen ein. Etwas schade aber, dass nicht alle Kostüme aus den bisherigen Spielen importiert werden.  Jedenfalls haben alle diese Dinge keinen Einfluss auf Euer Fahrverhalten, was, wie ich raushörte, einigen bei uns sehr gut gefallen hat, andere wiederum hätten sich da mehr Variationen gewünscht.

Grafik und Gameplay

Der optische Bastel-Look von LittleBigPlanet bekommt dem Spiel wie bereits angedeutet sehr gut, allerdings muss ich gelegentliches Ruckeln und eine starke Unschärfe im Spiel etwas kritisieren. Das hätte ich mir noch ein klein wenig ausgefeilter und gewünscht.

Zur Steuerung und zum Gameplay kann ich folgendes verraten: Das Spiel scheint, was das Fahrgefühl angeht, zwar sehr ausgewogen, weil es weder zu schnell, noch zu langsam voran geht, aber Hardcore-Kartracer Fans dürften hier wohl noch etwas mehr Präzision beim Driften vermissen. Generell ist alles so ausgerichtet, dass besonders viel Chancen-Gleichheit entsteht und quasi auch Neueinsteiger schnell in das Spiel finden und spätestens mit Hilfe von Items hier den einen oder anderen Sieg gleich mitnehmen. Talentierte Spieler, die einen ernsthaften Wettbewerb suchen, werden hier Kompromisse eingehen müssen. Perfektionisten werden zudem noch richtig leiden, weil man durch die Items der Gegner sehr schnell mal vom ersten auf den letzten Platz landet, selbst wenn man noch so ein guter Fahrer ist.

Hier alles richtig gemacht: Sehr guter Soundtrack

Es ist eine sehr persönliche Sache von mir, die musikalische Untermalung in Spielen besonders wichtig zu finden. Bereits in den anderen "Little Big Planet"-Spielen gab es schon richtig gute lizensierte Musik und in Karting sieht die Sache nicht anders aus: Ich finde den Soundtrack hier einfach absolut Klasse gewählt! Selbst ein Lied von Anamanaguchi taucht auf, mit denen ich sehr sympathisiere.

Online-Modus hätte mehr Feinschliff gebrauchen können

Andererseits entstehen in diesem Augenblick wieder tausende von Strecken, welche anhand der Bewertungen eine steigende Qualität an vielen Rennen garantieren und somit den "Little Big Planet-Bonus" auch in diesem Spiel wieder positiv einbringen.

Mächtiger Level-Editor

Das Highlight muss wohl der Level-Editor sein: Denn nicht umsonst habe ich bisher da mehr Zeit drin verbracht, als mit dem Story-Modus oder den Rennstrecken der anderen Spieler. Wer in "Little Big Planet" bereits einmal ein Level konstruiert hat, wird sich hier, obwohl der Streckeneditor diesmal dreidimensional funktioniert, eigentlich schnell zurecht finden. Zwar gibt es eine lange Liste an Tutorial Videos, allerdings habe ich mir nur zwei bis drei anschauen müssen, um zu verstehen, wie ich eine Strecke gebastelt bekomme. Vielleicht fiel mir das aber nur etwas leichter, da ich beruflich teils mit komplexeren Programmen arbeiten muss.

Wie auch immer, scheinbar macht mir das Erstellen der Rennstrecken hier mehr Spaß als das Level-Bauen in LBP – vielleicht, weil die Einschränkungen den Aufbau-Prozess etwas straffer und zielorientierter machen? Ziemlich "flott" habe ich mein WipEout/F-Zero-mäßiges Level erstellt, "relativ" fix dekoriert, so dass ich die Hälfte der Zeit auch mit dem Wichtigsten beschäftigt war: Die Balance und die Spielbarkeit meiner Strecke. In einer cirka fünfstündigen Session hatte ich so dann meine erste Strecke fertig und genügend getestet. Und danach hatte ich sofort wieder Lust mich in die nächste Strecke zu stürzen, wo mir bei Little Big Planet dann eher Ermüdungserscheinungen entstanden.

Die Freiheiten im Editor erlauben übrigens hier wieder einiges: Vom Tower Defense, "Micro Machines"-Klon bis zu brisanten Kampfarenen kann man jetzt bereits online einige witzige Levels spielen. Insgesamt kann ich daher den Kreativen unter uns, die besonders auf Streckenbau aus sind, hier Little Big Karting gut empfehlen. Dabei lernt man auch jede Menge über die richtige Balance und Spielbarkeit von guten Rennstrecken.

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Wir bedanken uns recht herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

Ich bin schlauer, als der Durchschnittsmann Mitte 40, der lieber in den Urlaub fährt, als die Ferien zu Hause zu verbringen. Woher ich das weiss? Das hat mir ein alter Mann in meiner PS Vita gesagt, nachdem er mir ein paar Knobelaufgaben gestellt hat. Keine Sorge, ich halluziniere nicht, ich absolviere zur Zeit ein mehrwöchiges Gehirnschmalztraining mit Smart As.

"Wie smart bist du?"

Mini-Spiel für Groß-Hirn

Die Logik-Spiele bekommen ihre Würze aus dem Zeitdruck. Hier lag die Kunst im Design wohl darin, ein einfach zu verstehendes Spiel zu entwerfen, das schnell zu erlernen aber hart zu meistern ist. Mit Pfadfinder ist das definitiv gelungen. Eine Spielfigur steht auf sechseckigen Feldern. Am unteren Rand sind Bewegungspfeile angegeben, wie die Figur laufen wird. Durch heben und senken von Feldern, muss der Figur der Weg so blockiert oder freigeräumt werden, dass ein markiertes Zielfeld erreicht wird.

Und täglich grüßt... Smart As

Abgerundet wird das Mini-Spiel Angebot durch Varianten, die speziell die PS Vita Features wie Neigungssteuerung oder Kamera benutzen. Einziger Kritik-Punkt, der mobilen Zeitgenossen sauer aufstossen wird: Einige der Spiele nutzen jeweils eine AR-Karte, weil sie via Augmented Reality auf dem Tisch gespielt werden. So etwas lässt sich unterwegs nicht spielen. Allerdings sollte man Smart As ohnehin nur dort spielen, wo man sich richtig gut konzentrieren kann. In den höheren Schwierigkeitsgraden ist das Spiel definitiv nix mehr für Kinder. So muss ich in Buchstabieren Wörter schreiben, die ich noch nie gehört habe und in Weniger ist mehr blitzschnell entscheiden, ob nun 5/7 größer, gleich oder kleiner als 70% ist.

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Seit Ihr bereit für eine Schlägerei der epischen Art?

Neben zahlreichen Auftritten berühmter Charaktere aus dem PlayStation Universum, erwartet uns mit diesem Spiel ein sowohl auf der PlayStation 3, sowie auf die PS Vita speziell abgestimmtes Erlebnis. Dank der "Cross-Play" Funktion tretet Ihr mit Eurer Vita zeitgleich gegen die Heimkonsolen-Spieler an. Und mit Hilfe von "Cross-Buy", mit welchem Sony bereits seit der Ankündigung für Furore gesorgt hatte, bekommen die Käufer der PS3-Version noch eine herunterladbare Handheld-Fassung kostenlos dazu. So schöpft man hier als gut ausgestatteter Sony-Fan aus dem Vollen!

Eure Chance!

Was Ihr dafür tun müsst:

Erkennt die drei PlayStation-Helden in dem folgenden Bild und seit mindesten 12 Jahr alt? Sendet uns eine E-Mail bis zum 28. November 2012 an kontakt@couchcastle.de. Unter allen richtigen Einsendungen werden wir die Spiele dann verlosen.

Allen Teilnehmern wünschen wir natürlich viel Erfolg!

Wir bedanken uns recht herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die Bereitstellung der Gewinnspiel-Exemplare.

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*UPDATE*

• Janine D. aus Herten
• Burak Y. aus Köln
• Dominik F. aus Langen
• Ricardo B. aus Hamburg

Es glich einer Erschütterung der Macht - Walt Disney hat „Star Wars“ aufgekauft. Und bei der Bekanntgabe des  $4-Milliarden-Deals wurden im selben Atemzug auch gleich die Episoden VII bis IX angekündigt. Wow, das musste man kurz verdauen. Während aber viele vom Schlimmsten ausgehen, sehe ich das Ganze tatsächlich gelassen und mit gewisser Zuversicht. Denn zum einen nimmt eine offizielle Parodie die Befürchtungen der Fans auf die Schippe, beziehungsweise haben die Walt Disney-Studios jenseits von Mickey & Co. ohnehin mehrfach bewiesen, dass sie die Erwachsenenunterhaltung beherrschen. Zum anderen gibt es bereits jetzt ein beeindruckend inszeniertes „Wiedersehen“ mit Luke Skywalker und seinen Freunden (sowie Feinden), so dass eine mögliche Enttäuschung weniger schwer wiegen dürfte, wenn denn die offizielle Fortsetzung im Jahre 2015 weniger begeistern sollte.

Timothy Zahns Thrawn-Trilogie

Fünf Jahre sind vergangen, seit der Todesstern über den Waldmond Endor vernichtet wurde und das Imperium nach dem Tod des Imperators einer versprengten Truppe gleicht. Beinahe ausgelöscht hat der letzte Großadmiral des Imperators die Überbleibsel der einst gigantischen Flotte imperialer Sternenzerstörer neu formiert: Großadmiral Thrawn, Meistertaktiker, der mit dem einen oder anderen Geniestreich seine beschränkten Mittel mehr als kompensiert und für die neue Republik schon alsbald eine große Bedrohung darstellen wird.

Es war einmal vor langer Zeit…

Ein Traum wird wahr! Die Stimmen der beliebten Helden, die originalen Soundeffekte, die Musikstücke von John Williams, alles Puzzleteile, die die Tonspur eines Blockbusters ergeben, die akustisch perfekt inszeniert wurde. Von Beginn an, und ohne große Mühe, stellt sich großes Kopfkino ein, samt deftiger Überlänge. Denn schon das erste Buch wird vier CDs umfassen, die jeweils eine Spieldauer von etwa einer Stunde bieten (werden). Zwei CDs sind bereits erhältlich. Für das zweite Buch, „Die dunkle Seite der Macht“, wurden fünf CDs angekündigt, so dass sich die gesamte Länge der Handlung auf über 12 Stunden belaufen sollte, wenn denn „Das letzte Kommando“, das letzte Buch der „Thrawn-Trilogie“, ähnlich umfangreich umgesetzt wird – was auch zu erwarten ist. Dank dieser beträchtlichen Spieldauer ist es somit kein Wunder, dass sich die Hörspielumsetzung sehr dicht an der Buchvorlage bewegt und in diesem Format nicht nur einzelne Leser, sondern Gruppen von Hörern in die Handlung eintauchen lässt.

Erscheinen sollen die CDs übrigens im Abstand von jeweils zwei Monaten, CD Nummer drei Ende November 2012.

Wunschlos glücklich?

Auch wenn ich mein Nexus 7 nicht zwingend als Spielgerät sehe, so muss ich zugeben, dass es für die eine oder andere kurzweilige Lean-back-Spielerfahrung scheinbar doch ein paar Schmankerl gibt. Letztens hat mich die pixelige Wirtschaftssimulation "Dungeon Village" auf einer langen Zugfahrt ans Meer ziemlich gut in seinen Bann gezogen. Äußert sympathisch an der ganzen Sache finde ich, dass man hier in die Rolle der Händler in alten Rollenspielen schlüpft, statt selber in Dungeons auf Monsterjagd zu gehen.

Der optimale Flow

In "Dungeon Village" seid Ihr der Bürgermeister eures Dorfes. Euer Ziel ist es, Abenteurer in Eure Gaststätten, Waffen- und Rüstungsläden zu locken und sie auf Monsterjagd zu schicken. Wenn Ihr alles richtig anstellt, so wächst Euer Dorf und wird um zahlreiche Angebote wie Magieschulen, Restaurants, ein Zirkus oder sogar Eigentumshäuser für eure Abenteurer erweitert. Dabei gilt es stets, einen guten Profit zu erwirtschaften und die Popularität der wachsenden Stadt zu steigern, um noch mehr Abenteuerlustige anzulocken. Durch bestimmte Veranstaltungen wie ein Barbecue oder ein Konzert lassen sich die Werte Eurer Besucher verbessern, ebenso wie durch die Ausrüstung, welche die Abenteurer in Dungeons erwirtschaften oder von Euch zusammengebraut und -gebaut wird. Geschenke und Medaillen helfen die kleinen niedlichen Helden an Euch zu binden und eine schöne Gemeinschaft aufzubauen.

Der Stil ist ziemlich niedlich gehalten: Retro-Fans werden sich über die Pixel-Landschaft freuen und es macht Spaß neue niedliche Monster zu entdecken oder sich die witzigen Animationen der kleinen Abenteurer anzuschauen. Besonders putzig sieht das aus, wenn einer der Helden im Kampf gefallen und "müde" ist, und ein anderer ihn ins Dorf trägt, wo er sich erholen kann. Leider bleiben die Events nichts weiter als ein jeweils kleines Bild, womit wir also was die Abwechslung in den Animationen angeht, nicht zuviel erwarten dürfen. Was etwas schade ist: Es gibt zwar Jahreszeiten, doch werden diese optisch nicht angepasst.

Ebenso viel Zeit wie auf dem Übersichtsscreen verbringt Ihr übrigens im Menü: Es liegt in der Natur der Sache, in einem Wirtschaftsspiel die Zahlen im Auge zu behalten und das Management durch Menüelemente zu steuern.

Screens

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Kauf-Links:

• auf iTunes kaufen
• im Play-Store kaufen

Wie setzt man eine 26-teilige Animeserie mit einem runden Ende fort? Am besten gar nicht. Das dachten sich jedenfalls die Verantwortlichen vom Studio Madhouse und bescherten den Fans von „Vash the Stempede“ ein 90-minütiges Wiedersehen, das parallel zur Handlung der Serie stattfindet.

Vor 20 Jahren

Auf dem Weg nach „Macca City“, wo einer von Gasbacks ehemaligen Komplizen mittlerweile der Bürgermeister ist, trifft Vash auf die hübsche Kopfgeldjägerin Amelia. Der Tod ihrer Mutter scheint, in irgendeiner Verbindung zu Gasback zu stehen, weshalb sie dem Ganoven auf der Spur ist. Ebenso wie viele weitere Kopfgeldjäger, die es spitzbekommen haben, dass Gasback diese Stadt auf seinem Rachefeldzug alsbald aufsuchen wird. Auch würde Amelia sich allzu gern jenen Kerl vorknöpfen, der Gasback einst geholfen hat.

Und keine Sorge, ich werde dich nicht betatschen… das hebe ich mir für später auf :D

Gleiches gilt für weitere Stärken der Serie: So ist die Handlung von „Trigun: Badland Rumble“ ebenfalls ein gelungener Mix aus witzigen Dialogen, Slapstick-Einlagen, melancholischen Momenten und natürlich actiongeladenen Szenen. Vash, der Mann, der für Liebe und Frieden in der rauen Wüstenwelt kämpft, mimt stets den tölpelhaften Tollpatsch, der, ähnlich wie Ryo Saeba von „City Hunter“, ein unverschämter Schürzenjäger ist, zwar immer wieder bei den Damen abblitzt, in brenzligen Situationen aber seine scheinbar übermenschlichen Fähigkeiten mit dem Revolver unter Beweis stellt.

Und auch die musikalische Untermalung ist ebenfalls ganz wie beim „Original“,  so dass sich beim ruhigen Wildwestgeklampfe die typische Atmosphäre einstellt. Wo aber ist das Hauptthema von „Trigun“? Auch das fehlt nicht, setzt aber erst zum perfekten Zeitpunkt ein.

Optisch macht „Trigun: Badland Rumble“ einen großen Schritt nach vorn, was neben dem Filmformat nicht zuletzt auch der langen Pause von satten zwölf Jahren, zwischen Serie und Film, zu verdanken ist. Die wenigen CGI-Effekte wirken sehr homogen zum gezeichneten Material und sorgen für viel Leben auf dem Bildschirm.

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Inspiriert von der Guin Saga, versucht Kentaro Miura seit Jahrzehnten den längsten Manga zu toppen. Dabei überzeugt sein Werk "Berserk", mit 33 Millionen(!) verkauften Manga-Büchern Fans auf der ganzen Welt. Der Autor und Zeichner hat sich jahrelang geweigert, sein Dark Fantasy Epos nach der letzten Anime-Umsetzung aus den 90ern, mit der er scheinbar unzufrieden war, verfilmen zu lassen.

Nun hat sich das Studio 4°C, welche man z.B. von "Mindgame" kennt, dem großen Projekt widmen dürfen, weil sie sich mit einem Prototypen bei ihm beworben haben. Eine Erleichterung für alle Fans, denn seit Jahren schmachten die Leser und die Fans der alten Serie nach einer Fortsetzung in animierter Form. Geplant sind zunächst drei erste Filme, welche innerhalb eines Jahres in die japanischen Kinos gelangen sollen. Der erste davon kann nun endlich auch in Deutschland erworben werden. Als Fan habe ich mich mit schweißnassen Händen und Gänsehaut auf's Sofa gesetzt und den Film gleich mehrfach geschaut, um hier einigermaßen objektiv urteilen zu können.

Die Geschichte um Guts, Griffith und Kjaskar

Als Guts später noch einmal einzeln auf die Bande trifft, schließt er sich nach einiger Überzeugungsarbeit der Truppe an, und bestreitet an der Seite von Griffith und der aufbrausenden Kommandantin Kjaskar einige Schlachten, welche der Bande einen großen Ruhm verleiten und Griffith mit dem König von Midland in Kontakt bringen. Da die Söldner allerdings nicht als Adelige geboren wurde, herrscht natürlich viel Missgunst in den Reihen des Königs und so wird Guts von Griffith darum gebeten Maßnahmen zu ergreifen um sein Ziel nicht aus den Augen zu verlieren...

Ein schauriges Treffen auf ZODD, den unsterblichen Krieger, wirft zudem viele Fragen auf, welche einen kleinen Einblick in eine düstere Zukunft offenbaren und die Freundschaft zwischen den Guts und seinem Anführer hinterfragt.

Berserk ist nun endlich da!

Ein recht amtlicher Soundtrack (von Shiro Sagisu, bekannt durch "Neon Genesis Evangelion") unterstreicht die Atmosphäre recht passend und das Sound-Design hängt den insgesamt hochwertigen Bildern kaum hinterher: Schwere Gewichte und Metallklappern und Klirren verleiten der Welt von Miura eine gute Glaubwürdigkeit. Der Gewaltgrad erreicht zwar nicht die Ausmaße des Manga, aber wer sich mit brutalen Kämpfen schwer tut, wird in Berserk vielleicht nicht so ganz seinen Spaß finden. Es geht schon einmal sehr grob zu.

3DCG - Eine neue Technik spart Arbeit, spaltet Meinungen

Insgesamt führt diese neue Technik noch zu unterschiedlich guten und teilweise etwas steifen Ergebnissen. Schaut man sich an, wie viele Rüstungen im Film auftauchen, machte es schon Sinn, diese Technik zu benutzen. Allerdings hätten einige Stellen wahrscheinlich ohne besser ausgesehen, so bekommen die Begegnung mit ZODD und seinem gerenderten Fell oder  einige dann doch wieder in 3D angelegte Gesichter einen sehr steifen und nicht ganz passenden Look.

Der 3D Einsatz wird definitiv nicht jedem schmecken und die Geschmäcker spalten, ich für meinen Teil bin am Ende doch sehr dankbar für sehr dynamische Kamerafahrten wie ein Ritt aus der Verfolger-Perspektive, realistisch flatternde Mäntel oder geschickt eingesetzte Wassereffekte am Fluss.

Lobend will ich noch die guten Kampf-Animationen ansprechen. Man merkt es dem Film wirklich an, dass europäische Schwertkämpfer angeheuert wurden, um die westliche Schwerttechnik und ihre Bewegungen einzufangen. Japaner wissen zu gut, wie es ausschaut, wenn zum Beispiel Amerikaner Ninja oder Samurai-Filme drehen und es ein wenig vermasseln, überzeugende Kämpfe darzustellen. Zudem sind die Animationen dermaßen flüssig und die Figuren und Rüstungen voller Gewicht, dass der alte Anime zu Berserk dagegen fast schon wie eine Slideshow wirkt.

Die Synchronisation

Was mir nicht so gefallen hat

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Momentan könnt Ihr die streng limitierte "Limited Edition" als DVD oder Blu-Ray für stolze 43,99 Euro erwerben. Wie uns von Universum Film gesagt wurde, wird es eine weitere Fassung zu einem günstigeren Preis im nächsten Jahr geben, allerdings steht weder das genaue Veröffentlichungsdatum, noch der genaue Preis bisher fest. Hier ein Kauflink auf Amazon.

Wir bedanken uns recht herzlich bei Universum Film für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

Und Danke an Benny für das Foto der Limited Edition.

Es war einmal ein gewaltfreier Shooter im Märchengewand, der, wie viele andere Geschichten seiner Art, einen traurigen Anfang nahm: Monroes Mutter, die vieles im Leben begann, aber nicht zu Ende brachte, ist gestorben. Hinterlassen hat sie über 300 unvollendete Leinwände, von denen Monroe nur eines mit ins Waisenhaus mitnehmen durfte. Er entschied sich für das Lieblingsbild seiner Mutter, den „unvollendete Schwan“. Als Monroe eines nachts entdeckte, dass der Schwan aus dem Gemälde verschwunden war, nahm er den silbernen Pinsel seiner Mutter und folgte den Fußspuren des Ausreißers, bis er zu einer Tür gelangte, die er nie zuvor gesehen hatte. Eine Reise der Selbstfindung beginnt, auf der der kleine Monroe den schweren Schicksalsschlag verarbeitet.

Ich bin im Bilde

Eine ideenreiche Entdeckung

Kleinere, aber nicht minder clevere Rätseleinlagen sorgen immer wieder für Abwechslung. Der schöne Soundtrack lockert die Handlung auf, so dass sich Trübsal zu keinem Zeitpunkt breitmacht – ganz im Gegenteil, „The Unfinished Swan“ ist ein lebensbejahendes Feel-Good-Abenteuer, das viel Raum für eigene Interpretationen lässt. Der erste Durchlauf dauert etwa 3-4 Stunden, je nachdem, wie viel Zeit man dem Spiel und vor allem sich selbst gönnt, um in eine unverbrauchte Welt einzutauchen. Für Wiederspielwert sorgt nicht nur die einzigartige Spielerfahrung an sich, sondern auch die überall im Spiel versteckten Ballons, sowie eine sehr anspruchsvolle Trophäe, bei der es gilt, den ersten von mir beschriebenen Abschnitt des Spiels zu durchlaufen und dabei maximal drei Farbkugeln abzufeuern. Ein eindrucksvolles Unterfangen, da spätestens bei dieser Herausforderung die klasse Soundkulisse Bilder im Kopfkino formt.

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"Mainstream?" Nö! "Oh!"

„Scott Pilgrim gegen den Rest der Welt“ ist ein liebevoll gestaltetes Stück Film, voller Humor, großartigen Effekten und einer wirklich schönen Geschichte. Die Verbindung zwischen Scott und seinen Freunden und auch zu sich selbst schaffen es mit Leichtigkeit zwei Stunden Film im Fluge vergehen zu lassen. Während dieser zwei Stunden wachsen einem die verschiedenen Charaktere sogar richtig ans Herz und so können sich auch Gefühle vollkommen entfalten. Besondere Empfehlung geht hier von mir an den geneigten Pixel-Fan, denn dieser wird bei Scott Pilgrim ganz sicher auf seine Kosten kommen. Wer sich ein wenig auskennt, wird eine ganze menge Videospiel-Einflüsse erkennen. Sympathisch! Allerdings ist Scott Pilgrim auch ein sehr abgedrehter Film, wer also eher auf bodenständige Komödien steht, die sich mehr an der Realität orientieren – Stichwort „Hangover“ – der wird mit Scott und seinen Freunden eher weniger warm werden. Allen anderen kann ich Scott Pilgrim nur ans Herz legen.

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Der Herbst hat begonnen und die Abstinenz der warme Sonnenstrahlen lädt finstere Gedanken ein. Von der Steuererklärung, bis zu sich einschleichende Pfunden über grausam dunkle Morgen, an denen man am liebsten im Bett verbleiben würde... Da die Gedankenwelt im Kopf manchmal einem vor sich hin köchelnden Eintopf gleicht, muss man die Balance zwischen Sorgen und positiven Gedanken gut abschmecken. Wie wäre es mit zwei Packungen K-ON! für's Gemüt? Die eigenwillig niedliche und positive Mischung der ersten beiden Staffeln könnte für Anime-Liebhaber, die bisher noch einen großen Bogen um die Serie gemacht haben, der neue Zucker im Tee werden.

Weich, warm und süß

Warum sollte man jetzt K-ON! eigentlich anschauen? Nun, ich hätte mich nicht hingesetzt und für Euch eine Vorstellung geschrieben, wenn ich nicht beide Staffeln verschlungen hätte. Es gibt sicherlich viele gute Gründe: Sucht Ihr eine schöne Serie zum Abschalten nach dem Feierabend? Oder Eine zum gut nebenbei Schauen, wo man auch zwischendurch was verpassen kann? Oder wollt Ihr eurer Tochter eine nette Serie schenken?

Geschichten nach der Schule

Ihre Erlebnisse drehen sich Slice-of-Life-typisch grundsätzlich um die kleinen Dinge im Leben: In einer Episode arbeitet die Band zusammen, um für Yui ihre Wunschgitarre zu kaufen, in einer anderen räumen sie einfach nur ihren Proberaum auf, oder sie unternehmen gemeinsam einen kleinen Ausflug, genießen die Weihnachtszeit zusammen, besuchen zum ersten Mal ein Festival, schauen in die finstere Vergangenheit ihrer Lehrerin, sammeln erste Bühnen-Erfahrung in der Schule, suchen in witzigen Tierkostümen neue Bandmitglieder oder zeigen Tsugumi, welche aus einem reichen Haus kommt, einen stinknormalen Baumarkt, der sie gänzlich fasziniert. Es liegt in der Natur des Genres, dass da nicht wirklich Spannung aufkommt. Und genau das macht mir an der Serie als Konter-Programm zum typischen Nervenkitzel und Abenteuer im TV soviel Spaß!

Doch zwischendurch stellt sich mir doch immer wieder eine Frage: Wo um alles in der Welt sind bei K-ON! die männlichen Wesen gelandet?

Eindrücke

Wunderschöne Animationen, schräge Musik und brauchbare Synchro

Der Soundtrack wird mit Sicherheit gehörig die Geschmäcker spalten: Mit einem Spagat zwischen Fahrstuhlmusik und seichtem Pop trällert es in der Serie durchgehend vor sich hin und baut eine harmonische Gute-Laune-Atmosphäre auf. Herausstechen tun dann natürlich die Popsongs der Band, welche nach astreiner J-Pop Manier aus dem Vollen der japanisch schrägen Art schöpfen. Den Gipfel bieten dann wohl wahrscheinlich das anfängliche Opening, welches an Lieder erinnert, welche man früher bei leichten Vorwärtsspulen einer Musik-Kassette herausbekam. Leicht zu hassen, aber scheinbar auch mächtig erfolgreich: Der Song sprang natürlich in Japan in der Startwoche an die Spitze der Charts. Die Texte der Lieder sind im Übrigen natürlich auch wieder total niedlich, wie halt so ziemlich alles in dieser Serie.

(Fun Fact: Als großer Susumu Hirasawa-Fan ist mir bei der ganzen Nummer nicht entgangen, dass die Namens-Verwandschaft mit Yui Hirasawa nicht von ungefähr kommt: Hinter den Familiennamen der Bandmitglieder stecken nämlich Anspielungen auf die Namen der Musiker hinter Hirasawas New Wave-Band "P-Model"...)

Leidiges Thema ist wohl mal wieder die Synchro. In vielen Anime-Serien haben wir in Deutschland bisher leider oft das Nachsehen gehabt und auch wenn es mit der Zeit immer besser wird, so gibt es bei Puristen und Anime-Liebhabern generell immer noch viele, die mit unserem Markt auf Kriegsfuß stehen. Ich selbst denke zwar, dass die Synchros meist hinterher hängen, kann mich aber oft damit anfreunden, durch eine deutsche Tonspur eine Serie noch einmal anders zu erleben und mehr Auswahl zu haben. Gerade im Fall von K-ON! haben wir es hier mit übertrieben kindlichen und niedlichen Frauenstimmchen aus Japan zu tun, welche ich zwar technisch stark finde, aber mir dann doch zu sehr das Gefühl vermitteln, Kleinkindern zuzuhören. Was mir bei der Vorstellung, dass die Nachbarn das hören, schon ein kleines Schamgefühl entfacht. Die deutsche Synchro von K-ON! gehört definitiv zum brauchbaren Bereich und bringt die Serie für mich auch auf ein normaleres Niveau und kommt sogar ohne jegliche Fehlgriffe aus, vor allem weil sie nicht versuchen, die japanischen Vorbilder zu imitieren. Allerdings irritiert hier und da ein Seufzer im O-Ton - vor allem, wenn man die Serie in beiden Sprachen kennt.

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Da war mein rundenstrategischer Ruhestand plötzlich vorbei – die Pflichte rief mich, einen alten Veteran, der die Erde bereits zweimal vor der außerirdischen Invasion erfolgreich verteidigt hat. 1994 zu Boden (XCOM: Enemy Unknown) und 1995 am Grunde des Meeres (XCOM: Terror from the Deep), bis die Serie in der enttäuschenden Apokalypse (XCOM: Apocalypse) für mich gestorben ist. Eine Shooter-Ankündigung im XCOM-Universum ließ mich jüngst nur müde lächeln, bis das scheinbar Unmögliche bevorstand: Ein anspruchsvolles Remake des Erstlings, so zumindest das Versprechen der Entwickler. Kann es das im Jahre 2012 wirklich noch geben?  Ein Taktikspiel der alten Schule? Oder folgt nur ein weiterer Kniefall vor dem actionorientierten Mainstream? Ich wurde neugierig…

Alles hört auf mein Kommando!

Schnell stellt sich das Gefühl der Vertrautheit ein, denn der anspruchsvolle Umfang alter XCOM-Teile wurde beibehalten, so dass neben den rundenbasierten Gefechten die Basis eine überschaubare Wirtschaftssimulation bietet, die ungemein motiviert. Der Ausbau der unterirdischen Anlage wurde besser denn je in Szene gesetzt, so müssen Bereiche durch Bohrungen erst erschlossen und über Aufzüge zugänglich gemacht werden. Kraftwerke versorgen den Stützpunkt mit Energie, Satellitenkontrollzentren spüren Ufos weltweit auf, um sie schließlich mit Abfangjägern abzuschießen. Und andere Einrichtungen wiederum dienen der Forschung und Entwicklung neuer Waffensysteme, die auf außerirdische Technologien basieren. Da das gesamte Projekt geradezu Gelder und außerirdische Artefakte nur so verschlingt, und das Personal jederzeit ausgelastet ist, gilt es, mit seinen Mitteln zu haushalten und die Zeit aller Vorhaben nicht außer Acht zu lassen. Denn je mehr Panik sich in der Welt ausbreitet, desto wahrscheinlicher ist es, dass Mitgliedsstaaten diesen Bund verlassen und XCOM nicht länger mit finanziellen Mitteln am Monatsende unterstützen.

Was kompliziert klingen mag, ist mit wenigen Klicks und etwas Gehirnschmalz gemeistert und verbirgt ein enormes Suchtpotenzial, denn sehr schnell stellen sich Erfolge in der Forschung und Entwicklung ein, so dass unter anderem Laserwaffen, stärkere Rüstungen, mobile Waffenplattformen und andere Utensilien auf sich warten lassen. „Nur noch zwei Tage“ (im Zeitraffer) denkt man sich nicht selten, dann steht zum Beispiel die Plasmapistole bereit. Doch bevor die Truppen in der Kaserne mit der neuen Errungenschaft ausgerüstet werden können, steht auch schon der nächste Einsatz bevor.

Feindkontakt!

Anders als bei den Vorgängern ist die Truppengröße zwar auf maximal sechs Soldaten gesunken, dafür erlangen sie mit der Zeit originelle Sonderfertigkeiten, so beispielsweise Sturmtruppen, die nach einem Sprint (zweimalige Bewegung pro Spielzug, nach der normalerweise weitere Aktionen entfallen) ihre Waffen einsetzen können, Unterstützungseinheiten, die beim Anwenden von Medikits nochmals mehr Lebenspunkte regenerieren können oder Scharfschützen, die einen weiteren Gegner anvisieren können, wenn Feinde unter Beschuss genommen haben, die sich nicht in Deckung befinden.

Das System von „XCOM: Enemy Unknown“ ist sehr vielseitig, bietet je nach Spielstil diverse Möglichkeiten, beginnend bei der freien Wahl der Truppen-Zusammenstellung. Grundsätzlich dürfen sich Einheiten pro Spielzug einmal bewegen und eine Aktion ausspielen (Feuern, Heilen, Gegner betäuben oder in Feuerbereitschaft gehen, so dass sie in der Alienphase Gegner aus Korn nehmen, die sich durch deren Sichtbereich bewegen). Ausgenommen sind schwere Waffen wie Scharfschützengewehre oder Raketenwerfer, die nur stationär eingesetzt werden können. Letztere können wie Handgranaten gar Wände einreißen, um Ziele für weitere Truppenmitglieder sichtbar zu machen. Um schneller vorzurücken, kann der bereits erwähnte Sprint ausgeführt werden, zweimaliges Bewegen, wohingegen weitere Aktionen entfallen.

Damit die Soldaten den Kampf überleben, sollten Deckungen optimal genutzt werden. Eine volle Deckung schützt die jeweilige Einheit gänzlich gegen gegnerischen Beschuss, während aus halber Deckung gefeuert werden kann, bzw. die Trefferwahrscheinlich seitens der Gegner sinkt. Auch die Vitalität der Truppenmitglieder spielt eine große Rolle. Bei schweren Verletzungen können sie in Panik ausbrechen, so dass sie sich unkontrolliert bewegen, im kommenden Spielzug nicht ausgespielt werden können, oder wild um sich ballern. Ebenfalls werden schwer verletzte Einheiten auf die Krankenstation verlegt, so dass sie mehrere Tage nicht zur Verfügung stehen und der Spieler auf niedriger gestufte Einheiten zurückgreifen muss.

So umfangreich das Spielsystem von „XCOM: Enemy Unknown“ ist und so viele Möglichkeiten es bietet, es gibt dem Spieler niemals das Gefühl, ihn zu überfordern.

Der Alien-Technik unterlegen

Auch über den einen oder anderen kleinen Bug kann man getrost hinwegschauen, so hat mein Scharfschütze nach der Bewegung von seiner Pistole Gebrauch gemacht, optisch aber sein Scharfschützengewehr abgefeuert. Untermalt wurde diese Aktion wiederum korrekterweise mit dem Pistolensound. Kleinigkeiten, die den Spielfluss nicht stören und bestimmt mit der Zeit bereinigt werden.

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Metal Gear Solid... als ich meinen ersten Kontakt mit der Serie damals hatte, habe ich den zweiten Teil nur bei einem Kumpel kennengelernt. So richtig verstanden, worum es da ging, habe ich auf Anhieb nicht und in Folge dessen war ich leicht abgeschreckt, bis ich immer wieder auf große Lobeshymnen im Internet gestoßen bin. Also ich dann spontan zum vierten Teil gegriffen habe, fand ich endlich einen Einstieg in dieses große Epos und war schwer beeindruckt von Hideo Kojimas eigenwilligen Erzähl-Stils. Aber viele Fragen blieben offen, da man bei so einem späten Einstieg auf zig Charaktere trifft und dank diverser Wikis nur wenige Lücken füllen kann. Deshalb kam ich via PSN dann doch noch einmal zum ersten Teil und konnte so ein wenig reinfinden.

In den letzten zwei Wochen bekamen wir dann netterweise Teil 2 und 3 aus der HD Collection als Testmuster und für mich somit eine weitere Möglichkeit, die Anfänge der Serie nachzuholen.

Kurzer Überblick bzw. warum Ihr MGS spielen müsst

Mal die 2D-Teile aussen vor gelassen, brachte bereits Metal Gear Solid damals auf der PlayStation die Erzählweise in Videospielen stark in Richtung Film voran. Cineastische Zwischensequenzen, ellenlange Dialoge, unter anderem durch die berühmten Gespräche per Funk und eine sehr ausgeklügelte, von Agentenfilmen beeinflusste Geschichte schafften über die letzten Jahre ein großes Metal Gear Solid-Universum, welches sich in so einem kurzen Artikel nicht einfach wiedergeben kann. Selbst der Macher muss sich in bis zu 75 Minuten (!) langen Zwischensequenzen Zeit nehmen, um Details zu erzählen. Dabei nehmen die Situationen und Gespräche teilweise sehr abstruse Formen an. Und etwas, was die Serie uns durchgehend beschert hat, sind wohl die gut durchdachten und kreativen, wie teilweise auch tragischen Endgegner. Wer vorhat, sich als Neueinsteiger in die Spielewelt einzulassen, wird viel Zeit für den Umfang mitbringen müssen. Und Geduld – wer sonst schon in Spielen Zwischensequenzen als etwas nervig empfindet, wird in den verschiedenen Metal Gear Solid Spielen auf die größte Herausforderung treffen.

Das Gameplay besticht mit einer großen Freiheit und starker Kontrolle der Hauptfiguren, welche der Spieler mit einer teils sehr komplexen und eigenwilligen Steuerung bezahlt, welche erst erlernt werden möchte und auch im Laufe der verschiedenen Teile erst richtig Form annehmen konnte. So hat man noch in Teil 1 und 2 leider nur eine sehr kleine Sichtreichweite aufgrund der fehlenden frei bewegbaren Kamera. Teil 3, also "Snake Eater" bekam dann in einer Neuauflage das erste Mal eine freie Kamera in der "Metal Gear Solid"-Reihe. Einige sprechen davon, dass der Anspruch dadurch auch etwas gesunken sei, aber mir kam das sehr entgegen.

Jedenfalls machte diese Steuerung in Verbindung mit der Erfindung des Stealth-Action Genre "Metal Gear Solid" zu einem Pionier, welcher heutzutage unzählige Spiele beeinflusst hat.

Zwischen "Sons of Liberty" und "Snake Eater"

Nach den Ereignissen aus dem ersten (3D-) Teil, wird der Spieler nach kurzer Einführung als Snake in "Sons of Liberty" in die Rolle des jungen androgynen Raiden gesteckt, was bis heute einige Fans irritiert abgeschreckt hat. Das Spiel findet dann überwiegend auf einer Bohrinsel ab. In "Snake Eater" dagegen spielt man die Anfänge in der Vergangenheit und lernt den originalen "Naked Snake" kennen und liefert sich einen Überlebenskampf im Dschungel ab. In letzterem schafft Kojima wohl auch eins der besten Enden der Videospiel-Geschichte... allein das darf man sich eigentlich nicht entgehen lassen.

Eine der besten Dinge an den "Metal Gear Solid"-Spielen sind wohl die kleinen Eastern Eggs und besonderen Geheimnisse: Ob sich Snake nun übergeben muss, weil man ihn im Menü zu lange gedreht hat, die Opening Sequenz interaktiv beeinflusst, Geister versteckt wurden, ein Endboss einfach an Altersschwäche stirbt, wenn man sich ewig Zeit lässt, ... findet es besser selber heraus, denn die Liste ist lang!

Screenshots

Besondere Features in der HD Collection

Gerade als schon lange überlegender Neueinsteiger hat man hier eigentlich keinen Grund mehr, es nicht mal auszuprobieren. Die 3D-Spiele kommen heute in sehr flüssiger 720p-Auflösung daher und wurden für den heimischen Dolby Digital Surround-Sound noch einmal aufbereitet. Wie bei allen HD Collections winken hier auch wieder Trophies im PSN. Technisch also im großen und ganzen eigentlich schon sehr solide, auch wenn es in Snake Eater vereinzelnd zu Rucklern in den Zwischensequenzen kommt. Es gibt auch die Möglichkeit Spielstände zwischen PS3 und PS Vita zu synchronisieren, allerdings konnte ich das leider nicht testen. Bei der MGS HD-Collection hätte ich mir zusätzlich eigentlich noch die CrossBuy-Funktion gewünscht.

Musik und Sprachausgabe

Trailer

Praktische Link-Tipps

• Metal Gear Wiki
• Retrospektive auf GameTrailer.com (englisch)

Wir bedanken uns recht herzlich bei Konami Digital Entertainment für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

In Hell Yeah! schlüpft Ihr in die Rolle von Ash, des Titel gebenden toten Karnickels. Äußerst gesellschaftskritisch erzählt Euch das Spiel, dass dezent prekäre Bilder in einer gesanglich unterlegten Badesession mit Quietsche-Entchen ins Internet gelangt sind. Also in den Bereich des Internets, der aus der Unterwelt aus erreichbar ist. Mit Schrecken stellt Ihr fest, dass Euer Foto binnen kurzer Zeit 100 Views aufweist. Die Mission ist klar: Jede Person besitzt Rechte am eigenen Bild. Ash muss einen Anwalt finden, der seine Rechte vor einem Gericht durchsetzt und die Täter... SO EIN QUATSCH! Um die weitere Verbreitung von Spot und Häme zu stoppen, müssen die 100 Bildbetrachter einfach umgebracht werden. Challenge accepted!

In guter old-schooliger Jump'n'Gun-Manier gilt es abwechlungsreiche Levels in verschiedenen unterweltlichen Themenbereichen nach eben jenen 100 Monstern zu durchforsten, die Euch beim Baden bis auf die Knochen gucken konnten. Dabei wird Ash recht früh auf seiner Mission mit einer fahrbaren Kreissäge und einer Feuerwaffe ausgestattet. Erstere erlaubt es ihm, sich durch bestimmte Wände hindurch zu graben oder auch spektakuläre Schönheitskorrekturen an Gegnern vorzunehmen. Letztere ist unverzichtbar, um bestimmtes Monsterviehzeugs auf Distanz zu halten. Denn obwohl Ash bereits tot ist, kann er durchaus nochmals hops gehen und Euch an den jeweils letzten - mitunter weiter entfernten - Checkpoint zurück teleportieren.

Schräg, schräger, Hell Yeah!

Kleiner Einschub für hier anwesende Kinder: Die Monster sind nicht wirklich tot danach. Sie dürfen für Euch auf einer speziellen Insel zur Zwangsarbeit eingeteilt werden, um Ash mit Bonus-Items und Power-Ups zu versorgen. Ebenso dürfen die Monster Geld verdienen, dass sie Ash schicken, damit dieser in Ingame-Shops Upgrades für seine Kreissäge und Waffen kaufen kann. Passend zum restlichen schrägen Humor darf das Kreissägen-Fahrzeug auch durch den Erwerb von Skins optisch den eigenen Bedürfnissen angepasst werden. Statts Säge lieber einen Donut durch's Level fahren? Gerne doch. Auch Ashs Kopfverkleidung darf durch dutzende Accessoires aufgehübscht werden.

Spielerisch erinnerte mich Hell Yeah! streckenweise an die alten 2D-Metroids. Sitzt Ash auf seiner Kreissäge, kann er recht hohe Sprünge gefolgt von einer kurzen Flugphase absolvieren. Durch spezielles Material kann er sich in alle Richtungen (also auch aufwärts) graben. Neben der Säge-Funktion hat Ash noch eine Primär-Waffe ausgerüstet, die entweder Raketen, Granaten oder andere Projektile verschießt. Während das erste Level noch einem Spaziergang gleicht und viele Dinge nebenbei erklärt, steigt der Schwierigkeitsgrad und Anspruch im zweiten Level schon deutlich. Im weiteren Verlauf werden euch sogar fahrbarer Untersatz und Waffe vorübergehend wieder weggenommen, wodurch die einzige Möglichkeit, Monster zu besiegen, darin besteht, die Umwelt und andere Gegner einzubeziehen. Neben plumper Baller-Action ist hier auch Köpfchen gefragt. Radar und Mini-Map helfen bei der Orientierung in den recht weitläufigen Levels.

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Dead or Alive 5 aus Sicht eines Serien-Neueinsteigers.

Zuletzt erschien nun auch endlich ein neuer Nachfolger der Serie "Dead or Alive", welche mir der Kollege Benny schon seit Jahren ans Herz legen wollte. Viele Reviews da draußen fallen recht kritisch aus: Zu wenige Neuerungen, zu schwache Technik und eine uninteressante Story werden angekreidet. Ich hab mir alles angeschaut und bin doch eher sehr positiv überrascht.

Das Kampfsystem - Neulinge und Profis sind willkommen

Nette Optik, klassisches Gameplay

Was Eye-Candy angeht, so belohnen uns Team Ninja mit sehr schönen Animationen und viel Action. Zwar kommen die Hintergründe nicht ganz an die sowohl technische, wie auch artistische Qualität anderer Spiele heran, bieten aber dafür jede Menge Platz und Interaktion, um den Duellen die nötige Abwechslung zu bringen. Das Highlight sind wohl neben den Animationen dann die Charaktermodelle: Anfangs war ich zwar noch etwas skeptisch, aber letztendlich bin ich mittlerweile ein großer Freund der "Dead or Alive"-Kämpfer (Dummerweise hatte ich mir einmal den dämlichen Film angeschaut und hatte vorab kein gutes Bild der Charaktere bekommen...). Natürlich fällt eine besondere Detailverliebtheit bei den weiblichen Personen mitsamt ihrer Proportionen und Rundungen auf, aber zwischen der großen Auswahl dürfte jeder seinen Favoriten finden. Dass drei "Virtua Fighter"-Charaktere dazu gekommen sind, hat mich zudem auch sehr gefreut, auch wenn sie nur alte Stimmsamples benutzen durften.

Allerlei Modi im Gepäck

Online mit Problemen und leider langweiliger Soundtrack

Trailer

18 Jahre alt und noch immer Jungfrau? Ein echter Alptraum für den High-School Schüler Ian, der in seiner misslichen Lage bereits häufiger Witze einstecken musste. Zum Glück hat er noch seine besten Freunde Felicia und den Frauenschwarm Lance an seiner Seite, die ihn jederzeit mit Rat und Tat zur Seite stehen. Von den Frauen zu häufig belächelt, flüchtet sich Ian in die weiten Welten des Internet-Datings und schafft es dort mittels einer Foto-Retusche und ein paar Tipps durch Lance, tatsächlich bei einer Frau zu landen. Von seinem Glück völlig überrmannt entschließt sich der jungfäuliche Knabe dazu seinen Internet-Schwarm  zu besuchen, doch das ganze hat einen Haken:  Ian stammt aus Chicago und seine Angebetete aus Knoxville. Davon nicht entmutigt "borgt" sich Ian kurzerhand den Wagen seines Bruders und macht sich mit Lance und Felicia im Schlepptau auf die Reise nach Knoxville. Dass da nicht alles glatt gehen wird, kann man sich ja denken.

Von Geilheit und Freundschaft

Zum Schluss hin ist noch ein sehr stimmiger, nett anzuhörender Soundtrack, der eine Mischung aus dem modernerem Alternative und dem Punk aus der "American Pie" Zeit ist. Als besonderes schmankerl gibt es für die, die sie kennen auch noch einen kurzen, aber wirklich schönen Auftritt der Band Fall Out Boy, die in dem Film auch noch eine kurze, aber sehr lustige Rolle einnehmen dürfen.

Trailer (Englisch)

Der Freeware Rollenspiel-Hit soll zurückkehren

Der eine oder andere Leser kennt sicherlich den RPG-Maker 2000: Eine kostenlose Software aus Japan, die vielen Hobby-Entwicklern seit Jahren ermöglicht, ihre eigenen SNES-Style RPGs zu erstellen, welche sich großer Beliebtheit erfreut. Durch zahlreiche Auftritte als Beilage auf Zeitschriften-CDs und durch seinen damals großen Hype wurden die "Vampires Dawn"-Spiele ziemlich berühmt. Die Serie zeichnet sich bereits seit Beginn an durch seinen bösen Humor aus und kombinierte eine außergewöhnlich packende Geschichte mit einer großen, komplexen Oberwelt und ziemlich vielen Dungeons und teils ungewöhnlichen Spielideen, wie z.B. ein "Burg Eroberungs-System" in Teil 2.

Nachdem der Erfinder sich aus der Spiel-Entwicklung zurückgezogen hatte und auf mehrfache Nachfragen keinen Teil 3 in Erwägung gezogen hat, will er durch das momentan gut anlaufende Crowdfunding à la Kickstarter einen Versuch wagen, das Franchise wieder zu beleben, nachdem Fans mit ihren zahlreichen Versuchen einen dritten Teil in die Hand zu nehmen gescheitert sind. Für Neueinsteiger lohnt sich hier auch ein Blick: Das Spiel soll nicht nur unbeantwortete Fragen aus den Vorgängern aufgreifen, sondern so gestrikt werden, dass die wichtigsten Ereignisse aus den Vorgänger erneut eingebunden werden. Fans der Reihe erleben dabei die Geschichte aus einer neuen Perspektive.

In LittleBigPlanet PS Vita (sic!) wird die altbewährte Rezeptur angewandt, deren Zutaten sich seit dem ersten LittleBigPlanet nicht geändert haben: In einem mit Märchen-Onkel-Stimme unterlegten Intro-Film, sehen wir Kinder - oder Erwachsene, die im Herzen Kind geblieben sind - deren Gedanken sich in kreativen Ideen verlieren. Kurz darauf erhalten wir die Kontrolle über eine unkostümierte Rohform einer Sack-Figur, dem Maskottchen der Serie. Die Grundsteuerung wie Laufen und Springen wird erlernt, während im Hintergrund die Namen der Produzenten, Entwickler, Grafiker und Sound-Ingeneure kreativ bis erheiternd präsentiert werden. Eine gute wie schlechte Nachricht an dieser Stelle vorweg: An der Steuerung und dem Trägheitsgefühl der Sack-Figur hat sich nichts geändert. Das führt einerseits dazu, dass sich die PS Vita Ausgabe des Sackboy ganz genauso, wie auf der großen Konsole anfühlt, wird die Kritiker aber wieder laut werden lassen, die sich mit dieser Trägheit nicht anfreunden können.

Klassische Rezeptur

Tippen, Wischen, Neigen, Kippen

Kurz und knapp die Welt retten

Wie schon bei den PS3-Vorlagen bietet auch die PS Vita Version einen Online-Multiplayer, bei dem bis zu vier Spieler die Story-Levels kooperativ bewältigen können. Auch diesmal gibt es spezielle Bonus-Bereiche in den Levels, die man als Einzelspieler nicht erreichen kann. Neu ist allerdings, dass es nun maximal zwei und nicht mehr bis zu vier Spieler benötigt, um diese Bereiche zu erforschen und weitere Preisblasen einzusammeln. Neben der Story lassen sich noch witzige Versus-Levels gegen menschliche Kontrahenten spielen

Übrigens zeigen die abermals vorhandenen Neben-Levels mit ihren Minispielen, welch weites Betätigungsfeld der Community mit LittleBigPlanet PS Vita offen steht: Viele der zum Teil auch mit hochkant gehaltener Vita gespielten Mini-Levels, erinnern frappierend an iOS oder Android Spiele, die dazu beigetragen haben, heutige Smartphones als Spieleplattform zu etablieren. Ich kann mir vorstellen, dass sich unter den Community-Levels bald jede Menge Remakes von bekannten Smartphone-Spielen finden werden und für jede Menge Unterhaltungsnachschub sorgen.

Mächtiger Editor noch mächtiger

Ein neues Element des Editors möchte ich den Lesern, die für Level-Bau etwas übrig haben, ganz besonders ans Herz legen: Der "Merker". Dieser erlaubt es, Dinge zwischen zwei Level-Besuchen persistent zu speichern. Wo sich findige Level-Bauer in den Vorgängern mit einer Kodierung innerhalb der Punktzahl beholfen haben und Informationen so auch nur über Level-Verbinder weitergereicht werden konnten, gibt es nun schlicht den "Merker". Alle Merker, die dieselbe Bezeichnung tragen, greifen auf die gleichen Informationen zu. Das erlaubt es, das aus Smartphone-Spielen bekannte Konzept in LittleBigPlanet zu realisieren: Für ein kleines Level erhaltet ihr eine Stern-Bewertung und schaltet das jeweils nächste Mini-Spiel frei. Verlasst ihr das Level und betretet es erneut, macht ihr an genau dieser Stelle weiter. Bereits in LittleBigPlanet 2 gab es viele interessante Ansätze kleiner RPGs, die aber allesamt daran krankten, dass man mit jedem Level-Neubesuch von vorne anfangen musste. Ich bin sehr gespannt darauf, welche tollen neuen Kreationen die sehr aktive LBP-Community hervorbringen wird.

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Was der Sinn des Lebens ist? Eine abgedroschene Frage… Viel interessanter wäre doch der Sinn des Todes. Man geht zur Schule, findet Freunde, gründet eine Familie. Man tut alles, um seine Existenz aufzubauen, die irgendwann unwiederbringlich endet. Soll man das akzeptieren, wenn die Stunde gekommen ist? Oder sollte man gegen Gottes Urteil rebellieren?

Der Kampf gegen Gott und die (Toten-)Welt

Otonashi kann Yuris Worten kaum Glauben schenken. Schließlich rappelt er sich auf, um mit dem Engel zu reden. Auch sie versucht ihm zu erklären, dass in dieser Welt alle Menschen tot sind und hier niemand wirklich sterben könne, so dass Otonashi verärgert einen Beweis fordert, der nicht lange auf sich warten lässt. Der Engel lässt eine Klinge aus dem Nichts erscheinen und sticht Otonashi brutal nieder. Als er im Krankenzimmer aufwacht, dauert es nicht lange, bis er sich dafür entschließt, der „Sterben-ist-schrecklich-Front“ beizutreten, um gegen sein Verschwinden anzukämpfen.

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Ein Wechselbad der Gefühle

Nicht zuletzt wirft „Angel Beats“ diverse philosophische Fragen auf, ohne zu viele Antworten zu liefern, so dass der Zuschauer auch nach dem Ende über die Serie nachdenkt und den einen oder anderen Gedanken über den Anime hinaus mitnimmt.

Trailer

(Die Serie ist mit deutscher Synchronisation erhältlich!)

Das Indiespiele-Packet sind zurück!

Bezahl-Methoden von PayPal, Amazon und Google sind vorhanden und sollten selbst hier in Deutschland keine große Hürde mehr darstellen.

Aber Achtung: Dieses Angebot ist, wie immer, zeitlich begrenzt. Also wer jetzt Interesse hat, schnell zugreifen.

Spiele-Trailer

Und hier geht's zum Bundle!

Gerade einmal drei Wochen ist es her, dass ich Euch über das grandiose Retro/Grade berichtet habe. Als gäbe es eine Videospiel-Verschwörung, die es auf die Gesundheit meiner Finger und/oder die Haltbarkeit meines Controllers abgesehen hätte, hat nun Harmonix Rock Band Blitz veröffentlicht, dass ich Euch ans Herz legen möchte, falls Ihr etwas für Rhythmus-Spiele übrig habt.

Früher war mehr Controller

Highway to Highscore

Die auswählbaren Extras teilen sich in drei Kategorien auf: Eine aufladbare Spezialfähigkeit, für deren Einsatz zunächst bestimmte weiße Noten in ausreichender Menge getroffen werden müssen. Eine Sondernoten-Fähigkeit, bei der eine einzelne Note getroffen werden muss, um eine Reaktion auszulösen. Und eine Spur-Fähigkeit, die für eine bestimmte Spur (Drums, Bass, Gitarre, Gesang, Keyboard) die Punktzahl verdoppelt. Unter den aufladbaren Fähigkeiten findet sich zum Beispiel der Band-Kumpel, der für eine begrenzte Zeit eine von Euch ausgewählte Spur selbständig und perfekt mitspielt oder ein Joker, bei dem Ihr für kurze Zeit nach Aktivierung alle Noten einer Spur richtig reffen müsst, um für diesen Abschnitt die dreifache Punktzahl zu erhalten. Hinter den lila flackernden Sondernoten können sich zum Beispiel kleine Bomben verbergen, die alle Noten in einem Umkreis abräumen oder eine Flipper-Kugel, die durch Wechsel der Spuren im Spiel gehalten werden muss, um dafür Punkte zu kassieren. Bevor es allerdings zum Einsatz der Extras kommen kann, müssen diese zunächst durch Sammeln von Blitz-Cred - eine Art Erfahrung - freigeschaltet und mit gesammelten Coins gekauft werden. Blitz-Cred und Coins gibt es einfach für jedes Spielen von Songs.

Coins? Coins!

Und meine Freunde?

Mit Rock Band Blitz steht Euch nahezu die komplette Rock Band Song-Bibliothek mit über 2400 Titeln zur Verfügung, natürlich gegen Aufpreis. Neue Songs sind einzeln oder teilweise als Bundles für einen Obulus zwischen 79 Cent und 1,49 Euro zu erwerben. Im Umfang von Rock Band Blitz sind 25 Songs verschiedener Genres enthalten, zudem gibt es ein Gratis-Rock Band 2 DLC mit 8 weiteren Songs. Musik-Enthusiasten, die bereits Rock Band 3 ihr Eigen nennen und lieber auf den Plastik-Instrumenten herumhacken, dürfen sich übrigens das Blitz Song-Paket gratis herunterladen und in Rock Band 3 spielen. Übrigens startet Harmonix in dieser Woche einen riesigen Sale, bei dem über 1.100 Songs und ausgewählte Bundles um bis zu 50% günstiger sind!

Trailer

Wir bedanken uns recht herzlich bei Harmonix Music Systems für die freundliche Bereitstellung des Rezessionsexemplares.

"Krieg" hatte seinen Spaß. Nun ist es an der Zeit, "Tod", einen weiteren Reiter der Apokalypse, zu entfesseln! Ermöglichen tut Euch das dieses Jahr wieder die Spieleschmiede Vigil Games, die sich bereits vor knapp zwei Jahren für "Darksiders" verantwortlich nennen durften. Von vielen Spielern anfangs kaum beachtet, entpuppte sich der Vorgänger zu "Darksiders 2" als echter Geheimtipp. Nicht selten hörte man sogar Vergleiche zu Nintendos Action-Adventure "Zelda". Hinken tun diese Vergleiche nicht, denn "Darksiders" benutzte viele ähnliche Spielmechaniken, sowie ein umfangreiches "Rätseln im Dungeon-System". Inwiefern man ein so gutes Spiel wie "Darksiders" erweitern und ob sich dies alles nahtlos in das Spieleerlebnis Einfügen konnte, das sage ich Euch jetzt!

Mach mir den Prinz von Persien

Eine Menge Freude hat man auch an dem schönen und abwechslungsreichen Kampfsystem. Mit zwei kurzen Sensen, einer frei wählbaren Sekundär-Waffe und mit einem Revolver bewaffnet, macht Ihr mit samtig-weich animierten Kombinationen den Monstern den Garaus. Sollte es mal nicht so gut für Euch laufen, bleibt immer noch der mächtige "Reaper-Modus". In diesem wird  der sympathische Sensenschwinger zum Kuttenträger persönlich und lässt den Boden unter sich erzittern! Und damit das auf Dauer nicht langweilig wird, spendierte man dem Knochengesicht noch einen umfangreichen Skill-Tree, bei dem Ihr Euch verschiedene Fähigkeiten erkaufen dürft! Schlussendlich wird auch an die Sammler unter Euch gedacht! So verkommen viele Gegner regelrecht zu Pinatas, die nach einem erfolgreichen Kampf verschiedenste Items fallen lassen, welche Ihr "Tod" anlegen könnt. Waffen, Schuhe, Roben, Handschuhe. Euren eigenen Vorlieben sind beinahe keine Grenzen gesetzt.

Bunt, Bunter, Tod

Doch damit erstmal genug mit den Lobgesängen. Zum Ende hin muss ich leider noch etwas Kritik an "Darksiders 2" üben. Das erste Manko, das ich dabei ansprechen möchte, ist die zwar schön anzusehende, aber gleichzeitig sehr große Oberwelt. Die Laufwege zwischen den Dungeons entpuppen sich häufig als echte Marathon-Strecken, die einem teilweise länger als ein durchgekautes Kaugummi vorkommen. Natürlich gibt es da noch "Verzweiflung", Euren treu ergebenen Gaul. Doch leider ist dieser, trotz in die Seite gehauenen Sporen, sehr träge. Eine kleinere, übersichtlichere Oberwelt oder ein schnelleres Pferd wären hier ein guter Mittelweg gewesen. Übersichtlichkeit ist bei "Darksiders 2" generell ein kleines Problem, denn obwohl man dem Spielverlauf gut folgen kann und trotz der tollen Hilfe durch die "Was bisher geschah"-Einblendungen in den Ladezeiten, weiß man oft nicht, wo man denn gerade hin soll, um seine Hauptaufgabe zu erfüllen. Das wird teilweise sehr frustig und geht bis hin zum Motivationsverlust. Doch wen diese Punkte nicht stören, der wird mit "Darksiders 2" satte 10 - 20 Stunden Spielspaß erleben können!

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Wir bedanken uns ganz herzlich bei THQ für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

++ Eilmeldung: Die Tokioter Bürger werden eindringlich davor gewarnt, ihre Wohnungen und Häuser zu verlassen. Aus bislang unbekannten Gründen verhalten sich die einstmals besten Freunde des Menschen, ihre Haustiere, auffällig aggressiv, bilden Rudel und haben bereits etliche Einwohner verletzt und getötet. ++ Update: Mittlerweile sind die Straßen der japanischen Metropole menschenleer, die Hauptstadt befindet sich nunmehr in den Fängen der Tierwelt. Es herrscht ein täglicher Kampf ums Überleben.

Vom Stealth-Action-Küken bis hin zum König des „Tokyo Jungle“

Der Kreislauf des Lebens

Es gilt also vieles zu beachten, während diverse Herausforderungen gemeistert werden müssen und einem der virtuelle Tod im Nacken hängt. Hier ist taktisches Vorgehen und eine gewisse Voraussicht vonnöten. Die Herausforderungen sind nämlich an die verstreichenden Jahre geknüpft und teils ortsgebunden. Weite Routen kosten Zeit, Gebiete, in denen es nichts mehr zu fressen gibt, bedeuten schnell ein jähes Ende. Es ist die ständige Gefahr, die den den Reiz von „Tokyo Jungle“ ausmacht, wie man sich durch das raue Stadtdschungelleben durchbeißt und Tiere freischaltet – bestenfalls sogar zu zweit, vor einem Fernseher. Der Koop-Modus ist ein besonderer Motivationsleckerbissen. Zwei Spieler können je ein Tier wählen, sogar die Kombination aus Fleisch- und Pflanzenfresser ist möglich, um sich bei den Herausforderungen perfekt zu ergänzen. Sehr schön!

Endzeitstimmung in Tokio – schön aber schweigsam

Schade nur, dass die Handlung der ansonsten gelungenen wie frischen Präsentation etwas hinterherhinkt. Im Überlebungskampf bringen Storyschnipsel mehr und mehr Licht ins Dunkel, was in Tokio vorgefallen ist, während man im Storymodus tierische Einzelschicksale meistert, so zum Beispiel das eines Rehkitz, welches seine Mutter sucht. Dennoch wirkt die Handlung insgesamt eher aufgesetzt. Keine visuellen Rückblenden, keine akustischen Aufnahmen – hier wäre in Sachen Dramaturgie weit mehr drin gewesen.

Trailer

Wir bedanken uns ganz herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

Ihr könnt mit Baseball nicht so richtig etwas anfangen? Nun, ich ebenso wenig. Den japanischen Trashfilm "Battlefield Baseball" solltet Ihr Euch allerdings vielleicht doch etwas näher anschauen, denn er schafft es, in seinen 87 Minuten eine Geschichte um das Thema Baseball zu erzählen, ohne ernsthaft ein richtiges Baseballspiel zu zeigen. Stattdessen hauen Euch die Macher jede Menge platter Witze, fast schon Referenz-Overacting und bekloppte, blutige Kämpfe gegen Baseball-Zombies um die Ohren.

Jubeh Baseball, der Held der Seido High School

Dem Film sieht man seine Manga-Ursprünge deutlich an der Machart an: Es gibt praktisch gar keinen Realismus, die Physik ist völlig daneben und die Geschichte ist voller Anschlussfehler (Teils scheinbar auch gewollt?). So ziemlich nichts an diesem Film hier wirkt gekonnt. Weder gute Effekte, noch gute Witze erwarten den Zuschauer. Ich kann nicht ein mal wirklich sagen, ob die Macher es nicht besser können, oder ob sie nur augenzwinkernd den Film an gefühlten zwei Wochenenden in einer Schule gedreht haben, ohne auch nur ein Stück davon ernst zu nehmen. Inhaltlich könnte es kaum mehr Banane sein, wenn man sich zwischen Hammer schwingenden Omis, Zombies mit einem Make Up auf Schultheater-Niveau, oder völlig unpassenden Gesangseinlagen irgendwann ernsthaft fragt, was sich die Japaner hier gedacht haben.

Ein waschechter Must-See für Trash-Liebhaber

Am Ende des Films habe ich weder was gelernt, noch im Ansatz ein großes Gefühlsspektrum durchlebt, geschweige denn irgendwie verstanden, wieso ein Film aus dem Jahre 2003 so alt und billig aussehen kann. Mein Leben wird sich durch "Battlefield Baseball" nicht verändern, aber was bitte erwartet man für einen 3 Euro Film? Für einen witzigen Couch-Abend mit Freunden eignet sich dieser abgedrehte Streifen ziemlich gut.

Trailer

Ein frischer Wind weht durch die Hardcore-Szene. "Obey the Brave" nennt sich die stürmische Kombo, die sich aus dem ex-"Despised Icon"-Frontmann Alex Erian und den beiden ex-"Blind Witness"-Gitarristen John Campbell und Miguel Lepage zusammensetzt. Verstärkung kriegen die drei Hochkaräter durch den Gitarristen Greg Wood und dem Drummer Steve Morotti. Gemeinsam brachte das Gespann bereits im März diesen Jahres eine EP auf den Markt, die als Download und Vinyl erschien, um den neugierigen Hörern schon einmal einen Vorgeschmack auf das zu geben, was uns am 28ten August erwarten würde.

Rythmus rauf - Härte runter

Klein aber Oho?!

Hörprobe

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Alles beim Alten geblieben?

Gelungener Finger-Ersatz

Routen-Planung und Mikromanagement

Die Mischung macht's

Hach, der GameCube. Zehn Jahre hat er nun schon auf dem Buckel. Und neben den „Resident Evil“-Teilen, wegen denen ich den (schwarzen) Würfel überhaupt (pünktlich zum Release) gekauft habe, befinden sich heute nur noch vereinzelte Cube-Spiele in meiner Sammlung. Darunter auch der Launch- und Nischentitel „Extreme G3“, den ich seit längerem mal wieder entstaubt und angeschmissen habe.

Ab durch die Schallmauer

Mit einer anfänglichen Spitzengeschwindigkeit von 400 km/h lernt man zunächst minder gemächlich die neun verschiedenen Pisten kennen. Bekommt schnell ein gutes Gefühl für die Bremsklappen, mit denen man im Stil von „WipeOut“ die Distanz zur Streckenbegrenzung per Schultertasten wahrt und gekonnt die Ideallinie in der Kurven hält. Auch entdeckt man schnell jene Streckenabschnitte, in denen man den Turboboost optimal ausnutzen kann, um die Konkurrenz hinter sich zu lassen. Der Turboboost ist übrigens ein zweischneidiges Schwert: Zum einen gewährt er einen ordentlichen km/h-Überschuss, zum anderen zehrt er von der Schildenergie, die, wenn sie erschöpft ist, zum vorzeitigen Ausscheiden führt.

Von Liga zu Liga zieht die Schwierigkeitsschraube fester an. Neue Motorenklassen hieven die Geschwindigkeiten zusehends über die 700 km/h-Marke, ohne den Einsatz des Turboboosts, und ermöglichen alsbald den wirklich klasse umgesetzten Durchbruch der Schallmauer: Nach einem lauten Knall verstummt der Motorensound, während der Fahrtwind an einem vorbeisaust und eine weibliche Stimme eindringlich den Zustand des Fahrzeugs kommentiert.  Durch die enorme Geschwindigkeit wirken die eingangs breiten Strecken immer schmaler. Gegner erhalten Zugriff auf Waffen. Die Gefährlichste unter ihnen sind die „Bouncing Bennys Typ 22“, umherspringende Minen, die beim Treffer einerseits viel Schildenergie kosten, andererseits auch den Gegner abrupt abbremsen, so dass er wertvolle Zehntelsekunden verliert. Ich persönlich investiere die begrenzte, aber aufladbare Munition, in Kombination mit dem Heckblaster, für zusätzlichen Schub, da es sehr schwer ist, die Gegner bei den aberwitzigen Geschwindigkeiten überhaupt noch mit Raketen & Co. zu treffen.

Auch heute noch faszinierende Streckenführung

Während hier und da Schnee und Regen die Sicht ins Bild peitschen und die Sicht einschränken, sind es die vielen steilen Berganfahrten, Loopings, Schrauben, Schanzen und Unterwasserröhren, die die Rennbahnen spielerisch, wie optisch stark voneinander unterscheiden und keine Langeweile aufkommen lassen. Hier könnten sich auch heutige Future-Racer eine ganz dicke Scheibe von "Extreme G3" abschneiden. Gäbe es überhaupt noch welche, denn leider steht dieses Genre vor dem unverdienten Aus.

Spieltrailer (PlayStation 2)

Seitdem im Jahre 2008 das Jump 'n' Run "Little Big Planet" von Media Molecule auf die PlayStation Besitzer losgelassen wurde, kommt es neben dem zweiten Teil und einem PSP-Ableger jetzt zu einer Fortsetzung für die PlayStation Vita. Es ist vielleicht Zeit, einen kleinen Rückblick auf die Serie zu wagen.

Der erste Schritt des Sackjungen

Der Multiplayer-Aspekt war auch einigermaßen gelungen: Bis zu vier Spieler konnten sich vor (oder durch das Internet hinter) der Konsole versammeln und zusammen durch die Levels laufen. Wie in fast jeden Spielen dieser Art kam es natürlich auch zu einem gewissen Chaos, wenn die Spieler nicht alle das selbe Level an Erfahrung haben. Aber zwischen Gestik, Kostümen, Dekorieren, Rumschubsen und Schlagen entstand schon ein großer Spaß auf gemeinsamen Couch-Abenden. Zudem war es teilweise erst durch mehrere Spiele möglich, alle Preisblasen in den Levels zu holen, indem alle Spieler zusammenarbeiten und sich absprechen mussten.

Probleme mit der Steuerung

Little Big Planet 2

Dank DLC kam es nicht nur zu witzigen, kostenlosen, aber auch überteuerten Kostüm-Packs, eine "Metal Gear Solid" Erweiterung bot das erste Mal eine Schusswaffe (Paintball-Pistole) und eine Move-Unterstützung und "LBP Prehistoric Moves" wurde auch nachgereicht. Witzig waren auch die Disney-DLCs "Piraten der Karibik" und "Muppets". Für jeweils 5,99 EUR bekam man hier nicht nur massig neue Materialien, Sticker, Dekos, Kostüme, Sounds, Musikstücke und Hintergründe, sondern auch Level, die wirklich liebevoll und detailreich gestaltet wurden. Als ein weiteres Update erwartet uns dann bald ein Einsatz der PS Vita als Controller via CrossPlay, mit dem man bereits einen guten Vorgeschmack auf ein Wii U Erlebnis bekommen wird. " type="application/x-shockwave-flash">bald ein Einsatz der PS Vita als Controller via CrossPlay, mit dem man bereits einen guten Vorgeschmack auf ein Wii U Erlebnis bekommen wird. " />

Coole Levels, weswegen LBP noch einmal in die Konsole wandern sollte

Best Mortal Kombat Level ever! (hat eigentlich nichts mit den Videospielen zu tun, unbedingt im Multiplayer spielen!) http://lbp.me/v/-2sqjm

Richtig coole Action-RPGs gibt es vom User Felkroth

http://lbp.me/u/Felkroth/levels

Ein wahres Highlight war wohl die Zusammenarbeit aus dem NeoGAF-Forum (ein riesiges, berühmtes Videospiele-Forum):

Und das hier ist auch sehr schön:

Hansel & Gretelbot Trailer - Ein weiteres Community Project

Ansonsten lade ich Euch auch einfach direkt noch mal zum Stöbern am Rechner ein auf http://lbp.me/

Einigen dürfte der Deutschland-Start des neuen Nexus 7, dem Google/ASUS-Tablet für attraktive 199 Euro, nicht entgangen sein. Für einen professionellen Hardware-Test gibt es genügend alternative Reviews im Netz, doch da der Android-Store (aka. Google Play) sich langsam gemausert hat und vielleicht einige unserer Leser zuhause an ihrem HTPC werkeln, berichte ich heute mal über angenehme Features eines Tablets auf der Couch.

Braucht man nicht! Will man aber haben.

Insgesamt aber habe ich kaum was zu meckern. Die Sound-Qualität des verbauten Lautsprechers fällt nicht gut aus, gerade im Vergleich zu Sonys PS Vita, außerdem ist das Display ist ein wenig dunkel und schluckt in den hellen Bereichen feine Übergänge. Für den Outdoor-Einsatz halte ich das Tablet ja sowieso nicht so geeignet dank Spiegelungen, daher sage ich mal: Wer es in der Wohnung im Bett oder auf der Couch benutzt, wird wohl keine Probleme mit dem Display haben. Eine Besonderheit ist wohl, dass es das erste Tablet ist, wo der Browser Chrome standardmäßig vorinstalliert ist, plus die neueste Version des Android OS.

Kritikpunkte liest man in allen Reviews: Es fehlt UMTS, d.h. unser einer muss auf Reisen mit seinem Smartphone nachhelfen, um das Tablet online zu bekommen. Eine Kamera auf der Rückseite wurde nicht verbaut, die Anschlüsse begrenzen sich auf Micro-USB und Klinke (also kein HDMI) und es fehlt ein Micro SD-Karteneingang. Letzteres ärgert viele potenzielle Käufer, da nur eine 8 und eine 16 GB Version zur Verfügung steht.

Man merkt, es wurde an ein paar Ecken gespart. In meinem Fall komme ich mit den Kompromissen aber gut klar, denn ich plane folgenden Einsatz für mein Nexus 7:

1. Remote-Apps für Musikplayer und XBMC auf dem HTPC
2. Surfen auf der Couch
3. Gestreamte Bilder anschauen via Pinterest, Dropbox
4. Musik streamen vom HTPC in ein anderes Zimmer
5. Comics/Bücher/Magazine kaufen und lesen
6. Mobiler Einsatz in Ausnahmefällen
7. Spiele vom Android-Marktplatz

1. Remote-Apps für Musikplayer und XBMC auf dem HTPC

Im Gegensatz zur kabellosen Tastatur mit Touchfläche, scheint man, mit den Remote Apps schöne Alternativen zu haben. Allerdings sind die Wenigsten auf eine Tablet Oberfläche ausgelegt und manchmal unscharf oder hässlich im Design.

2. Surfen auf der Couch

Allerdings fängt auch dort das Problem mit nicht optimierten Seiten an, deshalb rate ich Euch Webseiten wie Golem, Kotaku oder CouchCastle mit der App Google Currents zu lesen.

3. Gestreamte Bilder anschauen via Pinterest, Dropbox

4. Musik streamen vom HTPC in ein anderes Zimmer

5. Comics/Bücher/Magazine kaufen und lesen

Aber auch dort gibt es neue Konzepte: Der deutsche Comiczeichner Daniel Lieske bietet seine "The Wormworld Saga" kostenlos als App an und ermöglicht ein komplettes Lesen, welches Ihr aber als "Collector's Edition" finanziell unterstützen könnt. Als Goodies schalten sich dann tolle Features frei, wie Audiokommentare, einen "Skizzenmodus" benutzen und Reinzoomen kann man dann auch. Ein schönes Konzept, welches hoffentlich auch unterstützt wird. Denn die Qualität des Comics ist über jeden Zweifel erhaben.

Nächster Schritt: Bücher in Google Play kaufen. Wenn man nicht gerade auf Bücher aus ist, die es... "etwas schwer" haben, zahlt man öfter schon zwischen 10,- und 18,- Euro. Wenn man jetzt Lust bekommen hat, das "Lied von Feuer und Eis" zu lesen, wird man wesentlich teurer wegkommen als mit der Papierversion. Und diese lässt sich dann sogar noch einmal um einiges günstiger als englische Version bekommen. Amazons Kindle App ist mir fast noch einen Tuck sympathischer... auch wenn man dort ebenso wenig günstiger wegkommt als bei den immer noch schöneren Druckversionen der Bücher.

6. Mobiler Einsatz in Ausnahmefällen

Als Grafiker freue ich mich natürlich über die Skizzen-Apps - diese halte ich zwar mit Fingerbedienung für nicht ausreichend, aber wenn ich bald mal einen Stift habe freue ich mich auf kleine Outdoor-Malereien, ohne Wasserfarben etc. dabei haben zu müssen.

7. Spiele vom Android-Marktplatz

Vermutlich gehöre ich zu einer sehr seltenen Gattung von Videospieler. Ich stehe unheimlich auf Rhythmus-Spiele, bei denen es darum geht, einen gewissen Tunnelblick zu entwickeln, um halb in Trance heranfliegende Notenformationen durch entsprechende Tastendrücke aufzufangen und dadurch die Musikstücke vereinfacht nachzuspielen. Woran ich aber geradezu verzweifle ist ein Gitarrencontroller.

Früher war mehr Simplizität

Ich traute meinen Augen kaum, als ich letzte Woche im PSN auf Retro/Grade von 24 Carat Games gestoßen bin. Es kombiniert in ganz köstlicher Art und Weise ein Rhythmus-Spiel mit einer witzigen Shoot'em Up Verpackung. Schon nach dem ersten Track, den ich kopfnickend, fußwippend und selig grinsend absolvierte, war es um mich geschehen. Das alte Rhythmus-Game-Gefühl war wieder hergestellt. Den Millionen von normalen Gamern da draußen, die nicht vor einem Gitarren-Controller zurückschrecken, sei gesagt, dass Retro/Grade auch mit einer Gitarre gespielt werden kann.

Einmal Endboss und zurück...

Ab jetzt gilt es, selber abgefeuerte Schüsse im richtigen Takt zur Musik auf verschiedenen Bahnen wieder einzufangen, sowie von hinten heranfliegenden Schüssen der Gegner erneut auszuweichen. Klingt abgefahren? Ist es auch. Und während man bei einigen Spielen die Zeit zurückspulen kann, um einen Fehler zu korrigieren, verfügt Ihr in Retro/Grade über speziellen Zeit-Treibstoff, der es erlaubt, die Zeit kurzfristig vorwärts laufen zu lassen. Ansonsten wird Genretypisches geboten: Je länger Schüsse (aka Noten) in Serie korrekt aufgefangen werden, steigt ein Punkte-Multiplikator. Per entsprechendem Extra kann der Multiplikator auch noch für kurze Zeit verdoppelt werden. Witziges Detail: Da Ihr ein Level rückwärts spielt, habt Ihr zu Beginn ein prall gefülltes Punktekonto. Mit jeder richtigen Aktion, werden Euch Punkte abgezogen. Und folgerichtig trägt man sich am Ende mit seinem persönlichen "Lowscore" in die Online-Rankings ein. Bester Pilot ist derjenige mit den wenigsten Punkten.

Leider verfügt Retro/Grade lediglich über 10 Tracks, die aneinandergereiht die "Kampagne" ergeben. Diese kann in 6 Schwierigkeitsgraden von Anfänger bis Extrem absolviert werden. Daneben wartet ein umfangreicher Herausforderungsmodus, in dem die gleichen 10 Tracks unter besonderen Bedingungen mit speziellen Aufgabenstellung absolviert werden müssen. Hier lassen sich dann auch neue Schiffe, Konzeptgrafiken und Musik-Tracks für einen eingebauten, simplen DJ-Turntable freischalten, der es erlaubt, die Stücke zu scratchen und zu mixen.

Kleines Schmankerl am Rande: Retro/Grade kann via Remote Play auch auf PS Vita oder PSP gespielt werden, falls der Fernseher mal belegt sein sollte. Dann empfiehlt sich allerdings die Verwendung von Kopfhörern, sowie eine spezielle Kalibrierungsoption im Spiel, um die leichte Verzögerung bei der WLAN-Übertragung auszugleichen.

Trailer

Das Leben von Arthur Kipps könnte nicht schwerer sein: Nachdem seine Frau bei der Geburt des gemeinsamen Sohnes stirbt, wird der junge Anwalt förmlich vom Pech verfolgt. Das Geld wird knapp und das Ansehen in der Kanzlei, für die er arbeitet, ist stark gesunken, seit er jeden ihm aufgetragenen Fall verloren hat. Die letzte Chance: Kipps soll den Nachlass von Alice Drabow bearbeiten. Die Papiere dazu befinden sich allerdings in dem gespentisch anmutenden "Eel Marsh Haus".

Nach diesem letzten Strohhalm greifend macht sich Arthur schweren Herzens auf den Weg in das überschaubare Dorf "Cryphin Gifford". Dort angekommen, wird Mr. Kipps jedoch nicht mit offenen Armen, sondern mit Feindseligkeit begrüßt. Aus irgendeinem Grund wollen die Einwohner den Anwalt zum Abreisen bewegen. Eingeschüchtert, doch wissend, in was für einer Lage er sich befindet, macht sich Arthur an die Arbeit. Das am Tag idyllisch anmutende Anwesen wird für Kipps sehr schnell zum Alptraum, denn sobald das "Eel Marsh Haus" in tiefes Schwarz gehüllt ist, treibt eine in Schwarz gekleidete Frau ihr Unwesen auf dem Gelände. Bereits in Angst versetzt  sterben auch noch die Kinder im Dorf auf mysteriöse Art und Weise. Langsam ahnt Arthur, warum ihn die Einwohner von "Cryphin Gifford" nicht willkommen heißen wollten.

No More Mr. Potter

Trailer

Neben dem akustischen Psychoterror von „Silent Hill“ und dem zombieverseuchten „Resident Evil“ geht eine Horrorspielreihe, trotz ebenso hochwertiger Gruselqualität, leider etwas unter: „Project Zero“. Eine Serie, die mit traditionellen Mitteln auf subtile Weise das Fürchten lehrt - mit Geistern. Als Fan dieser Marke vermisst man zwar außerhalb Japans nach wie vor Teil 4, Nintendo entschied sich leider aufgrund vereinzelter Entwicklungsschnitzer gegen eine internationale Veröffentlichung. Immerhin gibt es mit dem Remake des zweiten und zugleich stärksten Teils ein haarsträubendes Wiederstehen auf der Wii - mit einigen Neuerungen.

Eine düstere Legende

Ein Blick durch die Kamera

Mit der „Camera Obscura“ dringt Mio immer tiefer in das Dorf Minakami ein – allein, denn alsbald werden die Geschwister voneinander getrennt, so dass sich Stunde um Stunde das Gefühl der Einsamkeit einschleicht. Nur die permanente Lebensgefahr ist Mios ständiger Begleiter, mit einer zermürbenden Unvorhersehbarkeit, da sich unter den Gespenstern friedfertige Wesen tummeln, ebenso welche, die erst eine Zeit später feindselig werden. Für spielerische Abwechslung sorgen einerseits vereinzelte Rätsel, als auch das Gestöber in den heruntergekommenen Zimmern der verlassenen Häuser, das in der Wii-Version deutlich spannender inszeniert wurde, als in den alten Teilen.

Alles neu macht die Wii?

Technisch wurde die Wii-Version ebenfalls aufgewertet. Auch wenn die Wii nicht mit aktuellen HD-Konsolen mithält, so sieht das Remake auf Nintendos Konsole ein ganzes Stück hübscher aus, als auf Sonys Playstation 2. Details kommen dank weit weniger starkem Kantenflimmern besser zur Geltung. Das einstige 4:3-Bild füllt moderne Breitbildfernseher. Charaktere wurden neu designt. Und auch die Schulterperspektive ist, im Gegensatz zu festen Kameraeinstellungen, ein deutlicher Mehrgewinn.

Trailer

Hach, Super Nintendo! Seit Jahren gut verstaut, tritt es jedoch im Sommerloch gerne seinen Dienst an.

Warum spielen wir immer wieder die alten Spiele unserer Kindheit, während die Industrie sich jedes Jahr auf's Neue versucht, mit neuer Technik, besserer Grafik und noch kreativeren Spiel-Ideen sich selbst zu übertreffen?

Während ich mir so ein paar Gedanken auf meiner mehrwöchigen Retro-Safari gemacht habe, bin ich auch auf einige Anhaltspunkte gestoßen. So fange ich am besten gleich mit dem Zelda-Vergleich an: Wir rasten nur so im Marathon durch die Dungeons, als gäbe es keine Speicher-Methoden und erfreuten uns unermüdlich an dem kompakten Leveldesign. Heute darf man sich in den neusten Zelda-Teilen durch stundenlange Einführungen quälen, damit auch wirklich jeder Spieler die Steuerung Stück für Stück kennenlernt. Dazu wird noch versucht, eine Geschichte zu erzählen, die der ältere Zelda-Spieler jahrelang nie vermisst hat und die Erklärung der Steuerung ist bei einem guten Nintendo-Spiel ja sonst auch nicht unbedingt notwendig. In "A Link to the Past" wird man sofort ins Geschehen geschmissen und die kurzen Laufwege lassen im Gegensatz zu modernen Zelda-Teilen keine Langeweile aufkommen. Ja, das sind für mich schon zwei Punkte, die in heutigen Spielen (und wir reden nicht von 2D-Indietiteln) eine große Rolle spielen. Die meisten Spiele waren sehr kurzweilig und fokussierten sich auf simple Mechaniken, die nicht einmal groß erklärt werden mussten - ein Vorteil, den sich ein heutiger Blockbuster-Titel durch seine Komplexität und sein Bedürfnis, einen Spielfilm zu imitieren, nicht leisten kann.

Soweit so gut, was die zeitlosen 2D-Titel angeht. Als ich meine Nintendo64-Spiele wieder eingelegt habe, war ich natürlich mit der nicht gut gealterten Grafik konfrontiert. Und das Gameplay? Kaum zu glauben, dass ich damals monatelang mit so einem eingeschränkten Prügler wie Fighter's Destiny beschäftigt war. Hier greifen einige Argumente aus der 2D-Ära nicht mehr richtig, allerdings hat es mich nicht davon abgehalten, einen sehr vergnüglichen Abend mit Kindheitserinnerungen zu begleiten.

Und natürlich das Gefühl

Aber schaut man sich um, schaffte es nicht nur TimeLife, mit alten Songs noch einmal Geld zu scheffeln: Anfällige Videospiel-Nostalgiker kennen eigentlich alle die Seite http://ocremix.org/, welche die schönen alten Videospiel-Soundtracks in geremixter Form kostenlos an den Mann bringt. Das Retro-Gefühl sorgt auch regelmäßig bei den Besuchern auf http://www.geek-art.net/ für tolle Kunst, welche von alten Helden inspiriert ist, oder bei unserem Redakteur Dom für einen glücklichen Gesichtsausdruck, wenn er dank "Ghostbusters" oder "Zurück in die Zukunft" nicht nur in diese, sondern auch generell in die Vergangenheit reist. Es geht praktisch durch alle Medien-Formen und ähnlich, wie ein altbekannter Geruch, dem man wieder begegnet, so haben Medien das Potenzial, den Zeitgeist und persönliche Empfindungen zu konservieren und diese nach Jahren abrufen zu können.

Bei sommerlichen Temperaturen saßen wir dieses Jahr bereits im Kino und berichteten Euch nach der Sichtung  von dem Reboot der Spider-Man-Saga. Neue Schauspieler, neue Origin-Geschichte und neue Feinde konnten den einen oder anderen Spidey-Fan wieder zurück in das Lichtspielhaus locken. Um dem geneigten Freund der Spinne gleich die volle Dröhnung Spider-Man geben zu können, ließ man im Hause Beenox die IP auf Basis des Neustarts entwickeln. Doch wer jetzt schon mit einer direkten Umsetzung des Filmes rechnet sei entwarnt: Beenox hatte die Erlaubnis bekommen, aus dem Spiel eine inoffizielle Fortsetzung von The Amazing Spider-Man zu kreieren. Erfahrungen hatten sie bereits in Hülle und Fülle, denn die Entwickler arbeiteten bereits an sage und schreibe sechs Spielen rund um den Wandkrabbler. Darunter Spider-Man: Shattered Dimensions und Spider-Man: Edge of Time. Doch im Gegensatz zu den genannten Spielen gibt uns Beenox nun das wieder, was wir uns seit Ewigkeiten gewünscht haben: Einen Spider-Man in einem frei begehbaren Manhattan!

Endlich wird wieder gesponnen

Ebenso wie Ihr, denn wie bereits erwähnt, ist Euch als Spider-Man eine riesige freie Spielwiese zu Füßen gelegt. Ab der ersten Sekunde fühlt man sich in Manhattan heimisch, dass liegt vor allem an der intuitiven Steuerung. Mittels der rechten Schultertaste Eures Controllers spinnt Ihr die Netze, um durch die Häuserschluchten der Stadt zu schwingen, dabei ist es nicht mal nötig, dass sich das Netz tatsächlich mit etwas verbindet, wie beispielsweise einem Gebäude. Klingt zwar komisch, ist aber so.

Während Ihr Euch durch das virtuelle Manhattan schwingt, habt Ihr das Gefühl Spidey ganz nah zu sein, denn die Kamera bringt Euch näher an Euren Helden als je zuvor. Beinahe cinematisch manövriert Ihr die Spinne knapp an Wolkenkratzern und den viel befahrenen Straßen vorbei und das so intensiv, wie noch nie zuvor. Bei Euren kleinen Kletterausflügen habt Ihr  jederzeit eine kleine Karte in der rechten Bildecke, diese zeigt Euch Euer Hauptziel und eine Menge Nebenaufgaben an. Darunter sind Verfolgungsjagden von Kriminellen, die mit aufgemotzten Superschlitten durch die gegend Brettern, infizierte Mitbürger, die man in Krankenhäuser transportieren muss, so genannte "X-Treme"-Aufgaben, in denen Ihr schnellstmöglich einen vorgegebenen Parkour meistern sollt, Zivilisten die von kleinen Gaunern drangsaliert werden oder auch Fotografie Challenges, in denen Ihr Peter Parker typisch verschiedene vorgegebene Bilder von Tatorten und anderen Kuriositäten machen sollt. Besonders schön ist bei der Knipserei, dass es Hinweise auf bekannte Gegner sind, die Ihr im Spiel jedoch nicht antreffen werdet.

Screenshots

Spinne vs. Fledermaus

Das macht Laune und ist auch nicht zu einfach ausgefallen. Leider ist hierbei die Kamera hin und wieder bockig, so dass häufiges Nachjustieren von Nöten ist. Von der gelegentlichen Orientierungslosigkeit mal abgesehen. Wie aber in den meisten Spielen geht das nach einiger Zeit mit dem Spiel gut von der Hand. Ihr werdet cirka sieben Stunden für das Hauptspiel benötigen, doch wenn Ihr Euch dazu entschliesst, auch die Nebenaufgaben zu lösen, werden daraus ganz fix 15 Stunden und mehr. Besonders dann, wenn man versucht, die 700 Comicseiten zu sammeln, die in ganz Manhattan verteilt sind. Doch selbst wenn man nicht daran interessiert ist, die Sidequests zu machen, besucht man doch immer wieder gerne das gut aussehende Manhattan.

Trailer

Sonys neuster Handheld scheint, laut geläufiger Meinung auf der E3 etwas kurz gekommen zu sein. Dabei wurden einige Titel abseits der Pressekonferenz vorgestellt, wie auch der eher unscheinbare Titel "Sound Shapes", welcher dort den "Game Critics Award" abstauben konnte. Freunde elektronischer Musik, welche auf der Suche nach kurzweiliger Unterhaltung nach dem anhaltenden Sommerloch sind, sollten auf jeden Fall einen Blick darauf werfen. Wer keine PS Vita hat, kann es übrigens auch auf der PlayStation 3 herunterladen und spielen.

Plattformer trifft auf Musik-Welten

Farbenfrohe Klangwelten

Ganz im Stile von PixelJunk-Spielen präsentiert sich "Sound Shapes" optisch in minimalistischer Form und bezaubert durch Farbspiele und sehr weichen Animationen. Die recht unterschiedlichen Elemente in den verschiedenen "Alben" der Kampagne sorgen für Abwechslung und Freunde von dem Indie-Spiel "Sword and Sorcery" können sich auf ein Wiedersehen mit der SuperBrothers Bild- und Soundwelt freuen. Auch die Welten von "Beck" oder "Deadmau5" fand ich besonders schön, generell sind alle Umgebungen in Grafik und Sound sehr unterschiedlich, von Pixellandschaft bis organischer Natur bekommt man hier gut was zu sehen.

Und jetzt alle gemeinsam!

PS3 und PS Vita Synchronisation

Trailer

Es wurden schon viele Reviews und Kritiken geschrieben, für den geneigten deutschen Fan war es schwer, sich nicht schon im Voraus das Filmerlebnis durch Spoiler aus dem Netz zu ruinieren. Die Frage ist, kann dieser langersehnte Film nun mit den derzeitigen Blockbustern wie „Dark Knight Rises“ und „Spiderman“ mithalten und vor allen Dingen ist Ridley Scott in der Lage, den alteingesessen Alien Fan zu begeistern?

Der Plot ist schnell erzählt...

Das Forschungsraumschiff "Prometheus" fliegt zum anderen Ende der Galaxie, um die Ursprünge der Menschheit und allen Lebens auf der Erde zu erforschen. An ihrem Ziel angekommen, wird die Crew um Android David (Michael Fassbender) und Wissenschaftlerin Elisabeth Shaw (Noomi Rapace) fündig, doch nichts ist so wie erwartet.

Bei diesem Film muss man erst einmal hervorheben, dass es sich nicht um ein direktes Prequel zu Alien handelt, vielmehr setzt es den Anfang einer neuen Trilogie, die im alt bekannten Alien-Universum angesiedelt und noch vor den Events aus dem ersten Teil spielt. Es werden einige Fragen behandelt, die der erste Teil vor 30 Jahren aufwarf. Diese werden ergänzt mit fundamentalen religiösen Fragen wie "Wer hat uns erschaffen?“ und „Warum sind wir hier?". Hier ist auch schon das größte Problem, welches Prometheus hat, denn wo der 79er Alien einfach betrachtet ein bildgewaltiger Slasher-Film im Weltall war, hat man hier ein sehr episches Szenario, in dem zu viel zu schnell passiert. Oftmals hat man das Gefühl, dass man nicht dazu kommt, emotional wirklich mitgerissen zu werden. An gewissen Stellen wirkt der Film derart hastig erzählt, dass es dem Zuschauer gar nicht wirklich ermöglicht wird, eine Beziehung zum Geschehen und den Charakteren aufzubauen. Abhilfe könnte hier die 20 Minuten längere Schnittfassung schaffen, die auf der Blu-Ray bzw. DVD enthalten sein wird. Doch bei der Kinofassung auf jeden Fall ein Manko.

Auch hat mich das Verhalten einiger Charaktere gestört! Ohne zu viel erzählen zu wollen, aber eine Situation in dem Streifen hat beim zweiten mal Schauen doch einen bitteren Nachgeschmack in meinem zweiten, ausfahrbaren Gebiss hinterlassen: Wie kann man als Biologe auf einem fremden Planeten nur so dumm und unverantwortlich handeln? (Wer den Film gesehen hat, weiß wovon ich rede.) Das hört sich jetzt sehr negativ an, ist aber gar nicht so schlimm, denn an allen anderen Fronten besteht Prometheus mühelos. Sehr bildgewaltig werden hier provokante Fragen aufgeworfen und der Horror kommt natürlich auch nicht zu kurz. Ich musste während des Schauens immer an diese unnützen Rating-Diskussionen vor Release denken (absolut kein PG13 hier).

Das Casting

Trailer

Mal wieder Sherlock Holmes, aber diesmal ohne Enttäuschungen

Sherlock besteht momentan aus zwei Staffeln, je drei ca. 90 Minuten langen Folgen, welche sich nach zusammenhängenden Spielfilmen anfühlen. Statt aus dem "Consulting Detective" einen makellosen Helden zu schaffen, stecken die Macher den Zuschauer zunächst mehr in die Rolle des recht normalen Dr. John Watson, welcher vom angehenden "Bilbo Beutlin" Martin Freeman gespielt wird. Der vom Schauspieler Benedict Cumberbatch interpretierte neumodische Sherlock Holmes funktioniert in der Serie eher als "hochfunktioneller Soziopath" mit einer eher fast schon Asperger-Art, mit der sich der Zuschauer nur schwer identifizieren kann. Ähnlich wie Shelton aus "Big Bang Theory" glänzt und unterhält der neue Sherlock also eher in passiver Form. Dem Zuschauer bleibt kaum etwas anderes übrig, als durch sein Genie verblüfft zu sein und heimlich darauf zu warten, dass sich auch hinter diesem Menschen eine emotionale Seite verbirgt.

Das richtige Rezept

Besonders loben möchte ich zudem noch die Steigerung in der zweiten Staffel - anders als so oft schaffen es die Macher dieser Serie, die gesetzten Erwartungen in den nachfolgenden Folgen zu übertreffen. Allein die erste Folge der zweiten Staffel glänzt und überrascht mit hervorragend besetzten Nebenrollen und vielen kreativen Spielereien in der Schnitttechnik. Manchmal sieht man es einem Werk einfach an, wenn die Macher da mit voller Leidenschaft dran arbeiten. Hut ab, da kann sich auch der deutsche Krimi einiges von abschneiden.

Trailer

„Die Brüder sind Geschichte“

Besser gut geklaut als schlecht erfunden

Optisch war die, nennen wir sie einmal „Hommage“ eh auf Augenhöhe mit Nintendos Meisterwerk. Während das Charakterdesign der Brüder ganz klar vorne lag, habe ich die Welten von „Giana Sisters“ wiederum als hübscher empfunden. Akustisch waren die Schwestern mit dem schmalen, aber deutlich fetzigeren Soundtrack von Musiker Chris Hülsbeck ganz klar ein Schritt voraus – der Kult um die Mario-typischen Melodien entstand ja ohnehin erst in den folgenden Jahrzehnten. Auf der anderen Seite ist Chris Hülsbeck in der Videospielszene ein überaus erfolgreicher Komponist. Und während die Items der Brüder echte Innovationen waren und die Existenzgrundlage für „The Great Giana Sisters“ und andere Videospiele bildete, hat man seitens Time Warp Productions die Anzahl jener konsequent erweitert. Statt einem einfachen Schuss mit der Feuerblume konnten Giana und Maria selbige Fertigkeit des Blitzes aufwerten: Erst der abprallende, später der zielsuchende Schuss. Weitere Neuigkeiten waren die Bombe, die sämtliche Gegner vom Bildschirm auf Knopfdruck eliminierte; der Wecker, der alle Gegner für eine kurze Zeit an Ort und Stelle einfror und der Tropfen, der die Schwestern kurzzeitig unbeschadet durchs Feuer gehen ließ. Statt dem Pilz gab es übrigens den sogenannten Punk-Ball, der Giana (bzw. Maria als Zweitspielercharakter) in ein kräftiges Mannsweib verwandelte und dazu bemächtigte, mit ihrem Kopf festes Mauerwerk zu zerschmettern. Spielerisch habe ich die Unterwasserlevel von „Super Mario Bros.“ nicht im geringsten vermisst, dafür viel Spaß mit den herausfordernden Welten gehabt, 30 Stück an der Zahl, die hier und da ein paar ganz eigene Ideen inne hatten, so auch der brüchige Boden, der bei Berührung zerbröckelt. Die Bossgegner (Drachen und riesige Ameise) boten ein Hauch mehr Abwechslung, als es Bowser im Erstling vermochte.

Die „Giana Sisters“ waren jedenfalls meine erste große Videospielliebe, umso mehr freue ich mich, dass nach all den Jahren ein weiterer Nachfolger erscheinen soll, der im ersten Videomaterial anspruchsvoller wirkt, als die sehr einfache Nintendo DS-Version. Optisch erinnert das "Giana Projekt" an das visuell bezaubernde "Trine" und präsentiert einige frische Ideen, zum Beispiel der Wechsel zwischen der Traum- und Alptraumwelt, der Giana jederzeit in die schrille Maria verwandelt. Zwar scheint der Punk Ball Geschichte somit zu sein, auf der anderen Seite ergänzen die Fertigkeiten beider "Charaktere" auf dem ersten Blick prima.

Eine Spende für die „Giana Sisters“

Zwar ist das „Giana-Projekt“ beinahe abgeschlossen, nur gehen die finanziellen Mittel langsam nur Neige. Eine Finanzspritze würde nicht nur dafür sorgen, dass das Spiel das Licht der Welt erblickt, nein , es wird sogar mehr Welten, mehr Gegner, mehr Bossgegner und weitere Details geben. Giana-Fans der 80er werden nur schwer herumkommen, nicht wenigstens $10 zu spenden, immerhin winkt eine DRM-freie Download-Version als Belohnung. Weitere Spendenstaffelungen locken mit tollen Extras: Soundtrack (digital oder als physischen Datenträger), ein Artwork (digital oder gedruckt) T-Shirts und Kissen. Wer mal eben $10.000 übrig hat, der bekommt als Gegenleistung die Originalversion des Atari-ST.

Video

Kennt Ihr das? Jede E3 liefert neue Bombast-Trailer zum jährlich neuen "Call of Duty" oder "Battlefield". Scheinbar ist es momentan für eine Generation, die den Krieg selber nicht miterlebt hat, das Ballern als US-Soldat äußerst faszinierend und aufregend. Immerhin sehen wir seit Jahren extreme Verkaufszahlen bei den Kriegsshootern.

Damals, zu "Call of Duty 2"-Zeiten, war ich zunächst noch extrem skeptisch eingestellt und ließ die Finger von solchen Shootern, bis mich der Bene dann doch noch damit anstecken konnte. Die unglaublich dichte Atmosphäre versprühte tatsächlich so ihren Charme und gab mir zumindest im Ansatz das Gefühl, was die Soldaten damals durchmachen mussten. Das wurde allerdings dann dermaßen ausgereizt, bis man endgültig die Schnauze voll vom Setting hatte. "Call of Duty 4: Modern Warfare" schaffte dann noch einmal einen kleinen Begeisterungssturm, führte die Reihe allerdings in eine immer extremere Richtung, unter anderem mit Skandelen wie die berühmte "Flughafenszene". Und auch heute habe ich wieder die Schnauze voll.

Anti-Kriegsshooter?

Die Verpackung kann schnall täuschen: Während man den Käufer mit bekannten Call of Duty und Battlefield Gestaltungselementen lockt, wartet für den ahnungslosen Spieler hier alles andere als die typische Kost.

Ihr spielt den sogenannten Captain Martin Walker, der zusammen mit seinen beiden Gefährten durch ein postapokalyptisches Dubai zieht, um nach Überlebenden zu suchen. Dabei sind die drei bis auf das Funksignal durch Sandstürme von der Außenwelt abgetrennt. Anfangs steigt man zwar recht gewohnt in die ersten (noch spaßigen) Schießereien ein, bekommt aber nach und nach eine Klatsche, und muss miterleben, wie die Soldaten einige moralische Dilemma erfahren und psychischen Belastungen ausgesetzt werden. Allein schon, dass man als US-Soldat gegen andere US-Soldaten kämpft, würde sich ein Call of Duty wohl nicht so schnell trauen.

Trailer

Grundsolides Gameplay

Bis auf ein wenig Abwechslung, in der man in einem Helikopter sitzt oder an einem LKW hängt, bietet das Spiel allerdings durchgehend leider nur Feuergefechte und hebt sich vom Gameplay her kaum von anderen 0815-Shootern ab. Man schießt sich also recht monoton durch die recht kurze Einzelspieler-Kampagne. Allerdings lassen sich durch bestimmte Entscheidungen im Verlauf der Handlung vier verschiedene Enden erreichen, welche nicht nur den Wiederspiel-Wert erhöhen, sondern den Spieler dazu ermutigen, sich noch mehr mit den Konsequenzen und der Story zu beschäftigen. Den Multiplayer-Modus habe ich nicht angerührt, allerdings darf man da nicht unbedingt mit Überraschungen rechnen, denn bis auf den Standard-Umfang (Deathmatch etc., Levelsystem) scheint es da nichts besonderes zu geben.

Für diejenigen unter Euch, die noch nicht das Vergnügen hatten den Lombax und seinem Roboterfreund auf einem Weltraum-Abenteuer zu begleiten, hier ein kurzer Abriss der Geschehnisse: Ratchet, ein Lombax, eine Art athletischer Gremlin vor der Berührung mit Wasser, betreibt eine kleine Werkstatt und repariert alles mögliche mit seinem Schraubschlüssel, dem Omni-Wrench. Außerdem hat er ein Talent, was das Mitführen und Bedienen von großen exotischen Schußwaffen angeht. Eines Tages stürzt auf seinen Heimatplaneten ein Raumschiff mit einem kleinen grünäugigen Robotor ab. Der auf den Namen Clank getaufte Blechkamerad wirkt anfangs etwas naiv, entpuppt sich aber schnell als durchaus trocken-humorig und ernst zu nehmende Kampfmaschine.

Neben den beiden Hauptdarstellern tauchen noch viele weitere Figuren auf, die allesamt liebe- und humorvoll in die Gesamtgeschichte integriert sind und mit jedem Teil besser charakterisiert werden. Allen voran steht Captain Qwark, der Prototyp eines Helden. Er hat schon alles erlebt und gerettet, zumindest in seinen Geschichten. Aber wenn es ernst wird, hat er meist wichtigere Dinge zu tun, als sich unmittelbar der Gefahr zu stellen.

Natürlich darf in jedem guten Weltraum-Abenteuer der Bösewicht nicht fehlen. Sei es der Vorsitzende Drek, der im ersten Teil die Galaxie bedroht, in dem er sich die besten Planetenteile anderer Welten zusammenpuzzelt, um seine eigene verschmutzte und unwirtlich gewordene Heimat zu ersetzen, oder das Proto-Pet, ein außer Kontrolle geratenes Killer-Kinderspielzeug, oder auch Dr. Nefarius mit seinem Buttler, die seit dem dritten Ratchet & Clank Teil auch in den PS3-Ablegern vertreten sind: Alle diese Gegner sind urkomisch in Szene gesetzt.

Ein Markenzeichen der Serie sind die absolut übertriebenen und abgefahrenen Waffen, die sich zwar in gewisser Weise wiederholen, in jedem Teil der Serie aber neu erfunden werden. Highlights des Arsenals sind fernsteuerbare Raketen und Spinnen, ein Schwarzes-Loch-Werfer oder der "Schafinator", der Gegner in süße Lämmer verwandelt. Daneben gibt es noch zahlreiche Ausrüstungsgegenstände, die für jede Menge Abwechslung im Spiel sorgen. Immer mit dabei: Der Greifhaken, für tarzanreife Schwünge, die Grind-Stiefel, für rasante Abfahrten auf Schienen und die Magnet-Stiefel, mit denen man an Wänden und Decken entlang laufen kann, vorausgesetzt, der Magen ist stabil genug. Auch Clank, den Ratchet als Rucksack auf dem Rücken trägt, lässt sich im Laufe des Spiels aufwerten, so dass er fliegen, gleiten und tauchen kann.

Was gibt's Neues?

Trailer

Die charmanteste Post-Hardcore Stimme allerzeiten ist zurück! Vic Fuentes ist mit seiner Band "Pierce the Veil" wieder im Studio gewesen! Ihre dortigen Ergüsse nannten sie „Collide With The Sky“ und diese kommen in gepresster Form am 20. Juli auf den deutschen Markt. Wie das Ganze klingt, erfahrt ihr bei uns, wenn ihr den kommenden Zeilen folgt.

 Soft doch kein Seicht-Rock

Klampfe vs. Elektro Beat

Hörprobe

In Sleep Tight, folgt Ihr der Geschichte des Hausmeisters César (herausragend gespielt von Luis Tosar). César arbeitet in Barcelona in einem Gebäude mit mehreren Mietparteien als Portier. Er kümmert sich um alle anfallenden Reparaturarbeiten, hält den Damen des Hauses die Eingangstür auf oder füttert die Haustiere der Bewohner, wenn diese beim Bingo-Abend sind. Ein richtig netter Kerl also. César hat aber ein Problem, wie seine Stimme aus dem Off bald dem gespannten Zuschauer erklärt. Er erläutert, ihm fehle die Fähigkeit zum glücklich sein. So wie andere Menschen zum Beispiel taub oder blind seien, fehlt ihm das Verspüren von Glücksgefühlen. Um dieses Defizit wieder auszugleichen, hat César sich ein wichtiges Lebensziel gesetzt. Etwas, wofür es sich trotz mangelnder Glücksgefühle trotzdem zu leben lohnt – nämlich dafür zu sorgen, dass die Menschen in seinem Umfeld ebenfalls nicht glücklich sind und das andere es so richtig schwer haben. Besonders der immer frohen Mieterin Clara, die jeden Tiefschlag mit gesundem Optimismus wegsteckt, möchte César das Lächeln am liebsten aus dem Gesicht wischen. Als Hausmeister mit allerlei zweit Schlüsseln und verschiedensten Mitteln und Wegen ausgestattet, spielt César ein durch perfides Ideenreichtum geprägtes Katz-und-Maus Spiel mit der armen, nichts ahnenden Clara. Immer den Zuschauer als stillen Beobachter an seiner Seite.

Balagueró beweist mit "Sleep Tight" ein weiteres Mal, dass keine Budgets in Millionenhöhe, Effekthascherei aus dem Computer und minütig stattfindende Explosionen vonnöten sein müssen, um großes Kino zu schaffen. Bei Sleep Tight reicht ein schlichtes Mehrparteienhaus, eine Hand voll guter Schauspieler, allen voran Luis Tosar, welcher César eine ungeheure Tiefe verleiht, und ein gut durchdachtes Skript. Zu verfolgen, wie César Tag für Tag Claras Leben aus dem Hintergrund manipuliert und sich von anfänglichen „kleinen-Jungs-Streichen“ in ganz andere Dimensionen steigert, ist spannender als jede noch so gut choreografierte Verfolgungsjagd oder Schießerei, die einem bei anderen Titeln vielleicht den Puls in die Höhe getrieben hat. Sleep Tight vermittelt dem Zuschauer regelrecht das Gefühl eines Voyeurs- alles sehend, alles mit erlebend, aber nicht eingreifend. Man ertappt sich wie man, auch nach anfänglichen Längen und trotz kleinerer Logiklücken, immer wieder den Atem anhält und sich denkt „Das kann er doch nicht machen“. Ohhh doch, und wie er macht. Und dann setzt er anschließend auch noch eins drauf. Und noch eins.

Trailer

1. Wie heißt der Hauptcharakter mit dem Ihr Rainbow Moon beginnt, wenn Ihr den vom Spiel vorgeschlagenen Namen beibehaltet?
2. Wie heißt die "Währung", mit der Ihr die Fähigkeiten der Charaktere aufwerten könnt?
3. Welches Level muss ein Charakter mindestens erreichen, um die Trophy "Level God" freizuschalten?
4. Welche Shoot'em Up-Serie haben die Rainbow Moon Entwickler für PC und PS3 entwickelt?

Wir bedanken uns recht herzlich bei EastAsiaSoft für die Bereitstellung des Gewinnspiel-Preises.

Update!

Wo ich bei anderen Spielen nach zehn Stunden Spielzeit fast schon den Wiederspielwert in mein Review einfließen lassen kann, habe ich bei Rainbow Moon gerade einmal an der Oberfläche gekratzt. Daher handelt es sich lediglich um ein "Angespielt" und ich nehme jetzt schon vorweg, dass es am Ende dieses Artikels keine Punkte-Wertung geben wird, die Tendenz aber stark in Richtung 8 bis 9 ginge. Wer eine Schwäche für Taktik-RPGs hat, sei darauf hingewiesen, dass Rainbow Moon exklusiv auf der PS3 erschienen ist.

Regenbogen Mond?

Mit Rainbow Moon ist das Studio nun mit der selben Retro-Idee in einem anderen (sträflich vernachlässigten) Genre unterwegs. Es handelt sich um ein lupenreines Taktik-RPG, das sowohl optisch als auch akustisch dem Jahr 2012 angepasst worden ist. Die grundlegende Spielmechanik könnte allerdings direkt einem Final Fantasy Tactics, Disgaea oder Fire Emblem entsprungen sein. Auch Vandal Hearts Fans, das mit Flames of Judgment bereits 2010 eine Fortsetzung auf PS3 und XBox360 erhielt, dürften sich in Rainbow Moon sehr schnell wohl fühlen.

Auftakt mit Potenzial

Die Mechanik des Spiels besteht im Wesentlichen aus vier Teilen: Oberwelt, Dungeon, Kampf und - ich nenne es mal - Mikromanagement. Über alle Bereiche hinweg wird eine Gruppe aus bis zu sechs Charakteren gesteuert.

Erkundung der Oberwelt

Schalter, Schalter, Schalter

Fantasy-Schach

Mikromanagement

Und dann wäre da noch diese Vielzahl von Details, wie Tag- und Nachtwechsel, wechselnde Wochentage mit eigenen Namen und speziellen Auswirkungen auf's Gameplay, Festlegung der Startformation für Kämpfe, versteckte Sammel-Items, der Network-Händler, der eure Statistiken hochlädt und sie unter rainbowmoongame.com verfügbar macht, Statistiken, Hotelübernachtung oder Zeltlager, Statistiken und... und... und... habe ich schon die Statistiken erwähnt? Im Bestiarium werden alle besiegten Gegner katalogisiert, inklusive der Information, wie oft.

Retro-Tugenden

Besonders lobenswert ist der Soundtrack. Rafael Dyll, der bereits die genialen Soundtracks zu den beiden Söldner-Spielen beisteuerte, ist es gelungen, Stücke zu komponieren, die abwechslungsreich, mal langsam und leise, mal euphorisch und energisch aber stets angenehm unaufdringlich sind. Da verschiedene Gebiete und Dungeons unterschiedliche Hintergrund-Musikstücke aufweisen, hört man sich nicht so schnell satt. Lediglich in den aufgrund ihrer taktischen Natur etwas gemächlich angehauchten Kämpfen wirkt die Musik einen Tick zu dramatisch. Zur Hörprobe

Wo Licht ist...

Trailer

Wie bitter ist es eigentlich für's Portemonnaie, wenn zwei potenziell gute Superhelden-Blockbuster im selben Monat anlaufen? Nicht nur das, denn nur zwei Wochen nach dem Kinostart des dritten Fledermaus-Films breitet sich auch Ridley Scotts langerwarteter (und in Deutschland deutlich verspäteter) "Prometheus" über die Leinwände aus. Der Filmfan freut sich, der einkommensschwächere Filmfan ärgert sich, dem Ottonormalgucker ist es Latte und die Verleiher kämpfen mit massiven Werbekampagnen um die Gunst aller Zielgruppen.

Was passiert, wenn man jetzt einen indonesischen Actionfilm mit dem einfallslosen Titel "The Raid" mitten in dieses Becken schmeißt? Ganz einfach: Er geht nicht nur unter, sondern er wird auch noch von Raubfischen zerfetzt. Auch ohne die Platzierung mitten im Blockbuster-Sommer hätte es der Film nicht leicht. Mal ehrlich… Indonesien?! Haben die irgendwann mal etwas Geiles abgeliefert? Spätestens jetzt kann man sagen: Verdammt noch mal, ja!

Die Story

Wer kommt denn jetzt genau auf seine Kosten? Ist der Film jetzt eher etwas für "Martial Arts"-Fans oder etwas für Freunde gut choreografierter Ballereien? Wie sieht es mit denen aus, die eher die härtere Gangart eines "John Rambo" bevorzugen? Kurioserweise gelingt es "The Raid" für jeden Geschmack das Richtige zu servieren. Fühlt man sich vielleicht von einer Massenschießerei gelangweilt, folgt nur wenige Minuten später ein wahnsinnig gut choreographierter Messer/Schlagstock-Kampf, den das Kino so noch nie gesehen hat. Selbst die eine oder andere "Bullet Time"-Szene gibt es zu bewundern, aber nie als stumpfes Gimmick, sondern stets im richtigen Kontext. Droht ein einziger Aufschrei eines Kindes die Mission zu gefährden, friert die Zeit förmlich ein, in der entschieden wird, ob der Junge ausgeschaltet werden soll, oder nicht. Jede ruhige Szene bereitet den Zuschauer auf den nächsten Adrenalinschub vor, bei dem auch mal ein Kühlschrank, ein Aktenschrank oder (kein Scheiß!) eine Glühbirne als Waffe zweckentfremdet wird.

Hollywood kann hier noch etwas lernen

Die Musik hingegen ist Geschmacksache. Für den westlichen Markt wurde der Hans Zimmer ähnliche Score komplett durch neue Kompositionen seitens Mike Shinoda ersetzt. Dieser ist zwar recht gut und treibt ordentlich an, doch hört man mehr als einmal die typischen "Linkin Park"-Melodien heraus. Etwas mehr Druck hätte nicht geschadet.

Leider ist das auch nicht die einzige Änderung, die der Film auf seiner Reise in den Westen durchmachen musste. Für den US-Markt wurden drei Szenen entschärft, die wohl etwas zu kompromisslos waren. In Deutschland wurde diese Fassung übernommen, ohne zusätzlich am Film zu schnippeln. Die Schnitte fallen jedoch gar nicht auf und der Film trägt trotzdem zurecht seine "ab 18"-Freigabe. Sowohl die Protagonisten, als auch die Antagonisten gehen mit solch einer Härte vor, dass sensible Gemüter schon hin und wieder das Gesicht verziehen und "Uah!" seufzen müssen. Ein Bodycount von deutlich über hundert tut sein Übriges.

Trailer

Aller guten Dinge sind Reboots. Zumindest in Hollywood. Das dachte sich Sony wohl auch, als sie sich dazu entschieden, das in den Graben gefahrene Franchise um den Wandkrabbler wieder aufzunehmen.

Fünf Jahre ist es her, dass Tobey Maguire sich in einem hautengen Spandex-Anzug über die Leinwand schwang und dabei den einen oder anderen Spider-Man Fan vergrätze. Schuld daran war jedoch nicht der in die Jahre gekommene Hauptdarsteller, der damals bereits 32 Jahre alt war, sondern vielmehr die Entscheidungen des Regisseurs und Drehbuchautoren Sam Raimi. Entscheidungen und Einflüsse, die man durch einen vierten Ableger der Filmreihe nicht wieder ausbessern hätte können. Auf den ersten Blick stellte dies natürlich eine Tragödie für das Franchise dar, auf den zweiten Blick jedoch war es wohl Glück im Unglück, denn durch den Superhelden-Wahn, der nun seit einiger Zeit die Kinos beherrscht, konnte Sony sicher sein, dass der Neustart von Spider-Man finanziell erfolgreich sein würde. Damit lagen sie bisher auch sehr richtig, denn in den USA konnte The Amazing Spider-Man bereits am Veröffentlichungstag Rekorde brechen.

Alles auf Anfang!

Dunkel ist das neue Bunt

Trailer

Dieses Wochenende ist es wieder soweit: Der Ceasar's Palace in Las Vegas, USA wird Schauplatz von zehntausenden Duellen unter Beat'em-up-Spielern. 5000 registrierte E-Sportler wollen wissen, wer von ihnen dieses Jahr der Champion in den Kategorien Super Street Fighter 4: Arcade Edition 2012, Street Fighter x Tekken, Ultimate Marvel vs Capcom 3, Soul Calibur 5, King of Fighters XIII, Mortal Kombat und Super Street Fighter 2 Turbo werden wird.

Klingt komisch? Irgendwie weltfremd, nach muffigen Kellern und bleichen Gestalten ohne Emotionen? Weit gefehlt. Lasst Euch von diesen Aufnahmen des vergangenen Jahres überzeugen, welche die schönsten und größten Momente des Turniers rekapitulieren.

Solltet Ihr, wie ich auch, das Spektakel bequem von zuhaus aus verfolgen wollen, bekommt Ihr nun alle nötigen Infos:

• Tagesplan, was wird wann gespielt? (Sonntag werden die jeweiligen Finalrunden ausgetragen.)
• Die Seite der Weltzeituhr für Las Vegas, Nevada, USA (Damit Ihr immer wisst, ob euer Spiel gerade läuft.)
• Offizielle LIVE-Stream-Seite der Veranstalter (Qualitäts-Stream bereitgestellt von Veteranenteams.)

Zur Zeit des alten Chinas: Als der naive Schuldeneintreiber Ling Choi Sin (Leslie Cheung) in ein Unwetter gerät und der Regen die Eintragungen in sein Schuldbuch unerkenntlich macht, bietet ihm einzig der Lan-Ro-Tempel eine kostenlose Bleibe. Ohne zu ahnen, was ihn dort erwartet, macht Ling sich auf dem Weg zu jenem verlassenen Ort, an dem böse Geister hausen. Doch gänzlich allein ist er nicht. Der einstige Marshall Yin Chek Hsia (Ma Wu) hält sich seit langer Zeit im Tempel versteckt, um der Heuchelei und der Unehrlichkeit in der Welt zu entfliehen und verhält sich nunmehr wie ein Geist bei den Menschen und wie ein Mensch bei den Geistern. Ein merkwürdiger Kauz, der Ling den Rat gibt, den Lan-Ro-Tempel zu verlassen.

Ein „geistreiches“ Märchen

„A Chinese Ghost Story“ ist ein wundervoller Film, der zeigt, dass gelungene Märchen nicht einzig den Gebrüder Grimm vorbehalten sind und spielendleicht diverse Genre aufgreift: Romantik, Martial Arts, Splatter, Drama, eine winzige Prise Horror und Humor werden auf perfekte Weise miteinander verwoben, wobei die teils albernen Slapstick-Einlagen nicht unbedingt jedermanns Sache sein dürften, aber wohl dosiert längst nicht das Gesamtwerk dominieren. Dass die Spezialeffekte mittlerweile angestaubt sind, dürfte hinsichtlich des Produktionsjahres (1987) nicht weiter überraschen. Für effektverwöhnte Kinogänger heutiger Standards mag dieses bezaubernde Märchen in Richtung Trash gehen, routinierte Filmfreunde werden den einmaligen Charme dieses Filmes zu schätzen wissen, der von liebevoll umgesetzten Filmtricks  und einem fantastischen Soundtrack getragen wird!

Screenshots

Leise werden Erinnerungen wach, wenn ich so die letzten Kassetten aus den 80ern entsorge. Was war das noch für eine Zeit? Damals wurden noch umständlich Songs vom Radio aufgezeichnet und mit Freunden geteilt. Nach den ganzen hitzigen Diskussionen und Meldungen von der GEMA wird man blitzschnell wieder ins Jahr 2012 geholt. Die Technik hat sich dermaßen schnell entwickelt, dass man vieles bereits vergessen hat, wie z.B. das Gefühl, eine Musikkassette oder sogar einen Film zurückspulen zu müssen.

In den letzten 30 Jahren durfte ich Schritt für Schritt mit ansehen, wie die CD den Musik-Markt revolutionierte, wie Film-Liebhaber Türme an DVDs gesammelt haben und wie das sogenannte Heimkino dem Wohnzimmer eine besondere Note gegeben hat. Als Sammler hatte man es in den letzten Jahren nicht unbedingt leicht: Kaum hatte man alle VHS Filme auf DVD neu gekauft, schob man mit den Blu-Rays das nächste Filmformat auf den Markt, welches nach Jahren so langsam auch die Masse erreicht hat. Musik hat sich nicht nur in Form von CDs breit gemacht, sie hat die Musik-Liebhaber in mehrere Lager inzwischen aufgeteilt. Nachdem Napster & Co gezeigt haben, wie schnell man im Internet Musik verbreiten kann und dass das alte Geschäftsmodell nicht mehr richtig mithalten kann, sehen wir lauter legale Download- und Streaming-Dienste und eine Handvoll leidenschaftlicher Sammler, die wieder Schallplatten kaufen, um das Musikhören richtig zu zelebrieren.

Videospiele haben eine ähnliche Entwicklung hinter sich: Nachdem der Markt sich mit dem NES damals wieder erholen konnte, wurden sämtliche Konsolen mit ihren verschiedenen Speichermedien unter unsere Fernseher gebracht, viele PC-Spiele, die heute nicht mehr gescheit laufen und eine Masse an kleineren Spielen, die durch App-Store Spielspaß für 79 Cent versprechen. Zusätzlich hat Sony jetzt noch einen Streaming-Dienst gekauft.

Wo führt das alles hin?

Besorgniserregender Trend?

Streaming in der Praxis

Wenn man jetzt Bücher, Filme und Videospiele nimmt, so haben sie angefangen, in eine ähnliche Richtung zu schwimmen. Es gibt immer mehr Auswahl, man braucht immer mehr Nachschub und Streaming und digitale Downloads gewinnen immer mehr an Bedeutung auf dem Markt. Hübsche Verpackungen sind nicht alles, auch wenn man gebrauchte Spiele so gut weiterverkaufen kann. Was wird passieren, wenn ich einen Filmstreaming-Dienst anfange, der ähnliche wie Simfy, Spotify & Co sagen wir für 15 Euro im Monat das Schauen aller Filme plötzlich ermöglicht, womöglich in der Zukunft sogar noch in HD? Dann kann ich mich entscheiden, ob ich einen Film für das Geld kaufe, oder alle Filme für den Preis jederzeit und als Flatrate streamen kann, legal. Wenn es um Geld geht, da hört der Spaß bei einigen auf und vielleicht sind die klassischen Sammler hier nicht in der Überzahl. Vielen ist es einfach egal, wenn sie eines Tages ihren Lieblingsfilm nicht mehr schauen können, wenn der Dienst mal pleite geht oder ähnliches, denn für die meisten ist Filme schauen oder Musik hören eine Gestaltung von Freizeit und Vorbeugung von Langeweile.

Und genau da darf der klassische Sammler jetzt ansetzen. Wie lange noch, bis die Masse und die neuen Geschäftsmodelle die Überhand übernehmen? Sitzt man in 10 Jahren auf seinen DVDs und Blu-Rays wie auf der Kiste voller Scart-Stecker, die man heute nicht mehr braucht? Oder wird es immer ein harmonisches Gleichgewicht geben, zwischen den klassischen Medien und den digitalen Streaming und Online-Diensten? Netflix & Co setzen sich in den USA auch immer mehr durch und vielleicht sind die bald auch schon erfolgreicher als klassische DVD Verkäufe. Es hat definitiv begonnen...

Dass metallhaltiges Blut nicht mehr nur durch die alten Adern fließt, ist schon länger bekannt. Immer mehr Jungvolk zieht es weg von den Charts und Viva und hinein in schweissverklebte, verqualmte Clubs, die von Schreien und gewehrsalvenartiger Musik erfüllt sind. Doch dass eben solche Jünglinge dabei auf der Bühne stehen und bejubelt werden, wird immer seltener. Die fünf Mitglieder von Declare Your Funeral sind junge Menschen diesen Schlages. Ohne Label, aber voller Elan und Engagement haben sie es geschafft, ihr Debütalbum "Truth is what connects us" im Alleingang zu produzieren. Ob sich da im kleinen Hamburg ein Geheimtipp an die Core-Spitze spielt, findet Ihr heraus, wenn Ihr dem folgenden Text folgt.

Hamburger Hardcore

Hörprobe

Vielen Dank an Declare Your Funeral, die es sich getraut haben mir ein Rezensionsexemplar zukommen zu lassen!

Darf ich die Bekanntschaft machen? „Gravity Rush“, das sind die Leser von CouchCastle.de, Leser von CouchCastle.de, das ist mein persönlicher Kaufgrund für die PlayStation Vita.  Es ist noch gar nicht so lange her, als ich die ersten Schnappschüsse sah und sofort verzückt war. Der hübsche Cel-Shading-Look hatte es mir gleich angetan, ebenso die interessante Idee, in einer mysteriösen offenen Welt die Gesetze der Erdanziehungskraft nach meinem Belieben zu manipulieren. Endlich konnte ich selbst durch die fliegende Stadt Hekseville gleiten und ihr Geheimnis lüften.

Märchenhafte Amnesie

Ein Klacks für Kat und mich, da sich die Gravitation beeindruckend intuitiv manipulieren lässt. Mit der rechten Schultertaste beginnt Kat zu schweben, bis sie mit einem weiteren Klick auf der rechten Schultertaste einem gewünschten Ziel entgegenfliegt oder mit der linkten Schultertaste zu Boden fällt. Eine tolle Idee, die sehr an die kesse Hexe Bayonetta erinnert, wenn man denn an den Fassaden der vielen Gebäuden längsläuft. Nur selten verliert man die Orientierung, zumal Kats Schal stets gegen Boden zeigt.

Auch die Kämpfe, die sich erfreulicherweise nicht in den Mittelpunkt stellen, gehen gut von der Hand, werden aber im Spielverlauf teils sehr fordernd, da manche Nevi sehr zähe Artgenossen sind. Jeder Gravitationskick muss sitzen, deren rasante Flugbahn sich prächtig durch die Bewegungssteuerung korrigieren lässt.

Der lineare Handlungsstrang

Mit drei Stilmitteln wird die Handlung von „Gravity Rush“ erzählt: Einfache Dialogfelder, ordentlich inszenierte Zwischensequenzen und die beeindruckenden Comics, durch die man sich per Touschscreen durchblättert. Werden die einzelnen Szenen per Bewegungssteuerung der Vita geschwenkt bzw. gekippt, entsteht, dank verschiedener Bildebenen, ein erstaunliches Tiefengefühl, ohne jede 3D-Technik.

Alles in allem ist die Geschichte motivierend, wenn auch stellenweise etwas naiv, so beispielsweise, als böse Monster Polizisten auf Dächer verfrachten, anstelle sie niederzustrecken. Halb so wild. Da aber die wenigen Nebenmissionen fest im Handlungsstrang verkettet sind und nicht optional in Angriff genommen werden, wird ein enormes Potenzial verschenkt. Mehr oder minder jagt der Spieler lediglich einer großen Schnitzeljagd hinterher. Von a nach b nach c…, streng linear dem Missionsziel hinterher. Schade, denn Genregrößen zeigten bereits mehrfach, dass toll gestaltete Nebenmissionen stundenlang begeistern können, bis man bei aller Handlungsfreiheit den roten Faden wieder aufgreift.

Bezaubernde Welt – offen und leer

Denn während sich die musikalische Untermalung des jeweiligen Stadtviertels trotz aller Klanggewalt mit der Zeit abnutzt, hinkt vor allem der interaktive Inhalt der Stadt der Optik weit hinterher. Zu schade, dass nur so wenige Bewohner etwas zu erzählen haben. Wie sie durch die Straßen ziehen oder untereinander tuscheln ist hübsch anzusehen, ebenso manche Tiere, auf die man so stößt.

Häuser sind keine begehbar, Händler sind ebenso wenig vertreten, genauso fehlen interessante Minispiele, die wie bei „Yakuza“ eine willkommene Abwechslung ins Gameplay bringen und für ein wenig Rollenspiel sorgen. Immerhin sind in ganz Hekseville lilafarbene Kristalle versteckt, mit denen sich diverse Fertigkeiten verbessern lassen und somit dahingehend motivieren, die Spielwelt zu erforschen. So wird man auch auf die eine oder andere defekte Apparatur stoßen, die sich mit eben denselben Kristallen reparieren läfft und eine der vielen Herausforderungsmissionen freischaltet. Zum einen weitere Kämpfe, zum anderen interessante Zeitrennen durch die Stadt. Highscore-Jäger werden hier mit zusätzlichen Kristallen belohnt.

Table Football

Im Hauptmenü hat man die Wahl zwischen einem Freundschaftsspiel (1 oder 2 Spieler) oder einem Turnier (nur Einzelspieler). Im späteren Spielverlauf lassen sich neue Tribünen, Anzeigetafeln und Bälle freischalten, die ebenfalls ausgesucht werden können. Das Spiel läuft rundenbasiert ab. Der Spieler, der am Zug ist, hat vier Wischbewegungen frei, die er verwenden kann, um eine beliebige Spielfigur ohne Ball zu bewegen oder aber den Ball zu schießen, wenn eine eigene Spielfigur ihn hat. Nach den vier Wischbewegungen wechselt die Steuerung und die CPU oder der Gegenspieler ist an der Reihe. Lässt man sich zu viel Zeit, spielt den Ball ins Aus oder begeht ein Foul (gegnerische Figur wird zu stark gerammt), pfeift der Schiedsrichter und die Steuerung wechselt sofort. Ebenso ist der eigene Zug sofort beendet, wenn man den Ball versehentlich einer gegnerischen Figur zuspielt.

Die Herausforderung besteht nun darin, mit nur vier Bewegungen eine Spielfigur in eine geeignete Schußposition zu bringen und den Ball im gegnerischen Tor zu versenken. Mit Hilfe von leicht geschwungenen Wischbewegungen lassen sich Bananen-Flanken und Effet-Schüsse abgeben. Table Football verlangt dem Spieler sowohl eine gewisse strategische Planung sowie eine ordentliche Portion Geschicklichkeit beim Vollführen der Wischbewegungen ab. Hat man die Steuerung einmal verinnerlicht, macht es richtig Spaß, die gegnerischen Abwehrfiguren zu umspielen und den Ball im Bogen um den Torwart herum ins Tor zu wischen. Leider fehlte mir in meinem ersten Match noch etwas die Übung, so dass die Begegnung Deutschland gegen Italien mit 2:5 endete und hoffentlich kein böses Omen für die laufende EM darstellt. Toll ist die Möglichkeit mit einer zweiten PS Vita eine Mehrspielerpartie zu bestreiten, bei der die Kontrahenten das selbe Spielfeld aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten. Durch den abwechselnden Zug-Charakter kann eine Zwei-Spieler-Partie aber auch an einem Gerät absolviert werden. Das kürzlich veröffentlichte DLC fügt dem Spiel weitere Mannschaften, Platzvariationen und Wetter-Effekte hinzu. So lässt sich nebem trokenem Boden auch auf Schnee oder Matsch spielen. Wem das Grundspiel gefällt und etwas Abwechslung haben möchte, macht mit dem gerade mal 99 Cent teuren DLC sicherlich nichts falsch.

Table Football kann kostenlos aus dem PlayStation Store geladen werden. Der DLC dazu kostet 0,99 EUR.

PulzAR

Hier unterscheidet sich PulzAR erfrischend von den anderen bisher vorgestellten AR-Titeln: Das Platzieren und Verschieben der AR-Karten dient nicht dem initialen Aufbau des Spielfeldes, sondern es ist das zentrale Gameplay-Element. Lediglich eine Karte muß zu Beginn auf den Tisch gelegt werden und markiert die zentrale Position der Abschussrampe. Pro Level gibt es eine begrenzte Anzahl an Spiegeln und Farbfiltern, die jeweils durch Ablegen und Verschieben einer AR-Karte in Position gebracht werden. Ausgerichtet werden die Spiegel, wenn nötig, über einen Analogstick. Welcher Spiegel dabei gerade der aktiv gesteuerte ist, lässt sich durch Antippen auf dem Touchscreen bestimmen. Im weiteren Spielverlauf steigt die Komplexität durch mehrere Laserstrahlen die über Filter in verschiedene Farben umgewandelt werden müssen und mehrere Ziele an der Startrampe treffen müssen. Abseits des Primärziels, den Meteoriten aufzuhalten, gilt es in jedem Level zusätzlich die Laserstrahlen so umzuleiten, dass bis zu drei Sternsymbole getroffen werden. Das gibt zusätzliche Punkte und stellt die eigentliche Herausforderung des Spiels dar. Außerdem darf man seine erreichten Highscores in den Online-Rankings mit den Punkten seiner Freunde oder der ganzen Welt vergleichen.

Ein netter AR-Effekt, der durch die Bewegungssteuerung der PS Vita ermöglicht wird, ist der Meteorit, der bedrohlich nahe über dem Tisch schwebt. Man sieht ihn, wenn man mit der PS Vita nicht nach unten auf den Tisch schaut, sondern nach oben zur Decke. Dort kann man auch die Flugbahn der Rakete verfolgen und den Einschlag bewundern, wenn man es denn durch Lösen des Rätsels geschafft hat, die Rakete zu starten. Nähert man sich dem vorgegebenen Level-Zeitlimit, regnet es übrigens schonmal kleine Meteoriten, die unschöne Löcher in die Tischplatte hauen.

PulzAR gibt es für 1,99 EUR im PlayStation Store.

"Social Suicide"? Was verbirgt sich wohl hinter diesem Bandnamen? Eine vierköpfige Hardcore-Band aus Norwegen, welche in Eigenregie schon 2008 ihre erste EP "Kansas City Shuffle" veröffentlichte, zwischendurch sogar den Sänger wechseln musste und inzwischen über Redfield Records ihr zweites Album, erstmal nur in digitaler Form, veröffentlicht hat. Der Kollege Christopher hat mir die Jungs einfach in die Hand gedrückt, da ich gelegentlich ja mit dem Genre etwas anzufangen weiß.

Musik für den Schrauber

Zehn mal bitte auf die Fresse

Die insgesamt zehn Songs wissen ähnlich, wie im Vorgänger schon, Elemente aus Hardcore, Metal und Punk gut zu vermengen und so spielen "Social Suicide" gerne auch schon einmal mit den Gewohnheiten. Aggressive, aber teilweise auch sehr Mid- oder Lowtempo-Passagen zeugen auch von genug Talent bezüglich des Tempos. An der Dramaturgie aber finde ich noch nicht alles rund – stellenweise stellt sich bei mir eine Übersättigung ein, da zum Beispiel der neue Sänger sich dermaßen die Seele aus dem Leib schreit, dass der Härte-Level zu lange oben gehalten wird und gerade auf Kopfhörern etwas schlaucht. Keiner der Songs Song geht deutlich über vier Minuten, somit hat man immerhin ein kurzweiliges Vergnügen. "Justice Goes To Sleep" und "Formative Destruction" stellen sich letztendlich als meine Lieblingssongs ein, bei dem mir die bereits angesprochene Mischung besonders gut gefällt.

Social Suicide - Broken Pilgrims (auf dem Vorgänger Album)

Link

Wir bedanken uns ganz herzlich bei Redfield Records für die Bereitstellung des Rezensionsexemplars.

Was ist Augmented Reality?

Wie funktioniert AR auf der PSVita?

Insgesamt bietet das Lineup der PS Vita zur Zeit 6 Spiele, die dieses AR-Feature als grundlegende Spielidee nutzen: Reality Fighters, Fireworks, Cliff Diving, Table Football, Table Top Tanks und PulzAR. Darüberhinaus bieten auch andere Titel wie Virtua Tennis oder Wipeout 2048 AR-Features, die aber eher als nette Dreingabe zu sehen und nicht Teil des eigentlichen Gameplays sind.  Im ersten Teil unseres kleinen AR-Specials möchte ich Euch zwei der genannten Spiele vorstellen, die die Illusion, eine kleine Spielfläche vor sich zu haben, nahezu perfekt umsetzen: Cliff Diving und Table Top Tanks. In einem zweiten Artikel stelle ich Euch dann Table Football und das neue PulzAR vor.

Cliff Diving

Während sich der spielerische Tiefgang von Cliff Diving ziemlich in Grenzen hält, ist der AR-Effekt wirklich verblüffend. Das Spiel benötigt zunächst nur eine einzige AR-Karte. Beginnt das Spiel, öffnet sich plötzlich dort, wo eben noch die AR-Karte lag, ein tiefes Loch im Tisch, das sich mit Wasser füllt. Zeitgleich erhebt sich mit einigem Getöse nebenan ein kleiner Berg auf dem ein Sprungbrett befestigt ist. Aus einiger Entfernung vernimmt man das Geräusch eine Helikoptors und ein Schatten huscht über den Tisch. Kurz mit der PS Vita hochgeschwenkt, sieht man den Springer, wie er gerade vom Hubschrauber auf dem Berg abgesetzt wird.

Neben vorgefertigten Szenen, wie einem Eisberg oder einem Schiffswrack, darf man aus Alltagsgegenständen auch eine eigene Sprung-Kulisse errichten. Dafür werden zwei AR-Karten benötigt. Eine wird als Wasser-Becken beispielsweise auf den Tisch gelegt. Die zweite AR-Karte liegt etwas höher, zum Beispiel auf einem Stapel Bücher, daneben. Perspektivisch korrekt setzt nun der Hubschrauber den Springer auf den Büchern ab, bevor dieser nach etlichen Salti ins kleine Becken eintaucht.

Cliff Diving gibt es im PSN Store gratis.

Table Top Tanks

Ein verblüffender Effekt, den ich bei den ersten Runden gar nicht bewußt wahrgenommen habe, ist übrigens direkt zu Beginn jeder Runde zu sehen: Zwei Düsenjets fliegen über das Spielfeld und lassen Bomben auf die AR-Karten fallen, die daraufhin hochwirbeln und wegfliegen. Während des Spiels sah ich an der Stelle, wo in Wirklichkeit die AR-Karten lagen einfach nur die Tischplatte. "Reduced Reality" statt "Augmented Reality". Der angwandte Trick fällt auf, sobald die Unterlage ein Muster hat. Tatsächlich wird ein Stück Textur knapp unterhalb der AR-Karte genommen und perspektivisch korrekt über die AR-Karte geklebt.

Table Top Tanks treibt das AR-Konzept sogar noch eine Stufe weiter, indem es einen Editor mitbringt, der es erlaubt, reale Gegenstände, wie zum Beispiel eine Kaffeetasse quasi unsichtbar nachzumodellieren. Im Spiel ist ein realer Gegenstand dann auch tatsächlich ein Hindernis. Ein Panzer, der hinter der Tasse entlang fährt, wird durch diese auch korrekt verdeckt. Als i-Tüpfelchen lassen sich noch Materialeigenschaften wie Rauch, Feuer oder Wasser festlegen. Trifft ein Schuß die Tasse, läuft an dieser Stelle Wasser aus einem kleinen Loch.

Table Top Tanks gibt es für 1,99 EUR im PSN Store.

Ich blicke zurück, zurück auf den Anfang meiner langen Reise, die ich nach der katastrophalen Demo und den verhaltenen Wertungen der Fachpresse beinahe gar nicht angetreten hätte. Die Tage sind verstrichen, wie die Meilen unter meinen Sohlen verflogen sind, als der Drache mir das Herz nahm und mich meine Rachegefühle fern von meiner Heimat schickten. Nun sitze ich hier und kann entgegen allen Unkenrufen sagen, dass es sich wahrlich gelohnt hat!

Du bist nicht allein

Die Vasallen sind den Menschen recht ähnlich, verfügen allerdings nur über einen beschränkten Willen, damit sie dem Erweckten bestmöglich dienen können. Und es sind vor allem auch die Vasallen, die „Dragon’s Dogma“ gehörig Leben einhauchen und über einen fehlenden Koop-Modus hinwegtäuschen - den ich persönlich bei einem Titel solchen Stundenausmaßes eh nicht vermisse. Per Internetverbindung lassen sich von Freunden oder Unbekannten bis zu zwei weitere Vasallen anheuern, die der Heldengruppe ihre Fertigkeiten leihen und die Lande des Herzogtums Gransys kommentieren. Man selbst stellt seinen eigenen Vasallen ebenfalls automatisch der breiten Öffentlichkeit zur Verfügung und wird mit zusätzlichen Erfahrungspunkten, Geschenken und Bewertungen belohnt, wenn dieser denn von anderen Erweckten auserkoren wird, was sich wiederum durch optischen Feinschliff gut beeinflussen lässt.

Das Vasallensystem ist originell und zugleich unheimlich motivierend, wenn der eigene Vasall entsprechendes Feedback von der Fangemeinde bekommt. Toll!

Die Welt der unbeschränkten Möglichkeiten?

Weit mehr als in die Zivilisation ist dagegen das Herzblut der Entwickler in die Möglichkeiten geflossen, die Gransys bietet. Angefangen bei den schier zahllosen Materialien, von Kräutern bis zu den Überresten bezwungener Gegner,  die sich nicht ausschließlich plump aufgelesen lassen, sondern teilweise auch kreativ erbeutet werden müssen. So zum Beispiel mit einem gezielten Pfeil, der einen Apfel oder ein Vogelnest vom Baum herunterholt, oder Erze, die mit einer Spitzhacke aus dem Gestein geschlagen werden können. Als Belohnung für die Arbeit winken nützliche Utensilien, die sich aus verschiedenen Komponenten zusammenstellen lassen, oder Ausrüstungsgegenstände effektiv verbessern. Doch Vorsicht! Lebensmittel aller Art sind nicht bloß starre Objekte,  sie verderben mit der Zeit, regenerieren zwar weiterhin die Lebensenergie, bereiten dem Helden aber einen flauen Magen, was wiederum Lebenskraft kostet. Apropos Ausrüstungsgegenstände. „Dragon’s Dogma“ bietet viele Rüstungsteile, sehr schön, dass Rüstungen und Kleidungsstücke getrennt sind und mit gut designten Stücken den Sammelspaß in ähnliche Sphären hievt, wie es „Diablo“ gelingt.

Die glaubhafte Physik verleiht dem Spiel eine gewisse Realität. Der Held brennt? Kein Problem, eine Löschdecke wäre eine Lösung, der Sprung ins kalte Nasse eine andere, wenngleich die Beweglichkeit eingeschränkt wird, wenn man dabei zu stark durchnässt wird. Diverse Objekte und gar NPCs lassen sich greifen, nicht immer nützlich, sondern auch lustig.

Ein Tag- und Nachtwechsel darf natürlich ebenso wenig fehlen. Die Nächste sind stimmig, die umherstreifenden Gegner gefährlicher, aber ein i-Tüpfelchen wäre ein dynamisches Wetter gewesen - man stelle sich vor, wie es aus Eimern schüttet und Blitze über den Himmel zucken. Vielleicht bei der Fortsetzung oder per Erweiterung? Hoffentlich!

En Garde!

Verschiedene Monsterarten gibt es im Grunde nicht viele, wenn man denn Variationen wie Wölfe, Schattenwölfe oder Höllenhunde ausschließt. Im Gegenzug sind sie clever umgesetzt, verfügen teilweise über dieselben Fertigkeiten, die der Spieler im Laufe des Spiels mit Erfahrungspunkten freischalten kann und haben allesamt ihre ganz eigene Schwachstelle, die sich allzu gern aufs Korn nehmen lässt. Besonders spektakulär sind die Bosskämpfe, mächtige Kreaturen wie die Chimäre, die sich wie bei „Shadow of the Colossus“ erklimmen lassen. Im Gegenzug zur Vorlage ist dieses Element erfreulich kurzweilig ausgefallen, um den Spielfluss nicht zu stören.

Held der k(l)einen Worte

Vor einiger Zeit entstand ein kleines DressUp-Spiel mit Kratos, dem Protagonisten aus der "God of War"-Serie. Jetzt, wo wir wieder darauf gestoßen sind, wollten wir unseren Lesern den kleinen Spaß noch einmal anbieten. Aber nicht, dass wir Euch damit von der Arbeit abhalten!

Hier geht es zum Spiel Klick

Ich traf sie im Beerdigungscafe, wurde von ihnen infiziert und erhielt eine Behandlung durch ihre "Videodrom-Signale". Callejon ist nicht nur eine einfache Metal-Band – Sie ist vielmehr wie eine Droge, die mich ab dem ersten Song angefixt hat und seitdem nicht mehr loslässt. Einen Tag ohne brachialem Schlagzeuggehämmer, edlem Gitarrengeschreddere, tiefgehenden Bässen und geschrienen Ohrwurmtexten und ich fange an zu zittern! Umso höher sprang mein Junkie-Herz am Anfang des Jahres als ich las, dass ein neues Album in der Mache sei und sogar schon der titelgebende Song mit Video abgeliefert wurde! Callejon tauften ihr Flaggschiff auf den Namen "Blitzkreuz" und wie dieser Blitz einschlagen wird, oder ob das Album dann doch lieber gekreuzigt werden sollte – das erfahrt Ihr, wenn Ihr den folgenden Zeilen aufmerksam folgt.

Alles bleibt Gleich!

Mit Hirn und Herz

Aber auf ein zwinkerndes Auge wollte man dann doch nicht ganz verzichten und so presste man mit "Porn from Spain II" nochmal einen richtig partyfähigen Track auf die Scheibe, der von Humor nur so trieft und dazu noch alte Bekannte, wie die Rapper von K.I.Z. featured. Das klingt nicht nur abstrus, das ist es auch! Am Ende bleibt nur noch zu sagen, dass die zwei Jahre Wartezeit sich mehr als gelohnt haben und man mit "Blitzkreuz" einen würdigen Nachfolger zu "Videodrom" geschaffen hat.

"Blitzkreuz"

Wir bedanken uns ganz herzlich bei Sony Music für die Bereitstellung des Rezensionsexemplars.

Nur einmal angenommen, jemand würde Dir versprechen, dass er Dir durch Zauberkraft jeden Wunsch erfüllen könnte - was würdest Du Dir wünschen? Die beiden Grundschülerinnen Madoka Kaname und Sayaka Miki zögern, zumal nicht nur die Frage selbst aberwitzig klingt, die ihnen das katzenhafte Wesen Kyubey stellt, nein, auch die Gegenleistung ist alles andere als verlockend: Das bisher unbeschwerte Dasein aufgeben und, als Magical Girls rekrutiert, in den Kampf gegen finstere Hexen zu ziehen, tagein, tagaus, bis sie eines Tages in der Schlacht ihr Leben lassen. Aber das ist noch nicht einmal die ganze Wahrheit.

"Moe" für Erwachsene

Mami, die sich einen Jahrgang über Madoka und Sayaka befindet, hat ihren Wunsch bereits bei Kyubey eingelöst - überleben. Seit sie ihre Eltern bei einem tragischen Autounfall verloren hat und dem Tod selber nur dank des Paktes knapp entrinnen konnte, lebt sie in Einsamkeit. Sie ist herzensgut wie keine Andere, kein Wunder also, dass die Drei schnell Freundschaft schließen und Mami ihre neue Gesellschaft genießt. Im Prinzip weiß Mami recht wenig über ihr neues Leben, was sie aber weiß, gibt sie ihren beiden neuen Freundinnen gerne preis: Die sogenannten Hexen, bizarre Kreaturen, zehren in ihren Parallelwelten an der Lebenskraft der Menschen. Wird eine von ihnen besiegt, lässt sich mit ihrer Kraft der Seelenstein, den jedes Magical Girl erhält, auffüllen, ansonsten droht das Magical Girl selbst eine Hexe zu werden.

Screenshots

Gut und Böse

Gekonnt wird „Madoka Magica“ auf hohem Niveau erzählt. Die Story ist durchdacht, wird von glaubhaften Charakteren getragen und von spannenden, wie optisch beeindruckenden Kämpfen aufgelockert, die in äußerst skurrilen Patchwork-Arenen der Parallelwelten ausgetragen werden und mit vielen Details und cleveren Ideen bestechen. Wegen dieser Detailverliebtheit und der insgesamt sehr hochwertigen Animation wäre eine Blu-ray Fassung wirklich wünschenswert gewesen, wenn auch das Bild der DVD-Version hübsch anzusehen ist. Deutsche Animefans können sich über eine überaus gelungene Lokalisierung freuen, die die mitreißende Atmosphäre dieser Serie unterstreicht.

Trailer

Es ist 1951. Über Wochen und Monate konnte die US Regierung der eigenen Bevölkerung die Geschehnisse in Asien und Europa vorenthalten. Die Chimera sind auf der Erde gelandet und führen eine groß angelegte Invasion durch. Menschen werden entführt und mit einem außerirdischen Virus infiziert, um aus ihnen willenlose Kämpfer zu machen. Tom Riley, ein Feuerwehrmann in New York, verheiratet und Vater einer Tochter, wird zu einem Brand in einem New Yorker Umspannwerk gerufen, als die Invasion auch in den USA beginnt.

Oh Atmosphäre, Where Art Thou?

Und dann gibt es da diese wenigen Momente, die mich doch staunend haben verweilen lassen. Einzelnen kurzen Level-Abschnitten merkt man an, wie hier mit Liebe zum Detail modelliert wurde und es drängt sich förmlich die Frage auf, warum sich dieses Maß an Qualität nicht durch das ganze Spiel zieht. Insbesondere die Boss-Kämpfe haben mich beeindruckt und gefordert zugleich. Die Schwierigkeit erschien mir auf "Normal" insgesamt gut ausbalanciert, wobei die Gegner-KI eines einfachen Gemütes ist.

Ordentlicher Wumms und Fingerfertigkeit

Screenshots

Unkomplizierte Online-Gaudi

Wir bedanken uns ganz herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplares.

Der Chiptune-Musiker 4mat aus dem Vereinigten Königreich ist nicht erst seit heute dabei, wenn es darum geht, die guten alten Klänge der alten Konsolen neu aufzulegen. Als "Chipmusic-Legende" schreitet er schon seit Jahren durch das Internet und erst durch seine neue EP bin ich nun auf ihn gestoßen. Plötzlich gibt es jede Menge Nachholbedarf für mich! Denn die Songs hier haben mich regelrecht umgehauen.

Rips - eine wunderbare Reise

"Atomic Sons" kommt da viel schneller in Fahrt, die tragenden Pads und die Melodien mit langem Echo bauen eine angenehme 8-bit Landschaft auf, durch die man reist. Anschließend kommt die kurze E.P. endgültig in Fahrt und lädt mit "Make No Mistake" zum melancholischen Tanzen ein, schafft mit seiner minimalistischen aber eingängigen Melodie sogar einen kleinen Ohrwurm, endet aber leider schon nach nicht einmal zwei Minuten! Bis auf den ersten Titel sind leider alle Lieder recht kurz geraten, was allerdings aus Rips eine ziemlich kurzweilige Scheibe macht. Die Atmosphäre scheint 4mat tatsächlich am wichtigsten zu sein, setzen "The End of Us" und "Letters" den insgesamt ein wenig düsteren Ton weiter fort, bis anschließend die Spielweise der Melodien wieder eine beruhigende Weite schafft.

Zum Endspurt räumt "Liquid" dann aber mit einem knackigen Breakbeat auf und man merkt wieder einmal, wie der Künstler regelmäßig neue Bewegung in die Songs bringt, denn in der Reise durch die 8-bit Welten geht es auch stets auf und ab. Bis zum Abspann-Song "Uncertainty" hat man somit in wenigen Minuten sein kleines nostalgisches Abenteuer erlebt und kann sich gut gelaunt wieder dem echten Leben widmen. Sollte man jetzt doch nicht genug bekommen haben, kann man aber auch jederzeit mit einem erneuten Durchhören die grandiosen Songs durchleben oder sich, wie ich, gleich dem neusten Album "Origins" widmen, welches ebenfalls bei BandCamp.com erworben werden kann.

"Atomic Sons" Hörprobe

Jetzt anhören und/oder kaufen!

Weitere Links

• http://www.lastfm.de/music/4mat (inkl. Verweisen zu kostenlosen Downloads)
• https://www.facebook.com/4matofficial

Während sich zu Beginn Kamera und Spielfigur strauchelnd vom Boden erheben, bekommt man schon eine leise Ahnung, dass man es hier nicht mit einem Helden zu tun hat. Daniel, unsere Hauptfigur, ist gerade aus einer Ohnmacht erwacht, die sein Gedächtnis leergefegt hinterlassen hat. Hätte er nicht diesen an ihn gerichteten Zettel mit einer Warnung gehabt, wüsste er noch nicht einmal seinen Namen. Während wir also nach weiteren handgeschriebenen Nachrichten suchen, um mehr Licht in Daniels Vergangenheit zu bringen, finden wir auch eine Öllampe, welche unser ständiger und engster Begleiter im Spiel sein wird. Mit dieser bringen wir nicht nur Licht in die Teile des riesigen Anwesens, welche ohne Kerzen auskommt, sondern auch wieder Ruhe in Daniels Psyche. Ein spielerischer Bestandteil ist nämlich, dass unsere Figur sich zu keiner Zeit richtig wehren kann und den tödlichen Bedrohungen im Spiel so gut wie möglich aus dem Weg gehen muss. Praktisch sieht das so aus, dass wir bei erlauschten Geräuschen in nächster Nähe schleunigst das Licht löschen und um die Ecken der kärglich beleuchteten Gänge spähen, in der Hoffnung zuerst die dort lauernden Monster zu erspähen. Hat man diese Hürden dann hinter sich gebracht, sollte man schleunigst wieder die Lampe einschalten, denn sonst liegt Daniel ratzfatz, völlig entnervt am Boden und man darf sich den Game Over-Bildschirm ansehen.

Optisch darf man Amnesia: The Dark Descent als schlicht oder effektiv beschreiben. Die Grafik macht ihre Arbeit gut, kann aber bei weitem nicht mit Top-Titel mithalten und ruckelt gern mal auf etwas älteren Systemen. Aber wie gesagt, so wie das Spiel generell gestaltet wurde, kann sich die Atmosphäre angemessen entfalten. Man fühlt sich jederzeit gut hundert Jahre zurückversetzt mit den von Spinnenweben und antikem Mobiliar ausgestatteten Räumen. Auch die makaberen Forschungs- und Folter-Instrumente, die man später entdeckt, sind definitiv "asbach".

Wo die Grafik ihre Arbeit ausreichend macht und "nur" atmosphärisch punktet, schlägt sich der Sound wieder überdurchschnittlich gut. Frictional Games war ganz klar, dass ihr Spielprinzip, das vor der Furcht der Gefahr im Schatten, von der richtigen Musik und Geräuschen stark profitieren, wenn nicht gar abhängen, würde. Geisterhafte Melodien, die denen der Lovecraft-Hörspiele von LPL Records in nichts nachstehen, begleiten einen ständig und sorgen für aufgestellte Nackenhaare, auch wenn mal nichts Konkretes passiert. Schlurfen, Stöhnen, Ächzen, Hacken von Monstern, wie auch Apparaten sind äußerst überzeugend und treiben die eigene Fantasie zu düsteren Höhenflügen an.

Trailer

Video- und Computer-Spiele sind ein großer Markt, das dürfte mittlerweile sogar Oma und Opa bekannt sein. Bildlich gesprochen grasen auf dieser Wiese aus Geldscheinen aber nicht nur die großen Tiere wie Blizzard/Activision, Ubisoft und EA, sondern auch immer mehr kleine Verleger. Nicht selten sind diese Verleger auch gleichzeitig die Entwickler, wie bei einigen Spiele des Humble Bundle (in etwa: "Demütiges Päckchen"). Schauen wir doch mal, was sich genau dahinter verbirgt...

Grandios am Humble Bundle ist, dass man auch bloß einen Cent bezahlen könnte, um an sehr gute Spiele zu kommen. Es bleibt Euch überlassen, zu entscheiden, wieviel Geld die Entwickler für ihre Arbeit bekommen sollen. Gleichzeitig bringt es Euch noch viel mehr, nicht allzu knausrig zu sein, denn: Wer den Mindestpreis bezahlt, bekommt noch mehr Inhalt. Das können weitere Spiele sein oder auch ein Film, wie beim Humble Bundle IV, das das tolle Puppen-Abenteuer "Kooky" als Extra enthielt.

Aber auch ohne Mindestpreis passiert schon viel Gutes: Beim aktuellen Päckchen bekommt Ihr die Soundtracks im MP3- und hochwertigen FLAC-Format hinzu und könnt bestimmen, ob von Eurem Betrag auch noch Projekte wie Child's Play unterstützt werden sollen. Dieses zum Beispiel, verschenkt Videospiele an kranke Kinder, die ihr Krankenhaus oder Krankenbett nicht verlassen dürfen und so ein eintöniges Leben führen müssen. Die Spiele kommen alle DRM-frei und laufen auf PCs, Macs und sogar unter Linux.

Außerdem ist das Humble Bundle leicht zu erwerben. Wer bereits einen PayPal-, Amazon-Payments- oder Google-Checkout-Account besitzt, kann sofort bezahlen und erhält meist Sekunden später eine E-Mail mit Download-Links zu den Spielen.

Im Humble Bundle V sind folgende Spiele enthalten:

• Amnesia: The Dark Descent (zum Testbericht)
• Psychonauts
• LIMBO
• Superbrothers: Sword & Sworcery

• Bastion
• Super Meat Boy
• Braid
• Lone Survivor (zum Testbericht)

Wie aus dem Berufswunsch eines gelangweilten Jugendlichen, eine der erfolgreichsten Comic Serien wird, das ist schon eine merkwürdige Geschichte. Doch um Euch einen kurzen Einblick zu gewähren, wie es zu Kick-Ass kam, hier eine knappe  Zusammenfassung: Mark Millar, Autor des Comics Kick-Ass, wird im Jahre 1969 in Schottland geboren, behütet und ohne viel Trubel. Zu seinen Hobbys zählt gemeinsam mit seinen Freunden Comics zu lesen, doch das Lesen alleine wird ihm irgendwann zu langweilig. Schluss mit dem Phantasieren. Mark will ein Superheld sein und so beschließt er, gemeinsam mit seinen Freunden, ein Held zu werden. Sie trainieren im Fitnesscenter, sie basteln sich Kostüme, sie geben sich Namen, doch zum Einsatz kommt es nie. Statt Superheld wird der erwachsen gewordene Mark Autor und der Rest ist wie man so schön sagt, Geschichte.

Wer Arschtritte verteilt, muss Einstecken können

Der Fuß in der Comic-Tür

Trailer

Die E3, mitsamt ihrer Pressekonferenzen der Hersteller, welche von tausenden Spieler live verfolgt werden, ist für den passionierten Spieler ja mittlerweile so etwas wie das Champion's League-Finale. Vorfreude macht sich jedes Mal im Vorfeld breit und es steigen doch immer wieder Hoffnungen auf, dass eine große Ankündigung für jede Menge Hype und Gänsehaut sorgen wird. Aber umso enttäuschter ist der Spieler auch, wenn es dann vielleicht doch nicht dazu kommt.

Insgesamt enttäuschende PKs

Microsoft

Sony

Nintendo

Ubisoft

Spiele abseits der PKs

Dead or Alive 5 Trailer:

Square Enix neue Techdemo

Soul Sacrifice Trailer

Sound Shapes Trailer

Rayman Legends Trailer

Große Hoffnungen ruhen auf dem neuen Resistance, ist es doch der erste Ego-Shooter für die PS Vita, der Gebrauch von den beiden Analog-Sticks macht und somit ein ähnliches Spielerlebnis verspricht, wie auf den stationären Konsolen. Zur Zeit befindet sich Burning Skies in unserem Testlabor. Unser Review wird Aufschluss darüber geben, ob Nihilistic Software hier eine gute Umsetzung für die tragbare PlayStation gelungen ist.

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Was müsst ihr dafür tun?

Schreibt eine E-Mail an kontakt@couchcastle.de und teilt uns mit, ob Ihr Euch dem Widerstand, also der Menschheit oder den Invasoren, den Chimera anschließen würdet. Einsendeschluss ist der 16. Juni 2012, 23:59 Uhr. Im Anschluss werten wir aus, welche Seite die meisten Anhänger hat. Unter den Kämpfern der stärkeren Fraktion verlosen wir die beiden Gewinnspiel-Exemplare. Euch bleiben also zwei Wochen Zeit, Eure Freunde zu mobilisieren und Eurer Seite beizutreten. Damit es hier keine konspirativen Absprachen gibt, wurde die Kommentar-Funktion für diesen Beitrag deaktiviert.

Bitte beachtet, das Ihr nur teilnehmen dürft, wenn Ihr 18 Jahre oder älter seid. Die beiden Gewinner müssen uns zum Beweis ihrer Volljährigkeit eine Kopie Ihres Ausweises (Scan per E-Mail genügt) zuschicken.

Allen Teilnehmern wünschen wir viel Erfolg!

Wir bedanken uns recht herzlich bei Sony Computer Entertainment Deutschland für die Bereitstellung der Gewinnspiel-Exemplare.

** UPDATE **

Wir bedanken uns bei den zahlreichen Einsendungen und wünschen den Gewinnern viel Spaß mit der Alien-Jagd.

Was zur Hölle soll KMPFSPRT heißen? Um es kurz zu fassen: KMPFSPRT heißt, dass es eine Menge auf die Fresse gibt, und das ab der ersten Sekunde! Setzen die Business-Punker mit ihrer Scheibe zu einem Sieg nach Punkten an oder werden sie aufgrund eines Tiefschlags disqualifiziert?

„Das ist doch kein Name für ´ne Band“ ist die Debüt-Platte des Kölner Quartetts unter der Fahne von Redfield Records. Die sechs Titel sollen einen Vorgeschmack darauf geben, was uns in Zukunft erwartet und ob KMPFSPRT überhaupt eine Zukunft hat.

Vergangenheit hat die Gruppe jedenfalls schon zur Genüge, denn jedes einzelne Mitglied von ihnen war bereits vorher schon in einer Band und hatte damit die Möglichkeit, genug Erfahrung zu sammeln. Auch KMPFSPRT selbst ist längst kein unbeschriebenes Blatt mehr. Etliche Auftritte und Songs können die vier vorweisen, doch das Meiste geschah noch unter dem Namen „Lyon Estates“. Wie sich herausstellte war dieser bereits vergeben und so war man dazu gezwungen, sich umzubenennen. Zum Negativen hat sich das Ganze zumindest nicht gewandelt, denn plötzlich ging es für die Musiker steil bergauf und es kam zum Plattenvertrag bei Redfield Records.

Play Taste gedrückt, Textbuch gezückt

Das Album “Das ist doch kein Name für ´ne Band” von “KMPFSPRT” ist seit dem 18.5.2012 erhältlich. Die CD erhaltet Ihr für knapp 8,50 Euro im Handel. Geneigte Downloader dürfen das Album für günstige 6,00 Euro über Amazon.de oder iTunes beziehen.

Affengeld

Das Leben ist hart. Dem würde Max Payne sicherlich zustimmen, der seit Jahren mit dem Verlust seiner Lieben zu kämpfen hat. Rockstar Games haben den inzwischen gealterten Anti-Helden noch einmal kurz vor der Rente ins Getümmel der Videospiel-Landschaft zurückgeholt. In unserem Review berichten wir über den Mann, der selbst nach einer Flasche Whiskey noch besser zielt, als jeder Scharfschütze.

Raus aus dem Trott

Präsentiert wird alles in recht runden Zwischensequenzen, die meist mit einem Filtereffekt und Flackern versehen wurden, die dramaturgisch das Leiden von Max Payne visualisiert und auch je nachdem unterschiedlich stark ausfällt. Meines Erachtens kann sich das als etwas nervig herausstellen, so richtig schön empfinde ich den Effekt nicht, der die sonst ja gut inszenierten Sequenzen etwas schmälert. Ach ja, es werden auch oft Stichpunkte noch mal in Textform eingeblendet, was für mich jetzt auch nicht so den Mehrwert hat.

Knallharte Shoot-Outs

Rockstar Games haben ihre Engine jedenfalls gut weiterentwickelt und zahlreiche Einstellungsmöglichkeiten helfen Euch dabei, das Spiel auch gut auf Eure Fähigkeiten anzupassen und das nicht nur mit dem Schwierigkeitsgrad, welche schon auf "Mittel" erfahrende Shooter-Spieler manchmal ins Schwitzen bringt.

Wem es in Uncharted schon zuviel an Schießereien war, den wird das wahrscheinlich weniger freuen, dass in Max Payne die spektakulären und intensiven Shoot Outs noch mehr Raum einnehmen. Im Prinzip hangelt man sich von einer Cut-Szene in die andere und ist nur mit Schießereien beschäftigt, welche nur minimal variieren, wie z.B. mit einer Scharfschützen-Passage oder einem Flug im Helikopter oder einer Fahrt im Schnellboot. Wer die Vielfalt an Aufgaben und Offenheit eines Red Dead Redemption oder GTA erwartet, weil Rockstar Games draufsteht, der wird da vielleicht etwas irritiert sein. Max Payne 3 folgt viel mehr einem cineastischen, linearen Faden und stellt vornehmlich Euer Talent in Feuergefechten auf die Probe. Die Indiziensuche bestimmen als einziges Nebeninstrument das Gameplay nur minimal.

Multiplayer

Bei acht verschiedenen Spielvarianten hat man eine schöne Anzahl, um seinen persönlichen Liebling herauszusuchen. Darunter befinden sich, durch andere Spiele bereits bekannte, Modi wie bspw. „Deathmatch“ oder „Team Deathmatch“, bei denen man noch dazu wählen kann, ob man mit 8 oder mit bis zu 16 Gegnern auf einer Karte spielen möchte. Im Modus „Gang Wars“ setzt sich durch Zufall eine Reihe an Missionen zusammen, die Ihr gemeinsam mit Eurem Team lösen müsst. Elf Missionen gibt es dabei insgesamt. Diese reichen vom normalen „Team Deatmatch“ bis hin zu nervenaufreibenden Fluchtmissionen, in denen Ihr mit Eurem Team entkommen müsst, bevor Euch die gegnerische Crew den Garaus macht. Das alles mündet dann am Ende in einem großen Bandenkrieg, in dem entschieden wird, wer die Herrschaft über die Straße erhält.

Richtig viel Spaß hatte ich aber mit dem Modus „Payne Killer“: Hier beginnt die Runde wie in einem ganz normalen „Death Match“, doch sobald jemand dem ersten Feind die Lichter ausgeknipst hat, wird der siegreiche Schütze zu Max Payne höchstpersönlich. Dieser darf, bewaffnet mit zwei Maschinenpistolen und dem dazugehörigen Schmerzmittel, den Leuten gehörig den Marsch blasen und das sogar in Zeitlupe! Denn wer den Herren Payne kontrolliert, erhält gleichzeitig auch die Macht über die Zeit, so lange bis er selbst eben diese segnet. Derjenige, der dann dem lieben Max die meiste Energie geraubt hat, schlüpft in dessen Haut und darf ebenfalls die Sau raus lassen.

Alles in allem sind die Modi sehr stimmig und können kaum bemängelt werden, bis auf eine kleine Ausnahme: Die Einstiegsplätze für die verschiedenen Modi sind teilweise unglücklich gewählt und so kann es auch vorkommen, dass man direkt beim Wiedereinstieg hinterrücks erschossen wird. Das kann ärgern, aber mindert den Spielspaß durch das rasante Tempo des Multiplayers kaum. Abgerundet wird das Ganze am Ende noch durch die spielbaren Charaktere und Waffen: Beides lassen sich nach Belieben verändern und erweitern, um sich eine maßgeschneiderte Spielfigur zu schaffen. Ganz in Call of Duty- oder Battlefield-Manier erhält man für jeden erledigten Gegner Erfahrungspunkte, durch die man wiederum Ränge aufsteigt und Waffen sowie Ausrüstung freischalten kann. Max Paynes Mehrspielerscharmützel motivieren und machen auch nach etlichen Stunden noch immer Spaß.

Fast scheint es, als hätten sich die Macher von Sorcery von berühmter Weltliteratur inspirieren lassen, erinnert der Beginn der Geschichte um Finn, den Zauberlehrling doch sehr stark an Goethes Ballade "Der Zauberlehrling" von 1797. Während sich der Meister auf eine wichtige Geschäftsreise begibt, überlässt er Finn die langweiligste aller nur erdenklichen Aufgaben: Hausarbeit. Per Hand. Ohne Magie. Wie gut, dass Finn anderes im Sinn hat und sich des Mentors Zauberstab schnappt. Die Warnung einer sprechenden weißen Katze in den Wind schießend, vollführen wir mit dem Move-Controller unsere ersten zaghaften Schwünge. Eins zu eins werden die Armbewegungen auf Finn übertragen. Gesteuert wird Finn mit dem Analog-Stick des Navigation-Controllers oder alternativ mit einem einhändig gehaltenen Standard-Controller.

Schon löst sich mit einer schwungvollen Schleudergeste der erste arkane Schuss präzise in die von mir gezielte Richtung und zerstört eine der zu reinigenden Vasen. Ups, war ich das? Kaum habe ich den Turm verlassen, erblicke ich einige Schafe. Soll ich vielleicht... oder besser nicht? Ach, was soll's. Kurzer Hand schleudere ich einen Schuss auf eines der Schafe und es verwandelt sich in ein Schwein. Es fühlt sich einfach großartig an. Schnell vergesse ich, dass ich eigentlich einen Move-Controller in der Hand halte und wirbele weiter mit meinem Zauberstab durch die Gegend.

Schrecken ohne Ende!

Im späteren Spielverlauf gesellen sich noch Eis, Wind, Feuer und Blitz-Zauber in mein Repertoire. Ich möchte nicht zu viel verraten, aber die Kombinationen aus einem kleinen Wind-Wirbel, entzündet durch einen Feuerstoß und anschließend mit Arkan-Zauber beschossen lässt ein beachtliches Feuerwerk auf meine Gegner regnen. Leider legen auch meine Gegner zu und schicken mir neben fetten Golems und ninjaartigen Schattenwesen auch dicke Bosse auf den Hals. Alle Gegner weisen gewisse Resistenzen auf, so dass ich mir merken muss, welchen Zauber ich wann aktivieren muss. Da jeder Zauber eine eigene Geste hat, wird das in hektischen Situationen mit vielen Gegnern eine ganz schön anstrengende Fuchtelei.

Ende mit Schrecken?

Weitere Zutaten

Rätselhaft einfache Rätsel

Ein Blick hinter die Magie

Trailer

Der Name Makoto Shinkai dürfte einigen Lesern schon ein Begriff sein. Hinter ihm steckt das 1-Mann-Kraftwerk, das den 25-Minüter "Voices of a distant star" fast komplett im Alleingang erschaffen hat. Einige nennen ihn sogar "den neuen Miyazaki". Wieso das so ist wurde mir Samstag im Kino des Japan Filmfest Hamburg immer mehr bewusst.

Eröffnet wird der fast zweistündige Film mit idyllischen Bildern der japanischen Berglandschaft in der Nähe eines kleinen Dorfes. Wir beobachten, wie unsere lebendige Protagonistin Asuna ihren Weg zur Spitze macht. Mal von ihrer Position als Klassensprecherin abgesehen, verbringt sie ihre Zeit zu gerne auf dem großen Felsen, versunken in den geheimnisvollen Klängen einer Melodie, die sie mit ihrem Amateurradio empfängt. Nach dieser Einführung gewinnt der Film an Fahrt als in der Schule vor einem großen, bärenartigen Tier gewarnt wird. Entgegen der Warnungen begibt sich Asuna trotzdem wieder zum Berg, nur, um mitten auf der Eisenbahnbrücke von dem unbekannten Tier angegriffen zu werden. Nach der Rettung durch einen Jungen, in den sie sich auch noch schlagartig verliebt, verschwindet dieser eines Nachts und wird tags darauf tot aufgefunden. Eine Geheimorganisation, die die Quelle der magischen Kräfte des Jungen sucht und dessen Bruder, treten auf den Plan. Schnell befindet sich Asuna in einem Wettlauf zur "Agartha" genannten Unterwelt, welche das Geheimnis zu Leben und Tod hüten soll.

Wer Hayao Miyazakis "Das Schloss im Himmel" kennt, dem könnten hier schon bestimmte Parallelen aufgefallen sein – bloß, dass diesmal kein Mädchen vom Himmel fällt, sondern ein Junge aus den Tiefen der Erde aufsteigt. Auch sonst gibt es einige andere Ähnlichkeiten, welche man aber problemlos als Inspiration oder Tribut an den Ghibli-Klassiker sehen kann, denn Shinkai erzählt dann doch mit ganz anderen Schwerpunkten. Während Miyazaki einen entspannten und fast durchweg heiteren Abenteuerfilm inszeniert hat, werden Asuna und ihre Begleiter immer wieder und zusehends eindringlicher von philosophischen Fragen bezüglich der Sterblichkeit umgetrieben. Passend zu diesem harten Thema fällt auch der Gewaltgrad auf. Children Who Chase Lost Voices ist bei weitem kein brutaler Actionstreifen, scheut aber (trotz FSK ab 12) nicht davor mit Blut zu schockieren. Dies unterstreicht den Ernst des Themas.

Die Bilder zu Anfang des Films halten ihr Versprechen, dass man durchweg künstlerisch Hochwertiges vorgesetzt bekommen wird. Egal ob Japan, oberhalb der Erde oder Agartha unterhalb, beide Orte strotzen nur so vor Charme und Lebendigkeit. Details und Beleuchtung erzeugen den Eindruck, dass die Umgebung bewohnt wird. Das kann man unter Anderem an der Einrichtung und Konstruktion von Asunas Elternhaus mit aufteilbarem Wohnzimmer erkennen oder auch den Bungalows der Unterwelt, die anstatt einer Küchenzeile mit Kochstellen auskommen. Wo wir gerade von Küchen reden: Dies ist wieder einer der Animes, die das Essen derart zelebrieren, dass man durchaus Appetit bekommen kann.

Musikalisch wird den Ohren auch durchgehend Angenehmes geboten, wobei ich mich nicht dem Eindruck erwehren konnte, dass richtige Abwechslung ausblieb. Klar, die Musik war passend zu Drama, wie auch Entspannung aber leider ohne echte Höhepunkte. Gleichzeitig hat das Titellied "Hello Goodbye and Hello" Ohrwurmcharakter und trifft gleich den schönen, wenn auch melancholischen Nerv des Films.

Trailer

Übrigens, wer in Hannover oder Umgebung wohnt, kann sich schonmal die Woche vom 02.-09.Juli vormerken. In der wird Shinkai Europa besuchen und unter Anderem auf der Premiere des Films in Hannover sein. Quelle: Kazé.

Der West/Ost-Mix!

Ein Charakter-Editor, der seines Gleichen sucht

Eine breite Auswahl an Fähigkeiten, welche der Spieler im Laufe des Spiels freischalten kann, tragen wesentlich dazu bei, dass das actionlastige Kampfsystem seinen Reiz auf lange Sicht wohl nicht verliert. Überhaupt gefällt mir die Steuerung, allein das Bogenschießen geht gut von der Hand und machte mir auf Anhieb richtig Spaß. In den schön inszenierten Boss-Kämpfen gefällt mir das Festhalten an den großen Monstern ziemlich gut und erinnert mich an "Shadow of the Colossus". Ansonsten wirkt das System manchmal ein wenig zu hektisch, aber wer mit dem Kampsystem von "Devil May Cry" etwas anfangen kann, wird hier mit Sicherheit gleich seine Freude haben. Zum Heilen muss man allerdings immer in ein Menü schalten, was mir leider nicht so zusagt.

Die Präsentation

Ein wenig still wirkte das Spiel auf mich – die Wegbegleiter deuten mit ihren, zu der Szene passenden und individuellen Kommentaren, immerhin eine Kommunikation an, die aber dank des stummen Helden nicht wirklich ausufert. In der Stadt und unterwegs unterhält man sich dann immerhin mit einigen NPCs, welche alle mit englischer Sprachausgabe daherkommen, welche leider nicht lippensynchron ist. Die Musik fiel mir jetzt nicht besonders groß auf (außer den grandiosen J-Rock Titelsong, der einige vielleicht schockieren dürfte).

...weitere witzige Überraschungen

Anspielungen zu der Manga-Serie "Berserk" gibt es auch: es gibt zum Beispiel Rüstungsteile aus der Serie, oder auch eine kleine Hexe im Wald, die in einem Baum-Haus mit Stein-Golems davor wohnt. Da merkt man, dass hier Japaner hinter stecken, bei denen der Manga recht bekannt ist (und ich bin ja auch noch ein großer Fan!).

Hier sind die Erscheinungstermine, die uns am meisten interessieren:

Videospiele

Datum	Titel	Genre	Ersteindruck
25.05.	Dragon’s Dogma	Rollenspiel	Gut
25.05.	Mario Tennis Open	Sport	Gut
25.05.	Sorcery	Action-Adventure	Gut
01.06.	Resistance: Burning Skies	Shooter	Sehr gut
15.06.	Lollipop Chainsaw	Action-Adventure	Sehr gut
15.06.	Gravity Rush	Action-Adventure	Hervorragend -> Preview lesen
15.06.	Heroes of Ruin	Rollenspiel	Gut
29.06.	Spirit Camera	Survival Horror	Gut
29.06.	Project Zero 2 Wii Edition	Survival Horror	Hervorragend
29.06.	Lego Batman 2: DC Super Heroes	Action-Adventure	Gut
29.06.	Metal Gear Solid HD-Collection	Stealth	Gut
29.06.	Ratchet and Clank Trilogy HD-Collection	Jump 'n Run	Sehr gut

Anime

Datum	Titel	Genre	Ersteindruck
25.05.	Madoka Magica Vol. 3	Action	Hervorragend
25.05.	Maid-Sama Box 4	Comedy	Sehr gut
25.05.	One Piece Film 9	Action	Sehr gut
25.05.	One Piece TV-Serie Box 1	Action	Sehr gut
25.05.	K-On Staffel 2 Vol. 2	Comedy	Sehr gut
29.06.	Blue Exorcist	Fantasy	Sehr gut
29.06.	K-On Staffel 2 Vol. 3	Comedy	Sehr gut

Hack&Slay Spiele gab es vor Diablo, und es gab sie nach Diablo. Für die jüngeren Leser: Diablo ist kein Torchlight-Klon. Kaum eine andere Serie wie Diablo vermochte so viele Spieler zu begeistern und gleich scharenweise ins Battle.net zu locken. Bis zuletzt wurde eifrig in den regelmäßig zurückgesetzen Diablo 2 Ladders um Ruhm und Anerkennung gekämpft, 2010 veröffentlichte Blizzard nochmal einen Balancing-Patch. Hat nun Diablo 3 das Potenzial alte Fans und mögliche Neueinsteiger gleichermaßen zu begeistern?

Willkommen zu Hause

Wo wir bei den Klassen sind: Für Diablo revolutionär ist die Tatsache, dass jede der verfügbaren Klassen nun sowohl in einer männlichen oder einer weiblichen Rolle gespielt werden können. BarbarIn, DämonenjägerIn, HexendoktorIn, Mönch (nein, sie heißt in Diablo nicht Nonne) und Zauberer bzw. Zauberin spielen sich angenehm abwechslungsreich und unterschiedlich, so daß sie sich im kooperativen Multiplayer-Spiel gut ergänzen.

Die ohnehin schon für Blizzard typisch hochwertigen Render-Sequenzen werden in Diablo 3 nochmals getoppt. Wunderschön anzusehen, perfekt synchronisiert und bombastisch inszeniert, vervollständigen sie die Geschichte vor, zwischen und nach den vier Akten, die ansonsten durch Ingame-Sequenzen und Dialoge vorangetrieben wird. Diablo hat eine Story? Ja. Sie handelt von Gut und Böse, von der Menschheit und den Engeln, die im Himmel über uns Wachen und zur Abwechslung mal keine federbeflügelten Kindchen sind, sondern übermächtige Kämpfer und Krieger der Gerechtigkeit. Allerdings sind sie nicht vollkommen, auch sie weisen ganz menschliche Schwächen auf. Und letztlich brauchen sie unsere Hilfe im Kampf gegen das oberste Übel.

Mein persönliches Highlight an Diablo war seit jeher der kooperative Mehrspieler-Part. Ob mit Freunden oder Unbekannten: Man schnetzelt sich gemeinsam durch die Monster-Horden. Was sich seit 1990 nicht geändert hat: Es können maximal vier Kämpfer zusammen durch die Dungeons streifen. Das ist auch gut so, denn schon bei vier Spielern mit jeweils beschworenen Kreaturen sowie dutzenden Gegnern auf dem Bildschirm kann man schonmal den Überblick verlieren. Konzeptionell neu am Multiplayer ist die Tatsache, dass jeder Spieler seine individuelle Beute erhält. Während es bei den Vorgängern schonmal äußerst ärgerlich war, wenn ein unbekannter Mitspieler alle seltenen Gegenstände eines Boss-Gegners weggeschnappt hat, ist dieses Verhalten bei Diablo 3 nicht mehr möglich.

Abgerundet wird mein positiver Gesamteindruck durch sich häufig ändernde Hintergründe und Landschaften, die allesamt zwar nicht das technische Maximum der aktuellen PC/Mac-Generation abrufen, aber durchweg hübsch anzusehen sind und mit vielen kleinen Details aufwarten. Es macht einfach Spaß, Sanktuario neu zu entdecken.

Kein blinder Fanboyismus

Ein hitzig diskutierter Punkt ist der Online-Zwang. Das Phänomen ist nicht neu und betrifft die großen Publisher gleichermaßen. Immer öfter will man uns zwingen, online mit den Servern des Publishers verbunden zu sein. Aus meiner persönlichen Sicht ist der Vorwurf an Diablo 3 aber etwas fehl am Platz. Diablo ist und bleibt für mich ein Multiplayer-Spiel, das man kooperativ absolviert. Schon Diablo 2 haben wir damals auf LAN-Parties im geschlossenen Battle.net gespielt. Worin liegt der Reiz, sich einen Über-Charakter mit bester Ausrüstung in einem externen Editor zusammenzuklicken? Dass mit Diablo 3 nun aber auch die Solo-Spieler gezwungen sind, online zu spielen, ist in der Tat unglücklich gelöst. Konsequenterweise hätte man aber Offline-Spieler wegen der Cheat-Gefahr von den Auktionshäusern ausschließen müssen.

Kritisch stehe ich auch dem Echtgeld-Auktionshaus gegenüber, wenngleich sich ein abschließendes Urteil wohl erst gegen Ende des Jahres fällen lässt. Aufgrund technischer Schwierigkeiten wird der Teil des Auktionshauses, in dem mit echten Euros bezahlt wird, erst Ende Mai an den Start gehen. Das bisherige Ingame-Gold-Auktionshaus wird wohl weitestgehend als Lagerplatz missbraucht. Während die Ablageplätze in der Beutetruhe zu Beginn arg limitiert sind, dürfen im Auktionshaus bis zu 50 Items, die nicht verkauft wurden, liegen bleiben. Da wundert es nicht, dass massenhaft Schrott-Items zu utopischen Millionenbeträgen das Auktionshaus zuspammen. Spätestens mit Einführung des PVP-Modus (erwartet für Ende das Jahres) wird das Echtgeld-Auktionshaus aufblühen. Schon eBay und Konsorten haben gezeigt, dass es genügend "Spieler" gibt, die bereit sind, sich einen Vorteil mit Geld zu erkaufen.

Darf ich die Bekanntschaft machen? „Gravity Rush“, das sind die Leser von CouchCastle.de, Leser von CouchCastle.de, das ist mein persönlicher Kaufgrund für die PlayStation Vita.  Es ist noch gar nicht so lange her, als ich die ersten Schnappschüsse sah und sofort verzückt war. Der hübsche Cel-Shading-Look hatte es mir gleich angetan, ebenso die interessante Idee, in einer mysteriösen offenen Welt die Gesetze der Erdanziehungskraft nach meinem Belieben zu manipulieren. Und nachdem ich mir nun mit der Demo einen eigenen interaktiven Eindruck machen konnte, ist die Vorfreude nochmals gestiegen.

Wo bin ich?

Trailer

3DS?

Offene Fragen

„Kind! Mach doch mal die Flimmerkiste aus. Du verdaddelst doch noch deine ganze Jugend“. Recht hatte meine Mutti - zumindest bei zwei Titeln, mit denen ich wirklich verhältnismäßig viel Zeit verbracht habe, die ich rückblickend auch anders investieren würde: „Counter-Strike“ und „Diablo“. Während von „Counter-Strike“ zumindest noch das eine oder andere spannende Match in Erinnerung geblieben ist, hatte ich nach x teuflischen Spielstunden, die vom dauerhaften Klicken sogar das Hardwareleben einer Maus einforderten, eine supercoole Ausrüstung zusammengestellt. Wow! Immerhin machte sie mich zum reichsten Mann der Welt - reich an der Erfahrung, nicht noch ein drittes Mal auf den Sammelteufel hereinzufallen.

Diablo – Der Dämon von gestern

Aber Schwamm drüber, „Diablo“ hatte damals seinen Platz gefunden und behaupten können. Als dann „Blizzard Entertainment“ tatsächlich einen dritten Teil der „Diablo“-Reihe angekündigt haben, musste ich die Spieleerfahrungen der letzten Jahre Revue passieren lassen und brauchte nicht lange grübeln, ob ich mir diese tristen Abläufe jetzt noch einmal antun muss.

Weiche von mir, Satan!

Wozu soll ich also auf die altbackene Pirsch nach Artefakten gehen, wenn man sie heutzutage im Shop kaufen kann, nur weil der Geduldsfaden reißt? Geld regiert nun leider auch die Spielwelt. Das mittlerweile verflachte Erfahrungssystem, das beim Aufstieg automatische Werte vergibt, biedert sich nunmehr der Masse an, als sie zu fordern und ihr ein gewisses Maß an Individualität zu bieten. Und dann wäre da noch der permanente Onlinezwang, den ich aus Prinzip nicht mitmache. Klar, Raubkopien sind ein brisantes Thema, der Wiederverkauf mag der Spielindustrie ein Dorn im Auge sein, dennoch sind andere Publisher auch ohne diesen Mumpitz erfolgreich. Und wenn die Server dann noch tagelang nicht dem Ansturm gewachsen sind, tja, da kann ich nur entspannt drüber schmunzeln. Die Masse hätte es in der Hand, ob so ein System auch in Zukunft besteht oder nicht und sollte nicht jedem großen Hype gleich hinterherdackeln.

Den euphorischen Gegenentwurf von Christian findet Ihr hier: Warum mich Diablo erneut gepackt hat. Ein Bekenntnis.

Liebe Zauberschülerinnen und -Schüler,

Vor zwei Jahren präsentierte Sony das magische „Sorcery“ auf der Videospielmesse E3 und machte weltweit neugierig. Die Bewegungssteuerung wirkte schon damals sehr präzise, die Spielwelt stimmig, und trotzdem wurde es anschließend sehr leise um den Zauberlehrling Finn, der bereits nächste Woche überall im Handel erhältlich sein wird. Zeit, Euch mit ihm ein wenig vertraut zu machen:

Durch eine Verkettung unglücklicher Ereignisse hat die Feenwelt es dem Zauberlehrling Finn zu verdanken, dass sie von der Albtraum-Königin bedroht wird. Anstelle sich mir nichts dir nichts aus dem Staub zu machen, stellt sich Finn seiner Verantwortung und begibt sich mit seiner katzenhaften Begleiterin, Erline, auf die lange Reise, um in den insgesamt fünf Welten das Böse zu besiegen und Rätsel zu lösen: Vom Reich der Toten über die endlose Treppe bis hin zum schlummernden Palast führt sein Abenteuer, das Finn mit über 50 Tränken sowie mehr als 20 Zaubersprüchen antritt. Insbesondere letztere sind der Dreh- und Angelpunkt des Spiels, da sie sich dank des Move-Controllers mit entsprechenden Gesten ausspielen lassen.

Screenshots

Wir werden unter allen Beiträgen die zwei Besten belohnen und auf unserer Seite veröffentlichen.

Viel Spaß und noch mehr Glück wünschen wir Euch in Zusammenarbeit mit Sony Computer Entertainment.

Trailer

** UPDATE **

Liebe Leser,

wir haben nun zwei Gewinner gewählt:

Dennis R. aus Friedberg: "Zaum und Zaus und Sausewind, dass der Trick mir gut gelingt! Fliegendreck und Schlangenei, Zauberfee komm schnell herbei! Zauberlist und Gaukelei, SORCERY, komm nun herbei!"

Roberto K. aus Berlin: "Abra-ka-Dings, ich verhexe euch mit links. Ich muss das Sorcery gewinnen, auf dass mein Move dem Spiele-Mangel kann entrinnen, denn Staub hält es gefangen und nur so kann wieder Leben in den Motion-Controller gelangen."

Wir bedanken uns bei allen Teilnehmern für Eure schönen Ideen.

Wer hier auf CouchCastle mitliest, wird sicher bemerkt haben, dass sich meine Film-Tipps eher in Grenzen halten. Wer mich persönlich gut kennt weiß, dass ich Serien niemals mit Werbeunterbrechung und meist am Stück schaue. Oft warte ich auf den DVD-Release... und bei Breaking Bad habe ich schließlich glatt vier Staffeln am Stück nachgeholt und kaum etwas anderes geschaut. Und immer wieder stoße ich auf Menschen, die der Serie noch keine Chance gegeben haben, deshalb gibt's einen kleinen Einblick, auch wenn sie schon etwas älter ist.

Der Mann, der nichts mehr zu verlieren hat

Von der ersten bis hin zur vierten Staffel taucht die Serie immer weiter in die Tiefen des unmoralischen Wegs eines Drogen-Herstellers und Walters Figur entwickelt sich stets weiter und bringt immer mehr Schattenseiten des anscheinend schnell verdienten Geldes hervor. Spätestens, wenn das, was ihm am liebsten ist vor ihm flüchtet und in Gefahr ist, zeigt sich dem Meister-Koch, was für einen Preis seine Entscheidung hatte.

Mehr als nur ein Katz und Maus-Spiel

Nur wenige Kritikpunkte habe ich für die Serie übrig... dem einen oder anderen mögen ein paar Längen zu viel sein, andere könnten das Gefühl bekommen, dass einige Situationen zu künstlich ins Extreme getrieben werden. Doch am Ende machen es witzige Momente, unglaublich clever gestrickte Handlungsverläufe und die ständig an den Zuschauer gestellten Fragen, wie man selber entschieden hätte, alles wieder wett.

Eine alte Legende besagt, dass ein antikes Artefakt dazu imstande ist, die Wünsche einer Frau zu erfüllen. Skullheart nennt sich der kleine Traumerfüller, doch es gibt einen Haken: „Der Wunsch dieser Frau muss aus einem reinen Herzen heraus gesprochen werden;“. Wenn dem nicht so ist, verwandelt dieses sagenumwobene Fundstück das Mädchen in etwas, dass fürchterlicher ist, als alles andere auf dieser Erde: Ein Skullgirl. Ein Wesen voller Zerstörungswut und Hass. Nun ist ein neues Skullgirl erwacht. Wer ist dazu bereit, sie herauszufordern und damit in den Besitz des Skullhearts zu gelangen?

So wird das Geschehen und das Zusammentreffen der Charakter in  Autumn Games neuesten Prügelspiel "Skullgirls" erklärt. Für geniale und packende Stories war das  Beat ´em Up-Genre ja noch nie bekannt, doch Anhänger der Spiel-Sparte wissen auch, dass man bei diesem Thema gerne mal ein Auge zu drückt, so lange der Rest stimmt. Ob und inwiefern das zutrifft, erfahrt Ihr in den folgenden Zeilen des Reviews.

Knuddelige Kampfmaschinen

Große Klappe, viel dahinter

Gut verpackt ist halb verkauft

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Die Unendlichkeit des Firmaments steht still, blickt auf die Spitzen des Heimatbaums vieler Wesen herab und spendet etwas Licht – ebenso die winzigen Glühwürmchen, die um die Baumkrone tänzeln und mit den gemächlichen Nebelschwaden ein wenig Bewegung in dieses Stillleben bringen. Kurzum, es ist eine herrliche Nacht. Doch die zauberhafte Stimmung trügt, denn der prächtige Baum liegt im Sterben. Spinnenartige Parasiten haben ihn befallen und nun liegt die Hoffnung des Baumes in einem einzigen Samen, der auf seiner Flucht auf den Kopf der kleinen Physalis-Laterne fällt und ihm seine Bestimmung offenbart: Gemeinsam mit seinen Freunden soll er den Samen pflanzen!

Fünf Freunde gehen auf die Reise. Juchu!

Aber halt! Sogar ein sechster Freund schließt sich den lustigen Kerlchen an: Ich! Denn ich habe dieses schräge Quintett schon nach wenigen Klicks liebgewonnen, habe mich mit ihnen gefreut, wenn sie ihre Erfolge mit einem euphorischen „Juchu“ feiern und ein Lächeln auf meine Lippen zaubern. Bemerkenswert, dass solch skurrile Fantasiewesen so lebendig wirken - ihre Seelen haben sie definitiv durch ihre humorvolle Individualität eingehaucht bekommen, die sie neben ihren tollpatschigen Fehltritten beim Lösen mancher Rätsel unter Beweis stellen. Und auch die elementarste Frage, die ich mir schon immer stellte, beantwortet „Botanicula“: Was wünscht sich zum Beispiel ein Pilz mehr als alles andere, wenn er auf einen Dschinni trifft? Und dies wäre nur eines der vielen goldigen Momente, die im Gedächtnis bleiben.

Die putzigen Charaktere sind eine der großen Stärken von „Botanicula“, das trifft nicht nur auf die urkomische Clique zu, nein, denn die Gruppe trifft auch auf zahlreiche sympathische Nachbarn, die, ohne ein einziges Wort zu sagen, ihre eigenen Geschichten bilderhaft in Sprechblasen erzählen.

Eine fabelhafte Fantasiewelt

Die Atmosphäre von „Botanicula“ ist einzigartig, was nicht zuletzt an der sehr eigenwilligen Soundkulisse liegt.  Die musikalische Untermalung ist mit ihrer teils schrulligen Art stets sehr passend. Für den reinen Musikgenuss, abseits des Spiels, nur liedweise zu empfehlen. Und dass die vielen Geräusche nur mit dem Mund erzeugt wurden, verleiht dem Spiel sowieso seinen ganz eigenen Charme.

Einfache Rätselkost: Teils traditionell, mit einer Prise Minispiel garniert

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Weniger Gesang mehr Töne

Abwechslung ist das Zauberwort

„Artifacts“ ist die erste Auskopplung von „Trials“ und gibt bereits von vornherein ein sehr gutes Bild vom Album ab. Treibend, kraftvoll und irgendwie anders präsentiert man hier einen Einblick der zu überzeugen weiß. Auch in der Länge der Scheibe hat man es geschafft, über die Limbo Stange hinweg zu springen, anstatt unter dieser hindurch zu tänzeln. Knapp 50 Minuten beträgt die Laufzeit, die jedoch im Fluge vorbeizieht, während man gemütlich auf der Couch liegend dem Klang von "Mutiny on the Bounty" folgt.

Das Album "Trials" von "Mutiny on the "Bounty" ist seit dem 27.4.2012 erhältlich. Die CD erhaltet ihr für knapp 14 Euro im Handel. Geneigte Downloader dürfen das Album für günstige 10 Euro über Amazon.de oder Itunes beziehen.

Hörprobe

Es ist 2012 und es hat sich doch einiges geändert, seitdem wir damals mit unseren großen schweren GameBoys einige Autofahrten zum Urlaubsort überstanden haben. Nicht nur wir Spieler sind älter geworden, auch die Geräte und der Markt sind gereift und pessimistische Stimmen werden immer lauter, dass uns Handhelds, wie wir sie bisher kannten, so langsam verlassen werden. Aber darf man das als leidenschaftlicher Spieler wirklich so hinnehmen?

Die Rivalen

Mit den verschiedenen Handheld-Ansätzen haben sich auch drei generelle Zielgruppen entwickelt. Denn auch wenn es grundlegend darum geht, die Freizeitgestaltung auf Reisen, Abends im Bett oder auf dem Weg zur Arbeit zu verbessern, so suchen nicht alle Spieler das gleiche.

Vor- und Nachteile im Vergleich

Das Smartphone: Wie weit braucht man denn überhaupt ein teures?

• Unzählige Geräte-Typen, welche nicht alle die selbe Leistung bieten
• eine schnelle Überholung und Weiterentwicklung lassen teure Anschaffungen schnell veralten
• dutzende Apps auf dem Smartphone, die man nur sehr selten wirklich braucht
• lauter unkreativer Spiele, welche versuchen, auf der Erfolgswelle von "Angry Birds" & Co mitzuschwimmen
• gute Lösungen für die Einschränkungen der Touch-Steuerung zeigen sich selbst nach Jahren nicht

Nur zu schön ist der Gedanke, alles in einem Gerät vereint zu haben. Allerdings fressen uns die Spiele für unterwegs die Akku-Laufzeit für wichtige Telefonate weg und wenn man sich einmal anschaut, wie uns die Smartphones umerziehen, in eine Masse-statt-Klasse-Mentalität, oder wir plötzlich anfangen, selbst unterwegs viel Lebenszeit mit Facebook zu verbringen, statt qualitative Informationen aufzunehmen, so sollte man sich als leidenschaftlicher Spieler doch tatsächlich mal hinterfragen, ob man wirklich seine Ansprüche dermaßen runterfahren und Gefahr laufen möchte, dass uns die ganzen sogenannten "Non- und Casualgamer" einen neuen Videospiel-Crash wie damals, Anfang der 80er, durchleben möchte.

Also, eventuell reicht ja vielleicht schon ein günstiges Smartphone und ein guter Handheld, um für dasselbe Geld mehr zu bekommen?

Die aktuellen Handhelds: Die letzten ihrer Art?

Gerade die PS Vita hat dank ihres "PS3 für unterwegs"-Feelings in den letzten Wochen die Gunst der Redaktion erobern können. Plötzlich kann man ohne Einschränkungen umfangreiche Spiele besser in den Alltag integrieren: Wenn die Arbeit und Familie kaum noch Zeit für ein langes Rollenspiel zulassen, lässt es sich nun bequem in der Mittagspause oder Abends im Bett, wenn die Liebste schon eingeschlafen ist, noch spontan ein wenig weiterfarmen. Und dank der 3D-Erfahrung des 3DS oder dem besonders großen und hochwertigen Touchscreen der PS Vita sehen wir ein großes Potenzial, dass Spielerfahrungen von den Heimkonsolen nicht nur portabler geworden sind, sondern in Zukunft noch erweitert werden können, wie sich in Uncharted: Golden Abyss schon deutlich zeigt. Und wer eins der beiden Geräte in die Hand nimmt, wird auch sofort fühlen wie ergonomisch echte Tasten bleiben und weiterhin für ein präzises Steuern in Action-Spielen Voraussetzung bleiben.

Ein Vergleich zwischen dem 3DS und der PS Vita würde jetzt ein wenig den Rahmen sprengen. Unter Betrachtung des Themas lässt sich unserer Meinung nach nur grob sagen: Beide Handhelds sind im Grunde genommen gelungene Updates ihrer Vorgänger, welche auf aktuelle Trends (wie soziale Netzwerke und mehr Online-Funktionen) setzen und durch noch mehr Leistung, angenehmere Ergonomie (zwei Analogsticks bei der Vita) und anderer Features (wie die Touchfläche auf der Rückseite der Vita oder die 3D-Funktion des 3DS) ihre Daseinsberechtigung bestätigen. Abgesehen davon haben wir es hier mit zwei ausgezeichneten Handhelds zu tun.

Ihr habt unsere Testberichte rund um die Playstation Vita gelesen, das Kribbeln in den Fingerspitzen gespürt und trotzdem mit dem Kauf des Handhelds gezögert? Da haben wir einen ordentlichen Ansporn für Euch parat, der eine Entscheidung mit Sicherheit leichter machen dürfte! Denn wir verlosen unter allen Teilnehmern folgendes PlayStation Vita-Spielepaket, bestehend aus:

• 1x Uncharted: Golden Abyss
• 1x WipEout 2048
• 1x Unit 13
• 1x Everybody’s Golf

Frage 1: Wo beginnt Nathan Drakes neueste Expedition?
Frage 2: Wie viele Rennserien und Rennen umfasst die Singleplayer-Kampagne bei WipEout 2048?
Frage 3: Unit 13 – Was ist das Gegenstück zu den Tarn-Operationen?

Keine Ahnung? Na, dann solltet Ihr Eure Hausaufgaben machen und nochmals unsere Testberichte studieren!

Viel Spaß und noch mehr Glück wünschen wir Euch in Zusammenarbeit mit Sony Computer Entertainment.

**UPDATE**

So, die Zeit ist um und wir haben eine Gewinnerin... Marina B. aus Beckingen! Herzlichen Glückwunsch und viel Spaß mit dem umfangreichen Software-Paket.

Vielen Dank für Eure zahlreiche Anteilnahme. Wer gerne noch einmal sein Glück auf die Probe stellen möchte, kann ja auch bei unserem "Sorcery"-Gewinnspiel teilnehmen: Link.

Bewaffneter Raubüberfall. 50 Pfund Beute. Für 7 Jahre verknackt. Das ist der Grund für den chaotischen Verlauf von Michael Petersons Leben. Ihn selbst scheint sein merkwürdiger Lebensstil gar nicht zu stören. Ganz im Gegenteil: Voller Liebe zu seinen wechselnden Behausungen nennt er das Gefängnis „Hotel“ und seine Lieblingsaktivität ist es sich mit den Aufsehern zu Prügeln. Mit dieser Eigenschaft macht sich Michael Peterson nicht nur einen Namen, sondern sammelt obendrein fleißig Haftjahre für seinen weiteren Aufenthalt im „Hotel.“Geiselnahmen, Revolten und schwere Körperverletzungen machen ihn in ganz Britannien bekannt unter dem Namen „Charles Bronson.“

Aus der Realität rein in die Filmindustrie

Die Realität weicht dem Unterhaltungswert

Trailer

Die Fäden finden alle zusammen

Die Action macht großen Spaß, soviel steht fest. Die Super-Helden haben keine Mühe, die physikalischen Gesetze komplett zu übergehen und bieten verrückte Flugmanöver, reißen Wände ein, überwinden größte Abgründe ohne sich zu verletzen... Daher kommt, dank des"mittendrin"-Gefühls, auch richtiges Kino-Feeling auf. Die Dialoge sind größtenteils auch recht witzig, auch wenn hier und da vielleicht mal ein One-Liner etwas zu erzwungen rüberkommt. Optisch und akustisch wurde hier versucht, alles High-End zu halten, auch wenn mir das gerade von der Musik her dann doch manchmal zu weit geht... wenn man so schaut, mit welchem Pathos die Geschichte erzählt wird, so fällt einem nur umso mehr auf, dass hier versucht wird, selbst die kleinen Dinge so dick wie möglich aufzutragen. Also mir wurde das fast schon ein wenig zu viel zum Ende hin.

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Blasse Gegenspieler

Fun-Fact: In der Original-Fassung wird der HULK tatsächlich von Lou Ferrigno, also dem grünen Helden aus der TV-Serie der späten 70ern gesprochen.

Vom Schleicher zum Rambo

Auch die insgesamt 36 teils sehr anspruchsvollen Missionen lassen sich bereits im Tutorial erahnen: Am meisten Spaß haben mir die Tarn-Operationen gemacht, denn schlagen die Gegner bei Sichtkontakt oder Lärm Alarm, bzw. tappt man blindlings in den Blickwinkel einer Überwachungskamera, ist die Mission gelaufen. Da hilft es nur, die Routen der Patrouille auf der Karte zu studieren, sie mit aufgesetztem Schalldämpfer auszuknipsen oder mit dem Messer lautlos niederzustrecken. Dass man dem Smalltalk der Terroristen aus dem Hinterhalt heraus lauschen kann, ist ein nettes Gimmick, eine kleine Belohnung für die lautlose Aktion. Glaubhaft und spannend!

Das komplette Gegenstück sind die Deadline-Operationen, in denen das Missionsziel in einer vorgegeben Zeit erledigt werden müssen. Mienen und andere Hindernisse erschweren die actiongeladenen Operation, in denen eine kleine Übermacht mit Köpfchen ausgeschaltet werden muss. Sabotage- und Rettungseinsätze sorgen für nochmals mehr Abwechslung, auch wenn Interaktionen per Touchscreen mit der Umwelt hätten kreativer sein dürfen. Ein simples Antippen, das war’s dann schon. Für alle Missionen gilt, dass vor allem die alternativen Routen und auch der eigene Spielstil diverse Möglichkeiten bei der Vorgehensweise erlauben. Ebenso schön ist die Vielfalt beim Leveldesign: Von der U-Bahn bis hin zur Disco, hier gibt es vieles zu entdecken.

Neben der Highscore-Jagd halten nach Beendigung der 36 Einsätze auch die Primär-Missionen weiterhin bei Laune, in denen Gegner mit Rang und Namen beseitigt werden müssen. Und wer in seiner Freundesliste weitere „Unit 13“-Spieler vorzuweisen hat, kann per Wifi-Verbindung im Koop-Modus gänzlich neue Taktiken ausklügeln, die ein Mitstreiter überhaupt erst erlaubt.

Ich: Eine Ein-Mann-Armee

„Unit 13“ macht spielerisch sehr vieles richtig, Sound und Optik sind ebenfalls gelungen, wenngleich die Grafik in ihrer Gesamtheit nicht mit der Pracht von „Uncharted: Golden Abyss“ mithalten kann. Wirklich schade aber ist das Fehlen einer fesselnden Handlung. Ein Missionbriefing ist vorhanden, sogar gut vertont, aber ohne jeden Zusammenhang. Hier wurde eine Menge Potenzial verschenkt.

Trailer

Wie man sich vielleicht wieder etwas in Form bringen kann, ohne seinen gemütlichen Lebensstil auf der Couch gleich aufzugeben, erfahrt Ihr mit unseren kleinen Tipps und Tricks gegen die Gamer-Plautze:

Wer abnehmen will, kommt um drei Punkte nicht herum: Bewegung, gesundes Essen und Entspannung. Das ist altbekannt und jeder, der sich schon mal mit dem Problem beschäftigt hat, wird zustimmen, dass wenn man nur einen Punkt extrem auslebt auf lange Sicht kaum Erfolge verzeichnen wird. Zwei Wochen eine Diät machen und sich nicht bewegen bringt die verlorenen Kilos schneller wieder als man es gerne hätte. Viel Sport machen kostet Zeit, die man ja vielleicht lieber mit Filmen und Spielen oder Lesen verbringen würde und nimmt einem den Spaß an der Bewegung. Wer gesund isst und viel Sport treibt, vernachlässigt die Ruhe und Wellness für den Geist, was sich auf lange Sicht auch negativ auf Eure Pläne auswirkt. Daher empfehlen wir lieber von allem ein bisschen und dafür auf lange Sicht handeln, selbst wenn es nur bis zum nächsten Winter geht:

Tipp 1: Alternative Getränke ausprobieren

Tipp 2: Alternative Snacks

Tipp 3: Bewegung im Alltag steigern

Tipp 4: Mit sich selber zufrieden sein

Tipp 5: The Sporty Geek Challenge

• Kalorienarme und gesunde Bentos mit Videospiel-Elementen kreieren
• Filme im Stehen gucken
• Jedes Mal, wenn man ein Leben verliert 10 Liegestütze (oder was ihr so schafft)
• Ein ganzes Buchkapitel im Spazieren lesen (Vorsicht, Straßenschilder!)
• Erst ins Internet gehen, wenn man an dem Tag schon eine sportliche Tat vollbracht hat

Da kommt man nach einem langen Arbeitstag nach Hause und ganz unerwartet steckt ein Umschlag im Briefkasten. "Was mag das bloß sein?", frage ich mich. Beim Auspacken springt mir eine CD entgegen - ah, Newcomer Band wünscht sich ein Review. Der optische Ersteindruck fällt nicht so umwerfend aus, vielleicht bin ich als Grafik-Designer ein wenig zu kritisch, aber das Cover-Artwork suggeriert mir nicht, dass ich hier eine Metal-Scheibe in der Hand halte. Das Bandlogo sieht aus wie ein Graffiti-Tag, der Comic-Affe scheint auch mehr aus dem Street-Art Bereich zu kommen, doch die poetische Note mit der Schreibschrift im Hintergrund in Verbindung mit starken Großbuchstaben und Photoshop-Schlagschatten mischen hier ungewöhnliches ineinander und verwirren zunächst. ABER...

Die Apokalypse aus Lautsprechern

Viele Alben klingen ja leider so, als würde ein und das selbe Lied in verschiedenen Versionen durchlaufen, was man ihnen auf "We Are The Apokalypse" nicht vorwerfen kann - die Collage-artige Weise, ihr Album aus den vielen Einflüssen zusammenzustellen schafft immerhin eine abwechslungsreiche Scheibe, in der zum Beispiel in "The First Cut" sogar Frauen-Gesang seinen Einzug findet, was mir sehr gut gefällt - davon hätte ich gerne viel, viel mehr gehabt. "Outsourced" und "Regret" entpuppen sich dann nach mehreren Hören dank recht schöner Gesangmelodien auch als recht hörenswert. Ansonsten wollen bei mir einfach keine Ohrwürmer entstehen, viele Gesangs-Melodien wollen nicht so richtig hängen bleiben und man ist, sobald die CD vorbei ist dann nicht mehr unbedingt noch damit beschäftigt.

Die Vorbilder der Band geben ihnen aber das Meiste vor: Ob "Attack Attack!", oder "His Statue Falls" - hier versucht die Band, alle Elemente ihrer Lieblingsbands zu vereinen und daraus etwas Neues zu schaffen und zu übertreffen. Doch diese Bands haben die Messlatten sehr hoch angesetzt - so ist es natürlich schwierig, und auf dem ganzen Album vermisse ich einfach noch den einen oder anderen Hit und den besonderen Aufhänger, der DEN "Enter the Primates"-Sound ausmacht. Der Gesang, die Growls mögen alle in Ordnung sein und die Produktion klingt auch solide (gerade für ihr Budget) und holen einiges an Druck aus meinen lieben Standlautsprechern, aber überfliegen tun die Jungs aus Stuttgart ihre Vorbilder nunmal nicht - denn dafür fehlt es an großen Überraschungen.

Hörprobe

Linktipps

• http://www.facebook.com/entertheprimates
• http://www.myspace.com/entertheprimates
• entertheprimates

Vielen Dank an BerlINSANITY für das Rezensionsexemplar.

Ein Mensch kapselt sich mittels einer Kameralinse von der Gesellschaft ab. Er hat keine Freunde, sein Vater ist Alkoholiker, seine Mutter sterbenskrank, in der Schule ist er das schwächste Glied. Doch vieles verändert sich als Andrew eines Abends von seinem Cousin Matt auf eine Party mitgeschleppt wird. Ein Rave in einer Lagerhalle soll es sein, doch das wirklich Interessante, geschieht außerhalb der tanzenden Menge. Denn als Steve, der beliebteste Junge der Schule auf Andrew trifft und sie gemeinsam mit Matt eine Höhle erkunden, passiert Ungeahntes... Kurze Zeit nach der Erkundung der Höhle fällt den Dreien etwas auf: Ihre Konzentration bemächtigt sie dazu Dinge, inklusive sich selbst, schweben zu lassen. Sie können Objekte mittels Augenkontakt manipulieren und sie sind beinahe resistent gegen äusserliche Einwirkungen, wie beispielsweise Schläge. Nach diesem Vorfall werden Andrew, Steve und Matt die besten Freunde, sie nutzen ihre Kräfte, um sich zu amüsieren und haben Spaß daran sich weiter zu entwickeln. Alles könnte so idyllisch sein, doch als Andrews Mutter plötzlich im Sterben liegt und ihr alkoholabhängiger Ehemann nicht mehr dazu in der Lage ist, die Medikamente zu bezahlen, trifft Andrew eine fatale Entscheidung, die das Leben aller Beteiligten verändern wird.

Ernsthaft, noch mehr Superhelden?!

Trailer

Vor knapp 15 Jahren war ich sieben Jahre alt, noch feucht hinter den Ohren und dennoch völlig vertieft in eine Welt. Die Scheibenwelt. Sie ist eine fiktive Welt des Schriftstellers Terry Pratchett. Dieser brachte bereits etliche Romane heraus. Von diesen Romanen wurden einige verfilmt, wie beispielsweise „Hogfather“ und „Die Farben der Magie“ und drei versoftet. Da ich im Alter von sieben Jahren noch nicht viel mit Romanen, aber umso mehr mit Computerspielen anfangen konnte, hielt mich der Titel „Discworld 2: Vermutlich vermisst....?!“ in seinem Bann. Das kann man sich ungefähr so vorstellen: 32-Bit Grafik flimmerte auf dem Bildschirm eines Packard Bell Heim Computers, der meinen Eltern gehörte und ich saß mit weiten Augen und noch weiter geöffnetem Mund davor und klickte mich durch bizarre Umgebungen.

Ein zauberhaftes Praktikum

Scheibenweltmanieren

Magische Kopfnüsse

Dazu muss man sagen, dass die Lösungswege hin und wieder so banal ausfallen, dass man bloß fassungslos auf den Bildschirm starrt. Nach wenigen Sekunden jedoch wieder herzlich lacht. So ist eben Discworld 2. Hart, aber herzlich.

Sid (Jaycee Chan) ist selbstverliebt, egoistisch und großspurig – kurz, ein verzogener Bursche und pädagogisches Opfer turbulenter Familienverhältnisse: Sein Vater (Tony Leung Ka-Fai) ist ein skrupelloser Gangsterboss, seine Mutter in früher Kindheit davongelaufen, weil sie es nicht länger mit ihrem Ehemann aushielt. Es grenzt schon beinahe an ein Wunder, dass der junge Hobbyschlagzeuger nicht schon längst in ernste Schwierigkeiten gelangte. Schließlich nahm das Drama aber seinen längst überfälligen Anfang, als Stephen Ma, „Geschäftspartner“ von Sids Vater und ein noch größerer Fisch in Hong-Kongs Unterwelt, Sid in seiner Badewanne erwischt, zusammen mit Stephens Freundin. Stephen ist kein Unmensch. Er verlangt nicht gleich nach dem Leben des jungen Draufgängers, nein, ihm reichen schon die beiden Hände. Sids Vater schickt seinen Sohn in die Sicherheit der ländlichen Idylle Taiwans und liefert Stephen Ma die Hände eines anderen. In Taiwan angekommen, plagt Sid die Langeweile, Tag ein, Tag aus, bis er eines Morgens die Klänge chinesischer Trommeln aus den Bergen hallen hört und von ihnen unweigerlich angezogen wird.

In der Ruhe liegt Kung Fu

Wie der Vater, nicht der Sohn

PS: Wann können wir mit den amerikanischen Trommlern rechnen?

„Werdet Ihr mich trotz allem noch lieben?“ Tränen laufen über Helenas entstelltes Gesicht, gezeichnet von einem Fluch, der sie langsam zu einer abscheulichen Bestie werden lässt. Ich kann es nicht… ich werde dieses grauenvolle Schicksal nicht zulassen! Mit meiner Kette werde ich den Fluch brechen, die dreizehn Türme erklimmen und den mysteriösen Meistern das heilende Fleisch aus ihren Leibern reißen. Helena, halte durch, ich werde Dich retten! So wie du einst mich…

Unter einem ungünstigen Stern

Einfühlsam, und zurückhaltend wie das Pärchen selbst, so schreibt „Pandora’s Tower“ seine Geschichte. Es ist ein schönes wie einzigartiges Erlebnis, als interaktiver Zuschauer dabei zu sein, wie Helena und Aeron ihrem Verhängnis trotzen und in dieser beinahe aussichtslosen Zeit eine hoffnungsvolle Liebe keimt und wächst.  Und schon bald stimmt sich auch ein warmes Gefühl ein, wenn man mit kleinen Geschenken und aufmunternden Worten die Bindung stärkt und Briefe Einblicke in Helenas intimen Gedanken und Gefühle gewähren. Insbesondere das Verhalten der sympathischen Charaktere ist stets stimmig, vor allem dann, wenn Helena angewidert in das Fleisch der Monster beißt und ihren Ekel unterdrückt, um schließlich wieder ihre menschliche Gestalt wiederzuerlangen. Toll!

Die Haupthandlung wirkt mit ihren Puzzleteilen beinahe schüchtern, setzt sich unvorhersehbar zu einem Gesamtbild zusammen und lädt mit den in der Zitadelle verstreuten Notizen zum Nachdenken ein: Sind die Monster von Menschenhand erschaffen? Als Waffen für den Krieg, die außer Kontrolle geraten sind? Sind gar Soldaten für Helenas Fluch verantwortlich?

Versprecht mir, dass Ihr unversehrt zurückkommt, Aeron!

Der Weg zum Meister ist prinzipiell stets derselbe: Mehrere Ketten versperren die Tür zu ihm, deren Ursprünge gefunden und zerschlagen werden müssen. Für die nötige Vielfalt sorgen kreative Ideen im Gameplay, insbesondere die magische Kette, die, neben anderen Waffen, in Aerons Besitz ist: Mit ihr können Hebel gezogen, Abgründe überwunden, Wege passierbar und den verschiedenen Kreaturen der Garaus gemacht werden. Auch diverse Kletterpassagen werden geboten, die späterhin mit morschen Stellen erschwert werden und sehr an „Uncharted“ erinnern. Da „Pandora’s Tower“ immer wieder neue Lösungswege abverlangt, findet die Spieldauer einen perfekten Einklang zwischen Knobelei und Länge: Die Rätsel unterhalten bestens, während die einzelnen Türme eine angenehme Größe haben und nicht zu groß geraten sind. Der theatralische Soundtrack klingt ebenso stimmig wie die restliche Soundkulisse, wiederholt sich aber nach kurzer Dauer.

Die Turmuhr schlägt – es wird Zeit